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SUMMARY:PGC24 - CHIAMATA PER IL MORTO
DESCRIPTION:Chiamata per il morto \nThe Deadly Affair \nRegia: Sidney Lumet; sceneggiatura: Paul Dehn; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di John le Carré; interpreti: James Mason; Maximilian Schell; Harriet Andersson; produzione: Sidney Lumet Film Productions; distribuzione: Park Circus. \nCandidato a cinque Premi BAFTA nel 1968. \nRegno Unito\, 1967\, 107 ’. Versione doppiata in italiano.  \nSINOSSI  \nLondra\, anni ’60. L’agente MI5 Charles Dobbs viene incaricato di indagare sulla morte di Samuel Fennan\, un agente del controspionaggio britannico trovato morto in circostanze sospette. Sebbene il caso venga rapidamente archiviato come suicidio\, Dobbs sospetta un complotto e decide di proseguire le indagini autonomamente. Determinato a scoprire la verità\, Dobbs svela una rete di intrighi e tradimenti che lo porta a confrontarsi con pericolosi avversari\, a mettere a rischio la propria sicurezza e ad affrontare i demoni della sua vita personale. In un crescendo di tensione\, Dobbs si trova immerso in un labirinto di rivelazioni inquietanti\, segreti e pericoli\, e lotterà tenacemente per ottenere giustizia e smascherare i responsabili del delitto. \nBIO REGISTA \nSidney Lumet nasce a Filadelfia\, USA\, il 25 giugno 1924. Figlio di un attore e di una ballerina\, debutta sul palcoscenico a soli quattro anni. Dopo una carriera iniziale nel teatro e in televisione\, fa il suo esordio nel cinema con La parola ai giurati (1957)\, che gli vale riconoscimenti internazionali e una nomination agli Oscar®. Durante gli anni ’60 e ’70 collabora con le più grandi star hollywoodiane e dirige film iconici come Serpico (1973)\, Quel pomeriggio di un giorno da cani (1975) e Quinto potere (1976). Lumet ha diretto oltre 50 film\, ricevendo il Premio Oscar® alla carriera nel 2005. Muore nel 2011 a New York. \nPLOT \nLondon\, 1960s. MI5 agent Charles Dobbs is assigned to investigate the death of Samuel Fennan\, a British counter-intelligence agent found dead under suspicious circumstances. Although the case is quickly dismissed as suicide\, Dobbs suspects a conspiracy and decides to pursue the investigation himself. Determined to uncover the truth\, Dobbs unravels a web of intrigue and betrayal that leads him to confront dangerous adversaries\, risk his own safety and confront the demons of his personal life. In a crescendo of tension\, Dobbs finds himself immersed in a labyrinth of disturbing revelations\, secrets and dangers\, and will fight tenaciously to obtain justice and unmask those responsible for the crime. \nDIRECTOR’S BIO \nSidney Lumet was born in Philadelphia\, USA\, on 25 June 1924. The son of an actor and a dancer\, he made his stage debut when he was only four years old. After an early career in theatre and television\, he made his film debut with 12 Angry Men (1957)\, which earned him international recognition and an Oscar® nomination. During the 1960s and 1970s he collaborated with Hollywood’s biggest stars and directed iconic films such as Serpico (1973)\, Dog Day Afternoon (1975) and Network (1976). Lumet directed over 50 films\, receiving the Academy Award® for Lifetime Achievement in 2005. He died in 2011 in New York.
