Cinema on the docks

PGC24 - UNO, DUE, TRE!
2024-11-15 14:30 - 16:30 (Europe/Rome) | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Uno, due, tre!
One, Two, Three
Regia: Billy Wilder; sceneggiatura: Billy Wilder, I. A. L. Diamond; soggetto: tratto dal lavoro teatrale Egy, kettö, három (1929) di Ferenc Molnár; interpreti: James Cagney, Horst Buchholz, Pamela Tiffin, Arlene Francis, Howard St. John; produzione: Bavaria Film, Mirisch Corporation, Pyramid Productions; distribuzione italiana: MGM, Park Circus.
Nominato ai Premi Oscar® 1962 come Miglior Fotografia e inserito nella National Board Review Award Top Ten Films nel 1961.
USA, 1961, 108’. Versione originale con sottotitoli in italiano.
SINOSSI
Nella Berlino Ovest degli anni della Guerra Fredda, il signor MacNamara, un dirigente della Coca-Cola, si impegna a far conoscere il famoso drink nei paesi del blocco orientale. Le sue ambizioni si complicano quando Scarlett, la figlia del suo superiore, arriva in città. La ragazza, ribelle e disinibita, rivela infatti di essersi segretamente sposata con Otto, un fervente comunista di Berlino Est, e di voler partire con lui per Mosca. In preda all’ansia per il suo lavoro e il futuro della giovane, MacNamara cercherà di fermare i piani della ragazza. Tra disguidi e inseguimenti, si troverà a dover affrontare le differenze culturali e politiche che caratterizzano il periodo, il tutto con una buona dose di umorismo.
BIO REGISTA
Billy Wilder (1906-2002) è stato un influente cineasta e sceneggiatore austriaco, naturalizzato statunitense. La sua carriera, durata cinque decenni, lo ha reso uno dei registi più brillanti ed iconici del cinema classico hollywoodiano. Wilder è stato insignito dell’AFI Life Achievement Award e del BAFTA Fellowship Award, tra altri riconoscimenti. È stato nominato a 21 Premi Oscar e ne ha ricevuti 7, tra cui Miglior Regista e Miglior Sceneggiatura Originale per Giorni Perduti (1945) e L’appartamento (1960). Ha diretto film iconici come La fiamma del peccato (1944), Viale del tramonto (1950), e A qualcuno piace caldo (1959).
PLOT
In the West Berlin of the Cold War years, Mr MacNamara, a Coca-Cola executive, strives to make the famous drink known in the Eastern Bloc countries. His ambitions are complicated when Scarlett, the daughter of his superior, arrives in town. The rebellious and uninhibited girl reveals that she is secretly married to Otto, a fervent communist from East Berlin, and wants to leave with him for Moscow. Anxious about his job and the girl’s future, MacNamara tries to stop the girl’s plans. Amidst misunderstandings and chases, he will be confronted with the cultural and political differences of the period, all with a good dose of humour.
DIRECTOR’S BIO
Billy Wilder (1906-2002) was an influential Austrian filmmaker and screenwriter, naturalised American. His career spanning five decades made him one of the most brilliant and iconic directors of classic Hollywood cinema. Wilder has been the recipient of the AFI Life Achievement Award and the BAFTA Fellowship Award, among other honours. He was nominated for 21 Academy Awards and received seven, including Best Director and Best Original Screenplay for The Lost Weekend (1945) and The Apartment (1960). He directed iconic films such as Double Indemnity (1944), Viale del tramonto (1950), and A qualcuno piace caldo (1959).

PGC24 - MEMORIES OF A BURNING BODY
2024-11-15 15:00 - 16:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Memories of a Burning Body
Memorias de un cuerpo que arde
Regia: Antonella Sudasassi Furniss; sceneggiatura: Antonella Sudasassi Furniss; produzione: Substance Films, Playlab Films; distribuzione: Bendita.
Vincitore del Panorama Audience Award alla 74° edizione del Festival di Berlino.
Costa Rica, Spagna, 2024, 90’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima milanese.
SINOSSI
Tre donne costaricane, le sessantenni Ana e Patricia e la settantenne Mayela, sono cresciute in un’epoca in cui la sessualità non veniva discussa o espressa liberamente, poiché considerata un tabù. Hanno imparato ad essere donne in un contesto culturale che le ha sempre ingabbiate, all’ombra di norme non dette e di richieste celate dalla società. Grazie a questo film, costruito intorno alle loro esperienze riproposte attraverso la finzione, trovano il coraggio per aprirsi e raccontarsi. Ripercorrendo il proprio passato, delle attrici più giovani incarnano sullo schermo i ricordi e i segreti delle loro intere vite, mentre Sol Carballo interpreta i desideri che le donne ancora covano nei confronti del proprio corpo e del futuro che hanno davanti.
NOTE DI REGIA
Porto il peso di essere figlia di guerriere, di donne forti e coraggiose, ma anche di donne abusate e mal amate. Sono figlia del patriarcato e nipote dello stupro, il peccato più taciuto di tutti. Non ho mai osato chiedere alle mie nonne se i miei nonni le avessero violentate, se potessero decidere, se potessero godere del loro corpo, della loro sessualità. Era semplicemente la croce che dovevano portare. […] Memories of a Burning Body è la conversazione che non ho mai avuto con le mie nonne. È il grido collettivo delle donne che, nonostante i tabù, osano parlare dei loro segreti più intimi.
BIO REGISTA
Antonella Sudasassi Furniss (1986) è una regista e sceneggiatrice costaricana. Ha conseguito gli studi in produzione audiovisiva all’Università del Costa Rica. Il suo primo lungometraggio, The Awakening of the Ants (noto anche come Hormigas), è stato presentato in più di sessantacinque festival internazionali e ha vinto un premio ai Platinum Awards, i premi cinematografici annuali del cinema iberoamericano, come miglior film a tema sociale ed educativo. Nel suo lavoro di regista, il suo interesse è stato quello di raccontare storie incentrate su personaggi femminili e sul modo in cui queste percepiscono la propria sessualità nelle diverse fasi della propria vita.
PLOT
Three Costa Rican women, 60-year-old Ana and Patricia and 70-year-old Mayela, grew up in a time when sexuality was not freely discussed or expressed, as it was considered taboo. They learned to be women in a cultural context that always caged them in, in the shadow of unspoken norms and hidden societal demands. Thanks to this film, built around their experiences presented through fiction, they have the courage to open up and tell their stories. Retracing their past, the younger actresses embody and bring on screen the memories and secrets of their entire lives, while Sol Carballo interprets the desires they still harbor for their bodies and the future they have ahead of them.
DIRECTOR’S NOTE
I carry the weight of being the daughter of warriors, of strong and brave women, but also of abused and ill-loved women. I am a daughter of the patriarchy and a granddaughter of rape, the most silenced sin of all. I never dared to ask my grandmothers if my grandparents raped them, if they could decide, if they could enjoy their bodies, their sexuality. It was simply the cross that they had to carry. […] Memories of a Burning Body is the conversation I never had with my grandmothers. It is the collective outcry of women who despite the taboos, dare to talk about their most intimate secrets.
DIRECTOR’S BIO
Antonella Sudasassi Furniss (1986) is a Costa Rican filmmaker and screenwriter. She studied audiovisual production at the University of Costa Rica. Her first feature film, The Awakening of the Ants (also known as Hormigas), was presented at more than sixty-five international film festivals and won an award at the Platinum Awards, the annual Ibero-American film awards, for best film with a social and educational theme. In her work as a filmmaker, her interest has been in telling stories centered on female characters and the way they perceive their sexuality at different stages of their lives.

PGC24 - CHIAMATA PER IL MORTO
2024-11-15 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Chiamata per il morto
The Deadly Affair
Regia: Sidney Lumet; sceneggiatura: Paul Dehn; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di John le Carré; interpreti: James Mason; Maximilian Schell; Harriet Andersson; produzione: Sidney Lumet Film Productions; distribuzione: Park Circus.
Candidato a cinque Premi BAFTA nel 1968.
Regno Unito, 1967, 107 ’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Londra, anni ’60. L’agente MI5 Charles Dobbs viene incaricato di indagare sulla morte di Samuel Fennan, un agente del controspionaggio britannico trovato morto in circostanze sospette. Sebbene il caso venga rapidamente archiviato come suicidio, Dobbs sospetta un complotto e decide di proseguire le indagini autonomamente. Determinato a scoprire la verità, Dobbs svela una rete di intrighi e tradimenti che lo porta a confrontarsi con pericolosi avversari, a mettere a rischio la propria sicurezza e ad affrontare i demoni della sua vita personale. In un crescendo di tensione, Dobbs si trova immerso in un labirinto di rivelazioni inquietanti, segreti e pericoli, e lotterà tenacemente per ottenere giustizia e smascherare i responsabili del delitto.
BIO REGISTA
Sidney Lumet nasce a Filadelfia, USA, il 25 giugno 1924. Figlio di un attore e di una ballerina, debutta sul palcoscenico a soli quattro anni. Dopo una carriera iniziale nel teatro e in televisione, fa il suo esordio nel cinema con La parola ai giurati (1957), che gli vale riconoscimenti internazionali e una nomination agli Oscar®. Durante gli anni ’60 e ’70 collabora con le più grandi star hollywoodiane e dirige film iconici come Serpico (1973), Quel pomeriggio di un giorno da cani (1975) e Quinto potere (1976). Lumet ha diretto oltre 50 film, ricevendo il Premio Oscar® alla carriera nel 2005. Muore nel 2011 a New York.
PLOT
London, 1960s. MI5 agent Charles Dobbs is assigned to investigate the death of Samuel Fennan, a British counter-intelligence agent found dead under suspicious circumstances. Although the case is quickly dismissed as suicide, Dobbs suspects a conspiracy and decides to pursue the investigation himself. Determined to uncover the truth, Dobbs unravels a web of intrigue and betrayal that leads him to confront dangerous adversaries, risk his own safety and confront the demons of his personal life. In a crescendo of tension, Dobbs finds himself immersed in a labyrinth of disturbing revelations, secrets and dangers, and will fight tenaciously to obtain justice and unmask those responsible for the crime.
DIRECTOR’S BIO
Sidney Lumet was born in Philadelphia, USA, on 25 June 1924. The son of an actor and a dancer, he made his stage debut when he was only four years old. After an early career in theatre and television, he made his film debut with 12 Angry Men (1957), which earned him international recognition and an Oscar® nomination. During the 1960s and 1970s he collaborated with Hollywood’s biggest stars and directed iconic films such as Serpico (1973), Dog Day Afternoon (1975) and Network (1976). Lumet directed over 50 films, receiving the Academy Award® for Lifetime Achievement in 2005. He died in 2011 in New York.