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SUMMARY:PGC24 - MEMORIES OF A BURNING BODY
DESCRIPTION:Memories of a Burning Body \nMemorias de un cuerpo que arde \nRegia: Antonella Sudasassi Furniss; sceneggiatura: Antonella Sudasassi Furniss; produzione: Substance Films\, Playlab Films; distribuzione: Bendita.  \nVincitore del Panorama Audience Award alla 74° edizione del Festival di Berlino.  \nCosta Rica\, Spagna\, 2024\, 90’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima milanese. \nSINOSSI \nTre donne costaricane\, le sessantenni Ana e Patricia e la settantenne Mayela\, sono cresciute in un’epoca in cui la sessualità non veniva discussa o espressa liberamente\, poiché considerata un tabù. Hanno imparato ad essere donne in un contesto culturale che le ha sempre ingabbiate\, all’ombra di norme non dette e di richieste celate dalla società. Grazie a questo film\, costruito intorno alle loro esperienze riproposte attraverso la finzione\, trovano il coraggio per aprirsi e raccontarsi. Ripercorrendo il proprio passato\, delle attrici più giovani incarnano sullo schermo  i ricordi e i segreti delle loro intere vite\, mentre Sol Carballo interpreta i desideri che le donne ancora covano nei confronti del proprio corpo e del futuro che hanno davanti. \nNOTE DI REGIA \nPorto il peso di essere figlia di guerriere\, di donne forti e coraggiose\, ma anche di donne abusate e mal amate. Sono figlia del patriarcato e nipote dello stupro\, il peccato più taciuto di tutti. Non ho mai osato chiedere alle mie nonne se i miei nonni le avessero violentate\, se potessero decidere\, se potessero godere del loro corpo\, della loro sessualità. Era semplicemente la croce che dovevano portare. […] Memories of a Burning Body è la conversazione che non ho mai avuto con le mie nonne. È il grido collettivo delle donne che\, nonostante i tabù\, osano parlare dei loro segreti più intimi. \nBIO REGISTA \nAntonella Sudasassi Furniss (1986) è una regista e sceneggiatrice costaricana. Ha conseguito gli studi in produzione audiovisiva all’Università del Costa Rica. Il suo primo lungometraggio\, The Awakening of the Ants (noto anche come Hormigas)\, è stato presentato in più di sessantacinque festival internazionali e ha vinto un premio ai Platinum Awards\, i premi cinematografici annuali del cinema iberoamericano\, come miglior film a tema sociale ed educativo. Nel suo lavoro di regista\, il suo interesse è stato quello di raccontare storie incentrate su personaggi femminili e sul modo in cui queste percepiscono la propria sessualità nelle diverse fasi della propria vita. \nPLOT \nThree Costa Rican women\, 60-year-old Ana and Patricia and 70-year-old Mayela\, grew up in a time when sexuality was not freely discussed or expressed\, as it was considered taboo. They learned to be women in a cultural context that always caged them in\, in the shadow of unspoken norms and hidden societal demands. Thanks to this film\, built around their experiences presented through fiction\, they have the courage to open up and tell their stories. Retracing their past\, the younger actresses embody and bring on screen the memories and secrets of their entire lives\, while Sol Carballo interprets the desires they still harbor for their bodies and the future they have ahead of them. \nDIRECTOR’S NOTE \nI carry the weight of being the daughter of warriors\, of strong and brave women\, but also of abused and ill-loved women. I am a daughter of the patriarchy and a granddaughter of rape\, the most silenced sin of all. I never dared to ask my grandmothers if my grandparents raped them\, if they could decide\, if they could enjoy their bodies\, their sexuality. It was simply the cross that they had to carry. […] Memories of a Burning Body is the conversation I never had with my grandmothers. It is the collective outcry of women who despite the taboos\, dare to talk about their most intimate secrets. \nDIRECTOR’S BIO \nAntonella Sudasassi Furniss (1986) is a Costa Rican filmmaker and screenwriter. She studied audiovisual production at the University of Costa Rica. Her first feature film\, The Awakening of the Ants (also known as Hormigas)\, was presented at more than sixty-five international film festivals and won an award at the Platinum Awards\, the annual Ibero-American film awards\, for best film with a social and educational theme. In her work as a filmmaker\, her interest has been in telling stories centered on female characters and the way they perceive their sexuality at different stages of their lives.
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SUMMARY:PGC24 - UNO\, DUE\, TRE!