PGC24 - JULIE KEEPS QUIET
2024-11-15 17:00 - 18:45 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Julie Keeps Quiet
Julie zwijgt
Regia: Leonardo Van Dijl; sceneggiatura: Leonardo Van Dijl, Ruth Becquart; interpreti: Tessa Van den Broeck, Ruth Becquart, Koen De Bouw, Claire Bodson, Laurent Caron; produzione: De Wereldvrede, Les Films du Fleuve, HOBAB, Film i Väst, Blue Morning Pictures; distribuzione: New Europe Film Sales; distribuzione italiana: I Wonder Pictures.
Presentato in concorso alla Semaine de la critique della 77° edizione del Festival di Cannes.
Belgio, Svezia, 2024, 97’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese.
SINOSSI
Julie, stella di un’accademia di tennis d’élite, dedica ogni istante alla sua passione per lo sport. Tuttavia, la sua vita cambia drasticamente quando il suo allenatore viene sospeso e successivamente licenziato dopo il tragico suicidio di una giovane giocatrice. Mentre gli altri membri del club vengono incoraggiati a parlare per chiarire la situazione, Julie sceglie un silenzio enigmatico che genera speculazioni tra i compagni e i media. Nonostante il caos che la circonda, Julie concentra tutte le sue energie sul tennis, mantenendo il suo focus sul gioco e sulle sue aspirazioni personali. Solo quando le acque si calmeranno e le circostanze lo permetteranno, troverà finalmente il momento giusto per rompere il silenzio e raccontare la sua verità.
NOTE DI REGIA
Il silenzio di Julie non ha bisogno di molto. E così, come regista, ho cercato di non essere troppo. Mi sono posto sempre la domanda: di cosa ha bisogno Julie? […] La legge di Julie è il silenzio, e lei mi ha chiesto di non infrangerla. Julie non ha scelto il suo silenzio, né di essere al centro dell’attenzione a causa di esso. Così ho cercato di seguire il suo ritmo, il suo tempo. Permettendoci di sentire perché,davvero, sia in silenzio. Alcuni silenzi sono dolci, altri forti. A volte sono violenti, a volte sono responsabilizzanti. Immergersi nel silenzio di Julie è stato un viaggio incredibile.
BIO REGISTA
Leonardo van Dijl è un regista e sceneggiatore belga. Ha esordito con il cortometraggio Get Ripped (2014), vincitore del Grand Jury Award all’Outfest di Los Angeles. Dopo aver ottenuto un Master in cinema alla Luca School of Arts di Bruxelles, ha realizzato il corto Umpire (2015), presentato al Film Festival di Locarno e premiato a San Sebastián. Il suo recente cortometraggio Stephanie (2020) è stato selezionato per la Competizione Ufficiale di Cannes. Oltre a cortometraggi, Leonardo ha diretto videoclip musicali e collaborato con marchi come Prada e FIFA. Julie Keeps Quiet è il suo primo lungometraggio.
PLOT
Julie, star of an elite tennis academy, devotes every moment to her passion for the sport. However, her life undergoes drastic changes when her coach is suspended and subsequently fired after the tragic suicide of a young player. While the other members of the club are encouraged to speak out to clarify the situation, Julie chooses an enigmatic silence that generates speculation among her teammates and the media. Despite the chaos surrounding her, Julie concentrates all her energy on tennis, keeping her focus on the game and her personal aspirations. Only when the dust settles and circumstances allow it, will she finally find the right moment to break the silence and tell her truth.
DIRECTOR’S NOTE
Julie’s silence doesn’t need a lot around it. And so, I have aimed to be less as a director. Asking myself again and again the question: what does Julie need? […] Julie’s law is silence, and she asked me not to break it. Julie did not choose her silence, nor to be the center of attention because of it. And so, I’ve tried to follow her pace, her time. Allowing us to hear why she really is silent. Some silences are gentle, some are loud. At times it’s violent, at times it’s empowering. Being immersed in Julie’s silence was an incredible journey.
DIRECTOR’S BIO
Leonardo van Dijl is a Belgian director and screenwriter. He debuted with the short film Get Ripped (2014), winner of the Grand Jury Award at Outfest Los Angeles. After obtaining a Master’s degree in cinema at the Luca School of Arts in Brussels, he made the short film Umpire (2015), which was presented at the Locarno Film Festival and won an award in San Sebastián. His recent short film, Stephanie (2020), was selected for the Official Competition at Cannes. In addition to short films, Leonardo has directed music videos and collaborated with brands such as Prada and FIFA. Julie Keeps Quiet is his first feature film.

PGC24 - GAZER
2024-11-15 19:30 - 21:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Gazer
Regia: Ryan J. Sloan; sceneggiatura: Ariella Mastroianni, Ryan J. Sloan; interpreti: Ariella Mastroianni, Jack Alberts, Renee Gagner, Marcia Debonis, Tommy Kang; produzione: Telstar Films, Moonland.Tv, 377 Films; distribuzione: Memento International.
Presentato in concorso alla Quinzaine des Cinéastes della 77° edizione del Festival di Cannes.
USA, 2024, 114’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima italiana.
SINOSSI
Frankie è una giovane madre affetta da discronometria, una rara condizione degenerativa del cervello che le impedisce di percepire correttamente il tempo. Colta da paranoia e frequenti blackout, registra la sua vita su cassette per rimanere presente nella sua caotica realtà. Impossibilitata a mantenere un’occupazione stabile a causa della sua condizione, accetta un lavoro rischioso offertole da una misteriosa donna di nome Paige, che le promette $3,000 per riprendere la sua auto dall’aggressivo fratello Henry. Quando Paige non si presenta all’appuntamento, Frankie parte alla sua ricerca, finendo intrappolata in un labirinto di vendetta, inganno e omicidio. Seguendo le tracce di Paige tra motel fatiscenti e fabbriche rumorose, Frankie dovrà affrontare non solo pericoli esterni, ma anche la possibilità che la sua stessa condizione la renda complice della sparizione della donna.
NOTE DI REGIA
Abbiamo iniziato a sviluppare e scrivere Gazer durante il lockdown per il COVID. Ariella era in cassa integrazione dal suo lavoro all’Angelika Film Center, mentre io lavoravo come elettricista. Siamo stati costretti a riflettere su dove ci trovavamo e quanto fossimo lontani dai nostri obiettivi: realizzare film insieme. Il mondo intero si era fermato e non sapevamo quale direzione avrebbe preso, ma se dovevamo intraprendere un progetto, quel momento era perfetto per capire come procedere, così che, quando tutto fosse ripartito, potessimo dedicarci a qualcosa che amavamo.
BIO REGISTA
Ryan J. Sloan è un elettricista originario del New Jersey, regista e sceneggiatore per passione. Ha diretto due cortometraggi: Somewhere Road, nel 2012, e A Message for James, nel 2019, scritto insieme alla compagna e attrice Ariella Mastroianni, con cui condivide un forte sodalizio artistico. I due non hanno studiato cinema e la loro formazione è completamente autodidatta. Insieme hanno scritto e realizzato Gazer (2024), finanziandolo autonomamente con i risparmi di una vita, dopo essersi dedicati a lavori più svariati, spesso adottando come location le case in cui Sloan era assunto per eseguire riparazioni elettriche.
PLOT
Frankie is a young mother suffering from dyschronometry, a rare degenerative brain condition that prevents her from perceiving time correctly. Plagued by paranoia and frequent blackouts, she records her life on cassette tapes to remain present in her chaotic reality. Unable to maintain stable employment due to her condition, she accepts a risky job offered to her by a mysterious woman named Paige, who promises her $3,000 to retrieve her car from her aggressive brother Henry. When Paige fails to show up for the appointment, Frankie sets off in search of her, ending up trapped in a maze of revenge, deceit and murder. Following Paige’s trail between dilapidated motels and noisy factories, Frankie will face not only external dangers, but also the possibility that her own condition will make her complicit in her disappearance.
DIRECTOR’S NOTE
We started developing and writing Gazer during the COVID lockdown. Ariella was furloughed from her job at the Angelika Film Center, and I was working as an electrician. We were forced to reflect on where we were and how far we were from what we wanted to do, which was to make movies together. The whole world had stopped, and we didn’t know where it was gonna go, but if we were going to do something, it was the right time to figure it out so that when the world did start up again, we could at least do something we loved.
DIRECTOR’S BIO
Ryan J. Sloan is a New Jersey-born electrician, filmmaker and screenwriter by passion. He has directed two short films: Somewhere Road, in 2012, and A Message for James, in 2019, co-written with his partner and actress Ariella Mastroianni, with whom he shares a strong artistic partnership. The two have not studied filmmaking and their training is completely self-taught. Together they wrote and made Gazer (2024), financing it themselves with their life savings, after having devoted themselves to a wide variety of jobs, often adopting as locations the houses where Sloan was employed to carry out electrical repairs.

PGC24 - THE WORST PERSON IN THE WORLD
2024-11-15 21:30 - 23:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
LA PERSONA PEGGIORE DEL MONDO (2021) JOACHIM TRIER
Norvegia; 121’; Director: Joachim Trier; Producers: Thomas Robsahm Mattias Nohrborg Mikkel Jersin Juliette Schrameck Andrea Berentsen Ottmar Caroline Jacobsen Eva Jakobsen Elisha Karmitz Nathanaël Karmitz Katrin Pors Peter Possne Mone Mikkelsen Renée Hansen Mlodyszewski; Writers: Joachim Trier Eskil Vogt; Casting: Yngvill Kolset Haga; Editor: Olivier Bugge Coutté; Cinematography: Kasper Tuxen; Cast: Renate Reinsve Anders Danielsen Lie Herbert Nordrum Hans Olav Brenner Helene Bjørnebye Vidar Sandem Maria Grazia Di Meo Lasse Gretland Karen Røise Kielland
Trama: Julie rompe con il suo fidanzato Aksel e si butta in una nuova relazione nella speranza di ottenere una nuova prospettiva sulla vita. Tuttavia, presto si rende conto che alcune scelte sono già alle sue spalle.
Plot: Julie breaks up with her boyfriend Aksel and she throws herself into a new relationship in the hope of getting a new perspective on life. However, she soon realizes that some choices are already behind her.

PGC24 - SULTANA'S DREAM
2024-11-16 14:45 - 16:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Sultana’s Dream
El sueño de la sultana
Regia: Isabel Herguera; sceneggiatura: Isabel Herguera, Gianmarco Serra; soggetto: basato sull’omonimo racconto del 1905 della femminista bengalese Begum Rokeya; produzione: El Gatoverde Producciones, Goya Sultana Films, Abano Producións, UniKo estudio, Fabian&Fred; distribuzione: Square Eyes.
Vincitore del Grand Prix della sezione Contrechamp alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy.
Spagna, Germania, 2023, 85’. Animazione. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima.
SINOSSI
Inés è un’artista spagnola che vive in India. Un giorno scopre Sultana’s Dream, un racconto provocatorio scritto da Rokeya Hossain nel 1905, che immagina un’utopia chiamata Ladyland, dove le donne sono al potere mentre gli uomini si occupano delle faccende domestiche. Affascinata da questo mondo visionario, Inés intraprende un viaggio attraverso l’India per esplorare la vita di Hossain e cercare spazi in cui le donne possano vivere liberamente e in pace. Mentre affronta le sue difficoltà emotive, tra cui la fine di una relazione, Inés intreccia la sua storia con quella di Hossain, approfondendo temi di disuguaglianza di genere, paura e stigmi sociali. Il film unisce visioni poetiche e simbolismo culturale per sfidare le norme esistenti, immaginando un futuro in cui il cambiamento è possibile, grazie all’immaginazione e al pensiero critico.
NOTE DI REGIA
Sultana’s Dream di Rokeya Hossain mi è capitato tra le mani per caso, mentre mi riparavo dalla pioggia in una libreria in India. Ho capito subito che questo era il prossimo film che volevo realizzare. […] Come potevo mantenere il carattere originale della storia, ricca di sfumature e di riferimenti alla realtà del Bengala all’inizio del XX secolo, senza tradirla con un approccio occidentale? Così è nata l’idea della protagonista Inés: una giovane artista spagnola contemporanea, […] che rimane affascinata dal libro e decide di viaggiare in India alla ricerca di tracce dell’autrice e della stessa Ladyland.
BIO REGISTA
Isabel Herguera è un’animatrice e regista spagnola. Ha studiato belle arti all’Universidad del País Vasco e all’Art Academy di Düsseldorf, per poi conseguire un master alla Calarts di Los Angeles, dove ha diretto il cortometraggio Los Muertitos (1993), incentrato sul muro tra Messico e Stati Uniti. Nel 1997 ha fondato Loko Pictures, producendo diversi spot pubblicitari e il cortometraggio The Balloon (2003). Dopo il ritorno in Europa, ha diretto il festival Animac e coordinato il Laboratorio de imagen en movimiento ad Arteleku. È docente presso numerose prestigiose istituzioni e ha tenuto workshop di animazione in tutto il mondo. Sultana’s Dream è il suo primo lungometraggio.
PLOT
Inés, a Spanish artist living in India, discovers Sultana’s Dream, a thought-provoking tale written by Rokeya Hossain in 1905 that imagines a utopia called Ladyland, where women govern while men undertake domestic responsibilities. Captivated by this visionary world, Inés embarks on a journey across India to explore the life of Hossain and seek out spaces where women can live freely and peacefully. As she navigates her own emotional struggles, including a relationship’s end, Inés intertwines her narrative with Hossain’s, delving into themes of gender inequality, fear, and the societal stigmas faced by women. The film blends poetic visuals and cultural symbolism to challenge existing norms, envisioning a future where change is possible through imagination and critical thought.
DIRECTOR’S NOTE
Sultana’s Dream by Rokeya Hossain fell into my hands by chance, while I was sheltering from the rain in a bookstore in India. I knew immediately that this was the next film I wanted to make. […] How could I maintain the original character of the story, full of nuances and references to the reality of Bengal in the early twentieth century, without betraying it with a Western look? This is when we came up with the idea of the main character Inés: a young Spanish contemporary artist, […] who is fascinated by the book and decides to travel to India in the search for traces of the author and Ladyland itself.
DIRECTOR’S BIO
Isabel Herguera is a Spanish animator and filmmaker. She studied fine arts at the Universidad del País Vasco and at the Art Academy in Düsseldorf, and later obtained a Master’s degree at Calarts in Los Angeles, where she directed the short film Los Muertitos (1993), focused on the wall between Mexico and the United States. In 1997, she founded Loko Pictures, producing several commercials and the short film The Balloon (2003). After returning to Europe, she directed the Animac festival and coordinated the Laboratorio de imagen en movimiento at Arteleku. She is a lecturer at numerous prestigious institutions and has held animation workshops all over the world. Sultana’s Dream is her first feature film.

PGC24 - FOX AND HARE SAVE THE FOREST
2024-11-16 15:00 - 16:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Volpe e lepre salvano la foresta
Fuchs und Hase retten den Wald (Fox and Hare Save the Forest)
Regia: Mascha Halberstad; sceneggiatura: Fabie Hulsebos; soggetto: tratto dalla serie di libri per l’infanzia Vos en Haas en de Bosbaas creata dall’autrice belga Sylvia Vanden Heede; produzione: Submarine, Walking the Dog, Doghouse; distribuzione: Urban Sales.
Presentato in concorso nella sezione Generation Kplus al 74° Festival internazionale del Cinema di Berlino e alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy.
Paesi Bassi, Belgio, Lussemburgo, 2024, 71’. Animazione. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima milanese.
Film eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024.
SINOSSI
Nella grande foresta, Volpe e Lepre vivono in armonia con il loro gruppo di amici. Durante una festa, scoprono che Gufo è misteriosamente scomparso e, preoccupati, partono alla sua ricerca. Presto si imbattono in un enorme lago che minaccia di sommergere la foresta, creato da Castoro, un presuntuoso costruttore di dighe, aiutato da due ratti dispettosi. Determinati a salvare la loro casa e ritrovare Gufo, Volpe e Lepre affrontano avventure emozionanti e sfide impreviste. Con l’aiuto dei loro amici, dovranno usare astuzia e coraggio per risolvere il mistero del lago e riportare la pace nella foresta. Una storia avvincente che celebra l’amicizia e il valore di proteggere il luogo che si ama.
NOTE DI REGIA
Devo dire che non sono il tipo di regista che vuole trasmettere un “messaggio” in senso stretto. Cerco di minimizzare il messaggio. Cerco di includerlo, ma in modo leggero, con una risata. Non voglio forzarlo. Quando il film è stato selezionato per la Berlinale, Sebastian Markt, direttore della Berlinale Generation, mi ha scritto: “La capacità di condividere una stanza con persone per ridere e ridere è un privilegio in questi tempi, e abbiamo riso, guidati dal tuo film, dai suoi personaggi affascinanti e dalla sua leggera (ma molto apprezzata) stravaganza!” Mi è piaciuta molto quella frase. Voglio che le persone escano dal cinema con un sorriso.
BIO REGISTA
Mascha Halberstad è una regista e illustratrice olandese, nata nel 1973. Ha diretto cortometraggi come Goodbye Mister de Vries (2012) e Munya in Me (2013), oltre a serie animate come Picknick with Cake (2012), premiata dalla giuria Cinekid Kinderkast Fiction, e Fox and Hare (2018), che ha ricevuto il Cinekid Audience Award. Il suo primo lungometraggio, Oink (2022), ha debuttato nella sezione Generation della Berlinale 2022, partecipando a numerosi festival internazionali, tra i quali Festival Piccolo Grande Cinema 2022. Con il suo secondo lungometraggio, Fox and Hare Save the Forest (2024), Mascha continua a lavorare nel campo dell’animazione con grande creatività e passione.
PLOT
In the great big forest, Fox and Hare live in harmony with their group of friends. During a party, they discover that Owl has mysteriously disappeared and, worried, set off in search of him. They soon come across an enormous lake that threatens to flood the forest. It was created by Beaver, a cocky dam builder, aided by two mischievous rats. Determined to save their home and find Owl, Fox and Hare face exciting adventures and unexpected challenges. With the help of their friends, they must use their cunning and courage to solve the mystery of the lake and restore peace to the forest. A gripping story that celebrates friendship and the value of protecting the place you love.
DIRECTOR’S NOTE
I have to say that I’m not a ’’message“ kind of director in that sense. I actually try to downplay the message. I do try to get it in there, but lightheartedly, with a laugh. I don’t want to force it. When the movie was selected for Berlinale, Sebastian Markt, who is Head of Berlinale Generation, wrote to me: ‘‘The ability to share a room with people to laugh and laugh is a privilege in these times, and laugh we did, led by your film, its charming characters and mild (but much appreciated) wackiness!“ I really liked that sentence. I want people to leave the theater with a smile.
DIRECTOR’S BIO
Mascha Halberstad is a Dutch filmmaker and illustrator, born in 1973. She has directed short films such as Goodbye Mister de Vries (2012) and Munya in Me (2013), as well as animated series such as Picknick with Cake (2012), which won the Cinekid Kinderkast Fiction jury award, and Fox and Hare (2018), which received the Cinekid Audience Award. His first feature film, Oink (2022), premiered in the Generation section of the Berlinale 2022 and participated in numerous international festivals, including Festival Piccolo Grande Cinema 2022. With his second feature film, Fox and Hare Save the Forest (2024), Mascha continues to work in the field of animation with great creativity and passion.

PGC24 - VITTORIA
2024-11-16 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano Metropolis, Via Oslavia 8, Paderno Dugnano, Mi, 20037, Italia
Vittoria
Regia: Alessandro Cassigoli, Casey Kauffman; sceneggiatura: Alessandro Cassigoli, Casey Kauffman; interpreti: Marilena Amato, Gennaro Scarica, Vincenzo Scarica, Anna Amato, Nina Lorenza Ciano; produzione: Zoe Films, Sacher Film, Scarabeo Entertainment, LaDoc; distribuzione italiana: Teodora Film.
Vincitore del Premio Arca CinemaGiovani – Miglior film italiano e del Premio FEDIC nella sezione Orizzonti Extra della 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, 2024, 80’. Versione originale in italiano. Opera seconda.
SINOSSI
Jasmine, quarantenne con una vita apparentemente perfetta – un marito amorevole, tre figli e un salone di bellezza a Torre Annunziata – vede la sua serenità incrinarsi dopo la morte del padre. Un sogno ricorrente, in cui una bambina le corre incontro, le provoca un profondo senso di vuoto e completezza al tempo stesso. Determinata a trovare la bambina del sogno, Jasmine intraprende un difficile percorso di adozione internazionale, mettendo a rischio il suo matrimonio e la stabilità della sua famiglia. Vittoria esplora i complessi legami familiari e i desideri profondi e irrazionali che spingono l’essere umano, raccontando una storia reale attraverso uno stile cinematografico intimo e coinvolgente.
NOTE DI REGIA
Quando Jasmine ci ha raccontato la sua storia ci siamo guardati e abbiamo capito di avere un film. Ecco una donna consumata da un profondo desiderio che tutti intorno a lei consideravano irrazionale. Ma lo era? È sbagliato farsi guidare dal cuore e dall’istinto piuttosto che dalla ragione? Ci siamo prefissati di esplorare queste domande nel mondo poco conosciuto dell’adozione internazionale […]. La posta in gioco è alta, persino esistenziale. Era chiaro fin dall’inizio che Jasmine e il marito potevano mettere in scena la propria storia, consentendoci di combinare esperienza di vita reale e drammaturgia classica. Non avevamo però previsto che questo espediente narrativo avrebbe dato ai nostri protagonisti uno spazio per fare i conti con risentimenti irrisolti.
BIO REGISTA
Alessandro Cassigoli, attore, regista, produttore, sceneggiatore, montatore. Dopo gli esordi come assistente alla regia, trasferitosi a Berlino, ha diretto documentari premiati in festival internazionali come Full Frame e Dok Leipzig. Tornato in Italia, ha codiretto con Casey Kauffman il documentario Le cose che restano (2018, premio del pubblico al Biografilm) e i lungometraggio di finzione, Butterfly (2018), Californie (2021) e Vittoria (2024).
Casey Kauffman, regista e giornalista americano, ha lavorato in oltre 30 paesi per Al Jazeera, Sky Italia, APTN, e il World Food Programme. I suoi reportage e documentari hanno ricevuto prestigiosi premi internazionali. Dopo nove anni in Medio Oriente, è tornato in Italia, dove ha codiretto con Alessandro Cassigoli Le cose che restano (2018), Butterfly (2018), Californie (2021) e Vittoria (2024).
PLOT
Jasmine, a forty-year-old woman with an apparently perfect life – a loving husband, three children, and a beauty salon in Torre Annunziata – sees her tranquility shattered after her father’s death. A recurring dream, in which a little girl runs towards her, evokes a profound sense of emptiness and completeness simultaneously. Determined to find the girl from her dream, Jasmine embarks on a challenging journey of international adoption, risking her marriage and family stability. Vittoria explores the intricate family ties and the deep, irrational desires that drive human beings, telling a real story through an intimate and engaging cinematic style.
DIRECTOR’S NOTE
When Jasmine told us her story, we looked at each other and knew we had a film. Here was a woman consumed by a deep desire that everyone around her considered irrational. But was it? Is it wrong to be guided by the heart and instinct rather than reason? We set out to explore these questions in the little-known world of international adoption […]. The stakes are high, even existential. It was clear from the beginning that Jasmine and her husband could portray their own story, allowing us to combine real-life experience with classical dramaturgy. However, we did not foresee that this narrative device would give our protagonists a space to confront unresolved resentments.
DIRECTOR’S BIO
Alessandro Cassigoli, an actor, director, producer, screenwriter, and editor, began his career as an assistant director. After moving to Berlin, he directed documentaries that won awards at international festivals such as Full Frame and Dok Leipzig. Returning to Italy, he co-directed with Casey Kauffman the documentary Le cose che restano (2018, Audience Award at Biografilm) and the narrative films Butterfly (2018), Californie (2021), and Vittoria (2024).
Casey Kauffman, an American director and journalist, has worked in over 30 countries for Al Jazeera, Sky Italia, APTN, and the World Food Programme. His reports and documentaries have earned prestigious international awards. After nine years in the Middle East, he returned to Italy, co-directing with Alessandro Cassigoli Le cose che restano (2018), Butterfly (2018), Californie (2021), and Vittoria (2024).

PGC24 - JIPPIE NO MORE!
2024-11-16 16:30 - 18:15 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
No Jippie, no party
Jippie No More! (Jippie No More!)
Regia: Margien Rogaar; sceneggiatura: Fiona van Heemstra; interpreti: Wesley van Klink, Guido Pollemans, Lotte Jonker, Aus Greidanus Sr, Hannah van Lunteren; produzione: Pupkin Film, VPRO Television; distribuzione: M-Appeal.
Premiato con i premi Youth Jury Award e Best Dutch Children’s Film – Audience Award al Cinekid Festival 2023.
Paesi Bassi, 2023, 94’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima italiana.
SINOSSI
In un affettuoso film familiare che esplora i primi amori e i legami affettivi, seguiamo Jaap Peter, un vivace sedicenne che si prepara con entusiasmo per le nozze della sorella maggiore nella pittoresca casa di campagna del nonno. Mentre l’intera famiglia si mobilita per organizzare la cerimonia perfetta, Jaap Peter si innamora per la prima volta. Tuttavia, Lily, la ragazza dei suoi sogni, sembra più interessata a sua sorella minore, Joe. Deluso e scoraggiato, Jaap Peter perde interesse per i festeggiamenti, ma, ben presto, si renderà conto che la sua presenza e il forte legame con i parenti sono essenziali per il successo della festa, riscoprendo il valore della comunità e dell’amore.
NOTE DI REGIA
Volevo realizzare un film con protagonista una persona con disabilità dello sviluppo. Un film accessibile, in cui la sindrome di Down non fosse il tema principale, ma un aspetto secondario. Da tempo realizzo film con bambini e ho notato che i bambini con disabilità spesso hanno un ruolo marginale. Volevo cambiare questa situazione. La realizzazione di un film è un processo di lavoro ad alta pressione. Per rendere tutto accessibile per il nostro attore Wesley van Klink, abbiamo dovuto esaminare quel processo e adattarlo a lui. […] Jippie è un personaggio principale che inizialmente potrebbe non somigliare a tutti i bambini che vedono il film. Ma dopo 90 minuti, tutto questo è completamente cambiato.
BIO REGISTA
Margien Rogaar è una regista olandese. Dopo essersi laureata presso l’Accademia del Cinema dei Paesi Bassi, ha diretto diversi cortometraggi e spettacoli per la televisione olandese. Il suo cortometraggio del 2007, Breath, è stato selezionato per il programma NISI MASA nella Semaine de la Critique. Ha realizzato il suo primo lungometraggio, Maybe Sweden, nel 2006, seguito da Bon Voyage (2010) e Scrap Wood War (2014), tutti incentrati sulla vita dei bambini e delle loro famiglie. Nel 2016 ha diretto Remi, Nobodys Boy, nominato per un Emmy Award. Recentemente, ha creato la serie televisiva Lampje e presentato il suo ultimo film, Jippie No More! all’apertura del festival Cinekid 2023 di Amsterdam.
PLOT
In an affectionate family film that explores first love and emotional bonds, we follow Jaap Peter, a vivacious 16-year-old boy who enthusiastically prepares for his older sister’s wedding in his grandfather’s picturesque country house. As the whole family scrambles to organise the perfect ceremony, Jaap Peter falls in love for the first time. However, Lily, the girl of his dreams, seems more interested in his younger sister, Joe. Disappointed and discouraged, Jaap Peter loses interest in the party. However, he soon realises that his presence and the strong bond with his relatives are essential to the success of the celebration and rediscovers the value of community and love.
DIRECTOR’S NOTE
I wanted to make a film starring a person with a developmental disability. An accessible film, in which Down syndrome was not the subject, but a side issue. I have been making films with children for a long time and my experience is that children with a disability often have a supporting role. I wanted to change that. Filmmaking is a high-pressure work process. To make it accessible for our actor Wesley van Klink, we had to examine that process and tailor it to him. […] Jippie is a main character who may not initially resemble all the children who see the film. But after 90 minutes that has completely changed.
DIRECTOR’S BIO
Margien Rogaar is a Dutch filmmaker. After graduating from the Film Academy of the Netherlands, she directed several short films and shows for Dutch television. Her 2007 short film, Breath, was selected for the NISI MASA programme in the Semaine de la Critique. Her first feature film, Maybe Sweden, was made in 2006, followed by Bon Voyage (2010) and Scrap Wood War (2014), all focusing on the lives of children and their families. In 2016, she directed Remi, Nobodys Boy, which was nominated for an Emmy Award. Recently, she created the television series Lampje and presented her latest film, Jippie No More! at the opening of the 2023 Cinekid festival in Amsterdam.

PGC24 - SETTE GIORNI A MAGGIO
2024-11-16 17:00 - 19:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Sette giorni a maggio
Seven Days in May
Regia: John Frankenheimer; sceneggiatura: Rod Serling; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di Fletcher Knebel e Charles W. Bailey; interpreti: Burt Lancaster, Kirk Douglas, Fredric March, Ava Gardner; produzione: Seven Arts Productions, Joel Production Inc., John Frankenheimer Productions; distribuzione: Warner Bros.
Vincitore del Premio David di Donatello per il Migliore Attore Straniero nel 1964.
USA, 1964, 118’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Nel 1970, il generale a quattro stelle James Mattoon Scott, capo di stato maggiore delle forze armate americane, trama segretamente contro il presidente Jordan Lyman, il quale ha appena firmato un trattato di riduzione delle armi nucleari con l’Unione Sovietica. Preoccupato per il crescente malcontento tra il pubblico e alcuni senatori, Scott organizza una base clandestina chiamata ECOMCON per addestrare ufficiali e soldati a un colpo di Stato. Ignaro del complotto, il colonnello Martin “Jiggs” Casey, fedele alla Costituzione, scopre indizi che lo portano a sospettare delle reali intenzioni di Scott. Determinato a prevenire una crisi, Casey decide di avvisare il presidente, avviando un’indagine rischiosa per sventare il piano e proteggere la democrazia americana.
BIO REGISTA
John Michael Frankenheimer (1930-2002) è un regista americano noto per drammi sociali e film d’azione e di suspense. Inizia la sua carriera lavorando a produzioni televisive e debutta nel cinema nel 1957, con la regia di Colpevole innocente. Tra i suoi film più noti ci sono L’uomo di Alcatraz (1962), candidato a quattro Premi Oscar®, Va’ e uccidi (1962), Sette giorni a maggio (1964). Frankenheimer ha diretto circa 40 film per il cinema e 50 per la televisione, ottenendo numerosi premi, tra cui diversi Emmy per il suo lavoro in TV e nomination a Golden Globe e Palme d’Or per il cinema.
PLOT
In 1970, four-star General James Mattoon Scott, chief of staff of the US armed forces, secretly plots against President Jordan Lyman, who has just signed a nuclear arms reduction treaty with the Soviet Union. Concerned about growing discontent among the public and some senators, Scott organises a clandestine base called ECOMCON to train officers and soldiers for a coup. Unaware of the plot, Colonel Martin ‘Jiggs’ Casey, loyal to the Constitution, uncovers clues that lead him to suspect Scott’s real intentions. Determined to prevent a crisis, Casey decides to warn the president, launching a risky investigation to foil the plan and protect American democracy.
DIRECTOR’S BIO
John Michael Frankenheimer (1930-2002) is an American filmmaker known for social dramas, action and suspense films. He began his career working on television productions and made his film debut in 1957, directing The Young Stranger. Among his best known films are Birdman of Alcatraz ( 1962), nominated for four Academy Awards®, The Manchurian Candidate (1962), Seven Days in May (1964). Frankenheimer has directed about 40 films for film and 50 for television, winning numerous awards, including several Emmys for his work in TV and nominations for Golden Globe and Palme d’Or awards for his films.

PGC24 - MASTERCLASS DI RAPHAEL GUALAZZI
2024-11-16 18:30 - 19:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Masterclass di Raphael Gualazzi.

PGC24 - SILENT TRILOGY
2024-11-16 19:15 - 20:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Silent Trilogy
Mykkätrilogia
Regia: Juho Kuosmanen; sceneggiatura: Juho Kuosmanen; interpreti: Seppo Mattila, Jaana Paananen, Juha Hurme, Aku-Petteri Pahkamäkiproduzione: AAMU Film Company, Otso Film; distribuzione: Totem Films.
Trilogia composta dai titoli Romu-Mattila and a Beautiful Woman (Romu-Mattila ja kaunis nainen, 2012), The Moonshiners (Salaviinanpolttajat, 2017), A Planet Far Away (Kaukainen planeetta, 2023).
Presentato in selezione ufficiale alla 38° edizione del festival Il Cinema Ritrovato.
Finlandia, 2024, 59’. Senza dialoghi con didascalie sottotitolate in italiano.
SINOSSI
Tre cortometraggi senza dialoghi esplorano temi di emarginazione sociale con umorismo (tipicamente finlandese) e affetto. Il primo film, Romu-Mattila ja kaunis nainen (2012), segue Romu-Mattila, un uomo che, dopo aver perso il suo appartamento, decide di vendere i suoi beni e trasferirsi in Svezia. Il secondo film, Salaviinanpolttajat (2017), celebra il centenario dell’indipendenza della Finlandia e racconta la storia di due distillatori clandestini ingannati da un imbroglione. Il terzo film, Kaukainen planeetta (2023), vede la guardiana del faro Marlanda partire per lo spazio alla ricerca del fratello. Un omaggio al cinema delle origini, la trilogia mette in luce l’umanità, l’inventiva e la vita quotidiana di persone spesso trascurate dalla società.
NOTE DI REGIA
L’origine di Mykkätrilogia risale all’inizio del secondo decennio degli anni Duemila, quando ho conosciuto [il rumorista] Heikki Kossi, che si era trasferito a Kokkola. Volevo realizzare una performance cinematografica in cui tutti i suoni fossero creati dal vivo mentre il film veniva proiettato sullo schermo e luce e ombra interagivano tra loro. Sono appassionato di rumori dal vivo, per me la loro creazione ha qualcosa di magico. Mi affascina vedere come oggetti diversi producano suoni meccanici che, insieme alle immagini, creano significati completamente nuovi. Penso che questo tipo di performance cinematografica si avvicini alla magia e alla giocosità che caratterizzavano le proiezioni dei film agli albori del cinema.
BIO REGISTA
Juho Kuosmanen, nato a Kokkola il 30 settembre 1979, è un regista e sceneggiatore finlandese. Durante gli studi alla ELO Helsinki Film School di Aalto, inizia a farsi notare con il mediometraggio Taulukauppiaat (2010), che ha vinto il primo premio della sezione Cinéfondation al Festival di Cannes. La sua opera più nota, La vera storia di Olli Mäki (2016), ha ottenuto il primo premio della sezione Un Certain Regard a Cannes e ha rappresentato la Finlandia agli Oscar del 2017. Nel 2021, il suo film Scompartimento n. 6 vince, sempre a Cannes, il Grand Prix Speciale della Giuria.
PLOT
Three silent short films explore themes of social exclusion with (typically Finnish) humour and affection. The first film, Romu-Mattila ja kaunis nainen (2012), follows Romu-Mattila, a man who, after losing his flat, decides to sell his possessions and move to Sweden. The second film, Salaviinanpolttajat (2017), celebrates the centenary of Finland’s independence and tells the story of two underground distillers deceived by a swindler. The third film, Kaukainen planeetta (2023), sees the lighthouse keeper Marlanda set off into space in search of her brother. An homage to early cinema, the trilogy highlights the humanity, inventiveness and everyday life of people often overlooked by society.
DIRECTOR’S NOTE
The origin of Mykkätrilogia dates back to the beginning of the second decade of the 2000s, when I met [foley artist] Heikki Kossi, who had moved to Kokkola. I wanted to make a film performance where all sounds were created live while the film was projected on the screen and light and shadow interacted with each other. I am passionate about live noises, for me their creation has something magical about it. It fascinates me to see how different objects produce mechanical sounds that, together with the images, create completely new meanings. I think this kind of film performance is close to the magic and playfulness that characterised film screenings in the early days of cinema.
DIRECTOR’S BIO
Juho Kuosmanen, born 30 September 1979 in Kokkola, is a Finnish film director and screenwriter. While studying at the ELO Helsinki Film School in Aalto, he began to make a name for himself with the medium-length film Taulukauppiaat (2010), which won first prize in the Cinéfondation section at the Cannes Film Festival. His best-known work, The Happiest Day in the Life of Olli Mäki (2016), won first prize in the Un Certain Regard section at Cannes and represented Finland at the 2017 Oscars. In 2021, his film Compartment No. 6 won the Special Jury Grand Prix at Cannes.

PGC24 - ANOTHER COUNTRY - LA SCELTA
2024-11-16 20:00 - 21:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Another Country – La Scelta
Another Country
Regia: Marek Kanievska; sceneggiatura: Julian Mitchell; soggetto: tratto dall’omonima opera teatrale di Julian Mitchell; interpreti: Rupert Everett, Colin Firth, Cary Elwes, Robert Addie; produzione: Goldcrest Films International, National Film Finance Corporation; distribuzione: Goldcrest Films.
Presentato in concorso alla 37° edizione del Festival di Cannes.
Regno Unito, 1984, 90’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Guy Bennett, ex spia del KGB, vive a Mosca e rievoca la sua giovinezza in un’intervista con una giornalista americana. La narrazione si sposta negli anni ’30 in Inghilterra, in un rigido college frequentato dai figli dell’aristocrazia. Qui, tra opportunismo e ipocrisia, Guy si distingue per la sua franchezza, non temendo di criticare le convenzioni sociali. Innamorato di un compagno, si trova costretto a fuggire quando la loro relazione viene scoperta. Abbandonato dalla famiglia e rifiutato dal suo paese, Guy decide di unirsi al KGB, scegliendo una vita di opposizione a un sistema che lo ha escluso. La sua storia è un viaggio di autoaccettazione e ribellione contro le norme che lo hanno sempre perseguitato.
BIO REGISTA
Marek Kanievska è nato nel 1952 a Londra, da genitori polacchi. Regista televisivo e cinematografico, ha esordito nella settima arte con Another Country – La scelta (1984), un adattamento dell’omonimo dramma di Julian Mitchell, che ha ricevuto riconoscimenti ai Festival di Cannes e Firenze. Per il cinema ha poi diretto Al di là di tutti i limiti (1987), ispirato dal romanzo Meno di zero di Bret Easton Ellis. Dagli anni ’70, Kanievska ha avviato la sua carriera televisiva in Australia, producendo, tra gli altri, diversi episodi della serie Matlock Police. Ha inoltre lavorato a diverse produzioni britanniche, tra cui la celebre Muck and Brass (1982).
PLOT
Guy Bennett, a former KGB spy, lives in Moscow and recalls his youth in an interview with an American journalist. The narrative shifts to 1930s England, to a strict college attended by the sons of the aristocracy. Here, amidst opportunism and hypocrisy, Guy stands out for his frankness, not afraid to criticise social conventions. In love with a companion, he finds himself forced to flee when their relationship is discovered. Abandoned by his family and rejected by his country, Guy decides to join the KGB, choosing a life of opposition to a system that has excluded him. His story is a journey of self-acceptance and rebellion against the norms that have always persecuted him.
DIRECTOR’S BIO
Marek Kanievska was born in 1952 in London to Polish parents. A television and film director, he made his debut in the seventh art with Another Country (1984), an adaptation of Julian Mitchell’s play of the same name, which received awards at the Cannes and Florence Film Festivals. He then directed Less Than Zero (1987), inspired by Bret Easton Ellis’ homonymous novel. From the 1970s, Kanievska launched his television career in Australia, producing, among others, several episodes of the series Matlock Police. He has also worked on several British productions, including the popular series Muck and Brass (1982).

PGC24 - CLOUD
2024-11-16 21:00 - 23:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Cloud
Regia: Kurosawa Kiyoshi; sceneggiatura: Kiyoshi Kurosawa; interpreti: Masaki Suda, Kotone Furukawa, Daiken Okudaira, Amane Okayama, Yoshiyoshi Arakawa; produzione: Nikkatsu Corporation, Tokyo Theatres, Django-Film Corporation; distribuzione italiana: Minerva Pictures.
Presentato Fuori Concorso alla 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Giappone, 2024, 124’. Versione originale con sottotitoli in italiano.
SINOSSI
Ryōsuke Yoshii lavora in una piccola fabbrica e guadagna denaro extra rivendendo online vari articoli sotto lo pseudonimo di “Ratel”. Specializzato in dispositivi medici, borse e figurine, Yoshii si dedica alla compravendita puramente per profitto. Dopo aver rifiutato una promozione, si licenzia e si trasferisce in una casa sul lago con la sua ragazza, Akiko, iniziando una nuova vita, ma continuando ad espandere le sue attività di rivendita con l’aiuto di Sano, un giovane del posto. Tuttavia, presto iniziano a verificarsi incidenti inquietanti intorno a lui. L’odio e la frustrazione delle persone che lo circondano crescono, trasformandosi in una minaccia tangibile. Yoshii si trova così a dover affrontare le conseguenze letali delle sue azioni.
NOTE DI REGIA
Negli angoli oscuri del Giappone moderno, a volte si verificano incidenti violenti apparentemente senza motivo. Quando si indaga sulle cause, si scopre che esiste una sorta di sistema in cui piccoli rancori e frustrazioni vengono accumulati e gonfiati a dismisura da Internet. Mi sono chiesto se un fenomeno del genere potesse servire come soggetto per un film d’azione e ho iniziato a sviluppare questo progetto. […] [Nel film,] la ricerca del profitto e la vendetta si sovrappongono e si amplificano, finendo per mettere in moto atti violenti e, prima che i personaggi se ne possano rendere conto, non si può più tornare indietro. In un certo senso, questo potrebbe anche essere il modo in cui nascono le guerre moderne.
BIO REGISTA
Kiyoshi Kurosawa, nato a Kobe nel 1955, è un regista, sceneggiatore e scrittore giapponese. Dopo aver studiato con il critico cinematografico Hasumi Shigehiko, inizia la sua carriera con cortometraggi in 8mm e pinku eiga, un genere di film erotici giapponesi. Il suo primo lungometraggio, Kandagawa Wars (1983), segna l’inizio di una carriera prolifica. Nel 1997, con il thriller Cure, Kurosawa si afferma come maestro del genere J-Horror. Tra i suoi lavori ci sono Kairo (2001), Bright Future (2003), Tokyo Sonata (2008) e Seventh Code (2013). Nel 2020, ha vinto il Leone d’argento alla 77° Mostra del Cinema di Venezia con Wife of a Spy.
PLOT
Ryōsuke Yoshii works in a small factory and earns extra money by reselling various items online under the pseudonym ‘Ratel’. Specialising in medical devices, bags and figurines, Yoshii deals purely for profit. After refusing a promotion, he quits his job and moves to a lake house with his girlfriend, Akiko, starting a new life, but continuing to expand his reselling activities with the help of Sano, a local young man. However, disturbing incidents soon begin to occur around him. The hatred and frustration of the people who surround him grow, turning into a tangible threat, and Yoshii finds himself facing the deadly consequences of his actions.
DIRECTOR’S NOTE
In the obscure corners of modern-day Japan, violent incidents sometimes occur for seemingly no reason whatsoever. When the causes are investigated, it becomes apparent that a system of sorts exists through which petty grudges and frustrations are accumulated and blown out of proportion by the Internet. I wondered if such a phenomenon would serve as subject matter for an action film, and began developing this project. […] [In the film,] Profiteering and revenge overlap and amplify, eventually setting violent acts into motion, and before you know it, there’s no turning back. In a sense, this might also be how modern-day wars come into being.
DIRECTOR’S BIO
Kiyoshi Kurosawa, born in Kobe in 1955, is a Japanese film director, screenwriter and writer. After studying with film critic Hasumi Shigehiko, he began his career with 8mm short films and pinku eiga, a genre of Japanese erotic films. His first feature film, Kandagawa Pervert Wars (1983), marked the beginning of a prolific career. In 1997, with the thriller Cure, Kurosawa established himself as a master of the J-Horror genre. His works include Pulse (2001), Bright Future (2003), Tokyo Sonata (2008) and Seventh Code (2013). In 2020, he won the Silver Lion at the 77th Venice Film Festival with Wife of a Spy.

PGC24 - I FRATELLI DINAMITE
2024-11-17 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
I fratelli dinamite
Regia: Nino Pagot; sceneggiatura: Ugo Heinze, Sergio Toffolo, Rizzato; produzione: Pagot Film, Milano; distribuzione: Fondazione Cineteca Italiana.
Presentato alla 10° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, 1949, 87’. Animazione. Versione originale in italiano.
SINOSSI
Durante il consueto tè delle cinque, l’amabile zia Cloe racconta con fervore le incredibili avventure dei suoi nipotini, Din, Don e Dan, noti come i fratelli Dinamite. Orgogliosa di averli strappati a una vita selvaggia, la zia descrive come, dopo un naufragio, i tre bambini si siano ritrovati su un’isola incantata, accuditi da una mucca e da animali amici. Tornati alla civiltà, i fratelli diventano studenti, ma la loro curiosità li spinge a unirsi a due clown al servizio di Belzebù, un demone che rapisce e imprigiona altri bambini. Attraverso astuzia e coraggio, Din, Don e Dan riusciranno a liberarli, dimostrando il potere della bontà. Tra situazioni esilaranti e musica coinvolgente, le avventure dei fratelli Dinamite promettono un divertimento senza fine.
BIO REGISTA
Nino Pagot (1908-1972), nato Giovanni Pagotto, è stato un fumettista, animatore e regista italiano. Trasferitosi a Milano durante la Prima Guerra Mondiale, iniziò la sua carriera negli anni ’20 collaborando con riviste come il “Corriere dei Piccoli”. Nel 1938, Pagot avviò la sua attività di animatore, iniziando a lavorare a I fratelli Dinamite (realizzato nel 1949), uno dei primi lungometraggi d’animazione italiani. Insieme al fratello Toni, creò personaggi come il draghetto Grisù e Calimero, che divenne un simbolo del programma Carosello. Nel 1946 fondò lo studio Pagot, contribuendo a numerosi progetti di animazione.
PLOT
During her customary five o’clock tea, the lovable Aunt Cloe fervently recounts the incredible adventures of her nephews, Din, Don and Dan, known as the Dynamite Brothers. Proud to have plucked them from a wild life, the aunt describes how, after a shipwreck, the three children found themselves on an enchanted island, cared for by a cow and friendly animals. Having returned to civilisation, the brothers become students, but their curiosity drives them to join two clowns in the service of Beelzebub, a demon who kidnaps and imprisons other children. Through cunning and courage, Din, Don and Dan manage to free them, demonstrating the power of goodness. Between hilarious situations and engaging music, the adventures of the Dynamite brothers promise endless fun.
DIRECTOR’S BIO
Nino Pagot (1908-1972), born Giovanni Pagotto, was an Italian cartoonist, animator and director. He moved to Milan during the First World War and began his career in the 1920s by collaborating with magazines such as the “Corriere dei Piccoli”. In 1938, Pagot started his career as an animator, working on I fratelli Dinamite (made in 1949), one of the first Italian animated feature films. Together with his brother Toni, he created characters such as the little dragon Grisù and Calimero, who became icons of the Carosello program. In 1946, he founded the Pagot studio, contributing to numerous animation projects.

PGC24 - IL TEMPO CHE CI VUOLE
2024-11-17 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano Metropolis, Via Oslavia 8, Paderno Dugnano, Mi, 20037, Italia
Il tempo che ci vuole
Regia: Francesca Comencini; sceneggiatura: Francesca Comencini; interpreti: Fabrizio Gifuni, Romana Maggiora Vergano, Anna Mangiocavallo; produzione: Kavac Film, Les films du Worso, IBC Movie, One Art, Rai Cinema; distribuzione italiana: 01 Distribution.
Presentato Fuori Concorso alla 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, Francia, 2024, 110’. Versione originale in italiano.
SINOSSI
La regista Francesca Comencini esplora il rapporto con il padre, il regista Luigi Comencini, in un viaggio emotivo composto di ricordi condivisi. La storia si dipana tra momenti di intimità e conflitto, rivelando come la passione per il cinema abbia influenzato la loro relazione. Francesca, una giovane ragazza alle prese con la propria identità, si confronta con le aspettative e la fama del genitore, sentendosi spesso inadeguata. Mentre la vita di Francesca è segnata da eventi storici e personali complessi, il film mette in luce i legami familiari e le sfide della crescita. Attraverso il potere del cinema, i due protagonisti cercano di riconciliarsi, scoprendo la bellezza e le difficoltà del rapporto tra padre e figlia.
NOTE DI REGIA
Dopo tanti anni passati a fare il suo stesso lavoro cercando di essere diversa da lui, ho voluto raccontare quanto ogni cosa che sono la devo a lui: ho voluto rendere omaggio a mio padre, al suo modo di fare cinema, al suo modo di essere, all’importanza che la sua opera e il suo impegno hanno avuto per il nostro cinema, all’importanza che la sua persona ha avuto per me. Forse, mi sono detta, forse ora sono abbastanza anziana, ne sono capace, forse ora sarò all’altezza di questo racconto. Forse, ora, è arrivato il momento di dirgli grazie.
BIO REGISTA
Francesca Comencini è una regista e sceneggiatrice italiana, figlia del regista Luigi Comencini. Dopo aver iniziato gli studi in Filosofia, negli anni Ottanta abbandona l’università per dedicarsi al cinema. Fa il suo esordio con Pianoforte (1984), seguito da opere significative come Mi piace lavorare (2004), presentato al Festival di Berlino e vincitore del Premio della giuria ecumenica. Tra i suoi film, ricordiamo Lo spazio bianco (2009) e Un giorno speciale (2012), entrambi presentati alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Nel 2014, collabora a Gomorra – La serie, e nel 2015 riceve il Premio Cipputi alla carriera al Torino Film Festival.
PLOT
Director Francesca Comencini explores her relationship with her father, filmmaker Luigi Comencini, in an emotional journey of shared memories. The story unfolds between moments of intimacy and conflict, revealing how the passion for cinema influenced their relationship. Francesca, a young girl struggling with her own identity, is confronted with the expectations and the fame of her parent, often finding herself feeling inadequate. While Francesca’s life is marked by complex historical and personal events, the film highlights family ties and the challenges of growing up. Through the power of cinema, the two protagonists try to reconcile, discovering the beauty and difficulties of their father-daughter relationship.
DIRECTOR’S NOTE
After so many years spent doing the same job as him, trying to be different from him, I wanted to tell how much everything I am I owe to him: I wanted to pay homage to my father, to his way of making films, to his way of being, to the importance that his work and his commitment have had for our cinema, to the importance that the person he was has had for me. Perhaps, I said to myself, perhaps now I am old enough, perhaps now I am capable, perhaps now I will live up to this legacy. Perhaps, now, the time has come to say thank you.
DIRECTOR’S BIO
Francesca Comencini is an Italian film director and screenwriter, daughter of director Luigi Comencini. After beginning her studies in Philosophy, she dropped out in the 1980s to devote herself to cinema. She made her debut with Pianoforte (1984), followed by significant works such as Mi piace lavorare (2004), presented at the Berlin Film Festival and winner of the Ecumenical Jury Prize. Her film credits include Lo spazio bianco (2009) and Un giorno speciale (2012), both presented at the Venice International Film Festival. In 2014, she collaborated on Gomorra – La serie, and in 2015 she received the Cipputi Lifetime Achievement Award at the Turin Film Festival.

PGC24 - VICTORIA MUST GO + CERIMONIA DI PREMIAZIONE PGC 2024
2024-11-17 15:00 - 17:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Victoria deve sparire
Victoria må dø (Victoria Must Go)
Regia: Gunnbjörg Gunnarsdóttir; sceneggiatura: Gunnbjörg Gunnarsdottir, Rolf Magne Golten Andersen; interpreti: Ine Marie Wilmann, Leo Ajkic, Morten Svartveit, Agnete Haaland, Mille Sofie Rist; produzione: På Film AS; distribuzione: LevelK.
Presentato al Malmø BUFF 2024 e al Kristiansand International Children’s Film Festival 2024.
Norvegia, 2024, 85’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima italiana.
SINOSSI
Henrik e Hedvig, fratello e sorella, sono abituati ad ottenere tutto ciò che vogliono dalla loro facoltosa famiglia. Ma con l’arrivo della loro nuova matrigna, Victoria, le cose cambiano: faticano a catturare l’attenzione del padre e sono costretti a rispettare le fastidiose regole imposte da Victoria. Entrambi sono certi di una cosa: Victoria deve sparire! Un giorno, mentre legge un fumetto, Henrik ha un’idea geniale: assumere un killer! Ma come trovarne uno? E come procurarsi i soldi? Per risolvere il problema, i bambini chiedono aiuto alla loro nonna, che appoggia entusiasticamente il loro progetto. Insieme, proveranno a ingaggiare Carl, tuttavia, tra malintesi e risate, il loro efferato piano si trasforma rapidamente in una serie di comiche disavventure. Chi avrebbe mai pensato che assumere un killer potesse essere così divertente?
NOTE DI REGIA
Con uno sguardo satirico sulle divisioni di classe, voglio raccontare la storia di due bambini di una famiglia benestante che si sentono così privilegiati da provare a convincere un immigrato rispettoso della legge a fare l’assassino per sbarazzarsi della loro matrigna. L’umorismo è un elemento chiave della narrazione, e ci sono molte situazioni comiche che nascono dalle interazioni tra la famiglia ricca e Carl, oltre che tra i due fratelli. Non c’è una ragione valida per togliere la vita alla matrigna; se ci fosse, la storia sarebbe completamente diversa. È proprio in questa assenza di giustificazioni che trovo l’umorismo del film.
BIO REGISTA
Gunnbjörg Gunnarsdóttir è una regista di origini islandesi e norvegesi che vive a Bergen, in Norvegia. Inizialmente fotografa autodidatta, ha iniziato la sua carriera nel 2012 realizzando video musicali e cortometraggi. Nel 2018 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, Forever and Never, un film che affronta con leggerezza il tema maternità. L’anno successivo ha co-diretto il documentario The Art of Fallism, che affronta il tema del razzismo e delle discriminazioni di genere in Sudafrica. È nota per il suo interesse per i temi sociali e per la sua capacità di integrarli in generi differenti, dalla commedia, al dramma, al film d’azione.
PLOT
Henrik and Hedvig, brother and sister, are used to getting everything they want from their wealthy family. However, with the arrival of their new stepmother, Victoria, things are changing: they struggle to get their father’s attention and are forced to abide by the annoying rules imposed by Victoria. Both are certain of one thing: Victoria must go! One day, while reading a comic book, Henrik has a brilliant idea: hiring a killer! But how to find one? And how to get the money? To solve the problem, the children ask for help from their grandmother, who enthusiastically supports their project. Together, they try to hire the law-abiding Carl, however, amid misunderstandings and laughter, their heinous plan quickly turns into a series of comical misadventures. Who would have thought that hiring a hitman could be so much fun?
DIRECTOR’S NOTE
With a satirical look at class division, I wish to portray these two children from a wealthy family, who feel privileged enough to persuade a law-abiding immigrant to do the job of an assassin – to get rid of their stepmother. Humor is an important part of the concept, and there is a lot of comedy in the relationship between the wealthy family and Carl, and also between the two siblings. There is no obvious reason to take the life of the stepmother, if there was the story would have been completely different. This is where I feel the humor is, at least my kind of humor.
DIRECTOR’S BIO
Gunnbjörg Gunnarsdóttir is a filmmaker of Icelandic and Norwegian descent living in Bergen, Norway. Initially a self-taught photographer, she started her career in 2012 making music videos and short films. In 2018 she wrote and directed her first feature film, Forever and Never, a film that deals with the topic of motherhood in a light-hearted way. The following year she co-directed the documentary The Art of Fallism, which tackles the issue of racism and gender discrimination in South Africa. She is known for her interest in social issues and her ability to integrate them into different genres, from comedy to drama to action films.

PGC24 - BESTIARI, ERBARI, LAPIDARI
2024-11-17 17:00 - 20:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Bestiari, Erbari, Lapidari
Regia: Massimo d’Anolfi, Martina Parenti; sceneggiatura: Massimo d’Anolfi, Martina Parenti; produzione: Montmorency Film; distribuzione italiana: Istituto Luce Cinecittà.
Presentato Fuori Concorso alla 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, Svizzera, 2024, 206’. Documentario. Versione originale in italiano.
SINOSSI
Bestiari, Erbari, Lapidari è un documentario enciclopedico diviso in tre atti, ciascuno dedicato a un soggetto specifico: animali, piante e pietre. Il film esplora questi mondi spesso trascurati e ne evidenzia l’importanza vitale per l’umanità. Bestiari utilizza materiale d’archivio per esaminare il rapporto tra cinema e rappresentazione degli animali. Erbari è un documentario poetico girato all’interno dell’Orto Botanico di Padova, che riflette sulla resilienza e l’importanza delle piante. Lapidari indaga la trasformazione delle pietre in memoria collettiva attraverso un approccio industriale ed emotivo. Questo documentario offre una prospettiva unica su come fauna, flora e minerali influenzino e preservino il nostro sapere e la nostra esistenza, invitando a un dialogo più profondo con la natura.
NOTE DI REGIA
Bestiari, Erbari, Lapidari, nella sua totalità, procede come un film-saggio: la videocamera puntata su ciò che accade davanti ai nostri occhi e alle nostre orecchie. Il racconto ha una struttura narrativa che combina pensiero razionale ed emotivo. Crediamo che il nostro compito sia quello di “re-inventare” una visione e una rappresentazione del reale e cercare di instaurare relazioni vitali tra gli elementi che compongono le inquadrature dell’opera. A ogni spettatore il compito di arricchire il film con il proprio bagaglio di esperienze, interessi, letture o visioni cinematografiche.
BIO REGISTA
Massimo D’Anolfi (nato nel 1974) e Martina Parenti (nata nel 1972) sono registi, sceneggiatori e produttori italiani. Esordiscono nel 2007 con I promessi sposi, presentato al Festival di Locarno. Nel 2009 realizzano Grandi speranze, anch’esso presentato a Locarno. Con Il Castello (2011), vincono premi a Toronto e Torino. Nel 2013, il loro Materia Oscura viene selezionato al Festival di Berlino. L’Infinita Fabbrica del Duomo (2015) è presentato a Locarno, mentre Spira Mirabilis (2016) compete alla Mostra del Cinema di Venezia. Tra il 2018 e il 2022 realizzano Blu, Guerra e Pace e Una giornata nell’Archivio Piero Bottoni. Bestiari, Erbari, Lapidari (2024) è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia.
PLOT
Bestiaries, Herbaria, Lapidaries is an encyclopaedic documentary divided into three acts, each devoted to a specific subject: animals, plants and stones. The film explores these often neglected worlds and highlights their vital importance to humanity. Bestiaries uses archive material to examine the relationship between cinema and the representation of animals. Herbaria is a poetic documentary filmed inside the Botanical Garden of Padua, which reflects on the resilience and importance of plants. Lapidari investigates the transformation of stones into collective memory through an industrial and emotional approach. This documentary offers a unique perspective on how fauna, flora and minerals influence and preserve our knowledge and existence, inviting a deeper dialogue with nature.
DIRECTOR’S NOTE
Bestiaries, Herbaria, Lapidaries, in its entirety, proceeds like a film-essay: the camera is aimed at what is happening in front of our eyes and ears. The story has a narrative structure that combines rational and emotional thought. We believe that our task is to ‘re-invent’ a vision and representation of reality and to try to establish vital relationships between the elements that make up the frames of the work. It is up to each viewer to enrich the film with his or her own baggage of experiences, interests, readings or cinematic suggestions.
DIRECTOR’S BIO
Massimo D’Anolfi (born in 1974) and Martina Parenti (born in 1972) are Italian directors, screenwriters and producers. They made their debut in 2007 with The Betrothed, presented at the Locarno Festival. In 2009 they made Great Expectations, also presented at Locarno. With The Castle (2011), they won awards in Toronto and Turin. In 2013, their Dark Matter was selected at the Berlin Film Festival. The Never Ending Factory of the Duomo (2015) is presented at Locarno, while Miraculous Spiral (2016) competes at the Venice Film Festival. Between 2018 and 2022 they made Blu, War and Peace and A Day in the Piero Bottoni Archive. Their latest film, Bestiari, Erbari, Lapidari (2024), was presented at the Venice Film Festival.

PROGETTO FR-AGILE!
2024-11-20 09:30 - 13:30, 2024-11-20 14:00 - 17:00, 2024-11-29 10:00 - 14:00, 2024-12-05 10:00 - 14:00, 2024-12-09 09:30 - 13:30, 2025-01-16 10:00 - 13:00, 2025-01-30 10:00 - 13:00 | Cineteca Milano Biblioteca Morandini, Via Tofane 49, Milano, Italia
“Fr-Agile!” è nato con l’obiettivo di rafforzare il sistema di accoglienza dei Minori Stranieri Non Accompagnati di Milano e offrire maggiori opportunità di integrazione ai minori particolarmente fragili. Il progetto sostiene il lavoro e rinforza le competenze degli operatori, promuove luoghi di confronto e ideazione di risposte innovative, sperimenta nuovi dispositivi di accoglienza e accompagnamento educativo diurni e residenziali, promuove il consolidamento delle reti territoriali e ne valorizza le esperienze virtuose.

FOCOLARI: I FOUGHT THE LAW
2024-11-26 16:00 - 18:00 | Cineteca Milano Biblioteca Morandini, Via Tofane 49, Milano, Italia
Mappa per orientarsi tra le opportunità di finanziamento pubblico in Italia destinate al cinema indipendente, un incontro con Ivan Olgiati, di CNA Emilia Romagna, modera Francesca Bennett.

FOCOLARI: PRODUCERS CHAT
2024-12-09 16:00 - 18:00 | Cineteca Milano Biblioteca Morandini, Via Tofane 49, Milano, Italia
Breve riflessione su come un giovane filmmaker potrebbe muoversi per instaurare un rapporto virtuoso con un produttore, all’interno del panorama cinematografico italiano contemporaneo, con Paolo Benzi, modera Francesca Bennett.
L’incontro si svolgerà in inglese in collaborazione con BaseCamp.

BASECAMP INCONTRA… Aitana Ahrens, Christian Aviles Derum e Coline Confort
2024-12-12 19:00 - 21:00 | Fabbrica del Vapore, Via Giulio Cesare Procaccini 4, Milano, 20154, Italia
BASECAMP INCONTRA… CINEMA ON THE DOCKS
FABBRICA DEL VAPORE
Due serate per far incontrare giovani filmmaker e artisti tra Milano, Svizzera e… il mondo! Alla presentazione dei cortometraggi seguirà un aperitivo.
24 ottobre, ore 19 : Linn Spitz, David Py, Julie Sando e Loris Nese
12 dicembre, ore 19 : Aitana Ahrens, Christian Aviles Derum e Coline Confort
In collaborazione con Locarno Film Festival

CINEMA ON THE DOCKS CHRISTMAS PARTY
2024-12-15 11:00 - 13:30 | Cineteca Milano Biblioteca Morandini, Via Tofane 49, Milano, Italia
Domenica 15 dicembre, a partire dalle 11:00, la Biblioteca di Morando si trasforma in un luogo magico per la nostra festa natalizia! Una giornata per brindare, scambiarsi auguri e respirare aria di creatività insieme alla community di Cineteca Milano e di Cinema on the Docks.