DESCRIPTION:Uno\, due\, tre!  \nOne\, Two\, Three \nRegia: Billy Wilder; sceneggiatura: Billy Wilder\, I. A. L. Diamond; soggetto: tratto dal lavoro teatrale Egy\, kettö\, három (1929) di Ferenc Molnár; interpreti: James Cagney\, Horst Buchholz\, Pamela Tiffin\, Arlene Francis\, Howard St. John; produzione: Bavaria Film\, Mirisch Corporation\, Pyramid Productions; distribuzione italiana: MGM\, Park Circus. \nNominato ai Premi Oscar® 1962 come Miglior Fotografia e inserito nella National Board Review Award Top Ten Films nel 1961.  \nUSA\, 1961\, 108’. Versione originale con sottotitoli in italiano.  \nSINOSSI \nNella Berlino Ovest degli anni della Guerra Fredda\, il signor MacNamara\, un dirigente della Coca-Cola\, si impegna a far conoscere il famoso drink nei paesi del blocco orientale. Le sue ambizioni si complicano quando Scarlett\, la figlia del suo superiore\, arriva in città. La ragazza\, ribelle e disinibita\, rivela infatti di essersi segretamente sposata con Otto\, un fervente comunista di Berlino Est\, e di voler partire con lui per Mosca. In preda all’ansia per il suo lavoro e il futuro della giovane\, MacNamara cercherà di fermare i piani della ragazza. Tra disguidi e inseguimenti\, si troverà a dover affrontare le differenze culturali e politiche che caratterizzano il periodo\, il tutto con una buona dose di umorismo. \nBIO REGISTA \nBilly Wilder (1906-2002) è stato un influente cineasta e sceneggiatore austriaco\, naturalizzato statunitense. La sua carriera\, durata cinque decenni\, lo ha reso uno dei registi più brillanti ed iconici del cinema classico hollywoodiano. Wilder è stato insignito dell’AFI Life Achievement Award e del BAFTA Fellowship Award\, tra altri riconoscimenti. È stato nominato a 21 Premi Oscar e ne ha ricevuti 7\, tra cui Miglior Regista e Miglior Sceneggiatura Originale per Giorni Perduti (1945) e L’appartamento (1960). Ha diretto film iconici come La fiamma del peccato (1944)\, Viale del tramonto (1950)\, e A qualcuno piace caldo (1959).  \nPLOT \nIn the West Berlin of the Cold War years\, Mr MacNamara\, a Coca-Cola executive\, strives to make the famous drink known in the Eastern Bloc countries. His ambitions are complicated when Scarlett\, the daughter of his superior\, arrives in town. The rebellious and uninhibited girl reveals that she is secretly married to Otto\, a fervent communist from East Berlin\, and wants to leave with him for Moscow. Anxious about his job and the girl’s future\, MacNamara tries to stop the girl’s plans. Amidst misunderstandings and chases\, he will be confronted with the cultural and political differences of the period\, all with a good dose of humour. \nDIRECTOR’S BIO \nBilly Wilder (1906-2002) was an influential Austrian filmmaker and screenwriter\, naturalised American. His career spanning five decades made him one of the most brilliant and iconic directors of classic Hollywood cinema. Wilder has been the recipient of the AFI Life Achievement Award and the BAFTA Fellowship Award\, among other honours. He was nominated for 21 Academy Awards and received seven\, including Best Director and Best Original Screenplay for The Lost Weekend (1945) and The Apartment (1960). He directed iconic films such as Double Indemnity (1944)\, Viale del tramonto (1950)\, and A qualcuno piace caldo (1959).
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SUMMARY:PGC24 - FOX AND HARE SAVE THE FOREST
DESCRIPTION:Volpe e lepre salvano la foresta \nFuchs und Hase retten den Wald (Fox and Hare Save the Forest) \nRegia: Mascha Halberstad; sceneggiatura: Fabie Hulsebos; soggetto: tratto dalla serie di libri per l’infanzia Vos en Haas en de Bosbaas creata dall’autrice belga Sylvia Vanden Heede; produzione: Submarine\, Walking the Dog\, Doghouse; distribuzione: Urban Sales. \nPresentato in concorso nella sezione Generation Kplus al 74° Festival internazionale del Cinema di Berlino e alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy. \nPaesi Bassi\, Belgio\, Lussemburgo\, 2024\, 71’. Animazione. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima milanese. \nFilm eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024. \nSINOSSI \nNella grande foresta\, Volpe e Lepre vivono in armonia con il loro gruppo di amici. Durante una festa\, scoprono che Gufo è misteriosamente scomparso e\, preoccupati\, partono alla sua ricerca. Presto si imbattono in un enorme lago che minaccia di sommergere la foresta\, creato da Castoro\, un presuntuoso costruttore di dighe\, aiutato da due ratti dispettosi. Determinati a salvare la loro casa e ritrovare Gufo\, Volpe e Lepre affrontano avventure emozionanti e sfide impreviste. Con l’aiuto dei loro amici\, dovranno usare astuzia e coraggio per risolvere il mistero del lago e riportare la pace nella foresta. Una storia avvincente che celebra l’amicizia e il valore di proteggere il luogo che si ama. \nNOTE DI REGIA \nDevo dire che non sono il tipo di regista che vuole trasmettere un “messaggio” in senso stretto. Cerco di minimizzare il messaggio. Cerco di includerlo\, ma in modo leggero\, con una risata. Non voglio forzarlo. Quando il film è stato selezionato per la Berlinale\, Sebastian Markt\, direttore della Berlinale Generation\, mi ha scritto: “La capacità di condividere una stanza con persone per ridere e ridere è un privilegio in questi tempi\, e abbiamo riso\, guidati dal tuo film\, dai suoi personaggi affascinanti e dalla sua leggera (ma molto apprezzata) stravaganza!” Mi è piaciuta molto quella frase. Voglio che le persone escano dal cinema con un sorriso.  \nBIO REGISTA \nMascha Halberstad è una regista e illustratrice olandese\, nata nel 1973. Ha diretto cortometraggi come Goodbye Mister de Vries (2012) e Munya in Me (2013)\, oltre a serie animate come Picknick with Cake (2012)\, premiata dalla giuria Cinekid Kinderkast Fiction\, e Fox and Hare (2018)\, che ha ricevuto il Cinekid Audience Award. Il suo primo lungometraggio\, Oink (2022)\, ha debuttato nella sezione Generation della Berlinale 2022\, partecipando a numerosi festival internazionali\, tra i quali Festival Piccolo Grande Cinema 2022. Con il suo secondo lungometraggio\, Fox and Hare Save the Forest (2024)\, Mascha continua a lavorare nel campo dell’animazione con grande creatività e passione. \nPLOT \nIn the great big forest\, Fox and Hare live in harmony with their group of friends. During a party\, they discover that Owl has mysteriously disappeared and\, worried\, set off in search of him. They soon come across an enormous lake that threatens to flood the forest. It was created by Beaver\, a cocky dam builder\, aided by two mischievous rats. Determined to save their home and find Owl\, Fox and Hare face exciting adventures and unexpected challenges. With the help of their friends\, they must use their cunning and courage to solve the mystery of the lake and restore peace to the forest. A gripping story that celebrates friendship and the value of protecting the place you love. \nDIRECTOR’S NOTE \nI have to say that I’m not a ’’message“ kind of director in that sense. I actually try to downplay the message. I do try to get it in there\, but lightheartedly\, with a laugh. I don’t want to force it. When the movie was selected for Berlinale\, Sebastian Markt\, who is Head of Berlinale Generation\, wrote to me: ‘‘The ability to share a room with people to laugh and laugh is a privilege in these times\, and laugh we did\, led by your film\, its charming characters and mild (but much appreciated) wackiness!“ I really liked that sentence. I want people to leave the theater with a smile. \nDIRECTOR’S BIO \nMascha Halberstad is a Dutch filmmaker and illustrator\, born in 1973. She has directed short films such as Goodbye Mister de Vries (2012) and Munya in Me (2013)\, as well as animated series such as Picknick with Cake (2012)\, which won the Cinekid Kinderkast Fiction jury award\, and Fox and Hare (2018)\, which received the Cinekid Audience Award. His first feature film\, Oink (2022)\, premiered in the Generation section of the Berlinale 2022 and participated in numerous international festivals\, including Festival Piccolo Grande Cinema 2022. With his second feature film\, Fox and Hare Save the Forest (2024)\, Mascha continues to work in the field of animation with great creativity and passion.
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SUMMARY:PGC24 - ONCE UPON A TIME IN A FOREST
DESCRIPTION:C’era una volta nella foresta \nHavumetsän lapset (Once Upon a Time in a Forest) \nRegia: Virpi Suutari; sceneggiatura: Virpi Suutari; produzione: Euphoria Film; distribuzione: Autlook Filmsales. \nPresentato in concorso a Visions du Réel 2024 e CPH:DOX 2024. \nFinlandia\, 2024\, 93’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima milanese. \nFilm eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024. \nSINOSSI \nDue giovani attiviste\, Ida e Minka\, fanno parte del gruppo Extinction Rebellion Finland e affrontano la crescente crisi della biodiversità in Finlandia. Utilizzando la disobbedienza civile\, cercano di sensibilizzare il governo sull’emergenza climatica e ecologica. Le loro iniziative includono censimenti delle specie animali e vegetali a rischio\, pianificazione di manifestazioni e audaci incursioni in cantieri e fabbriche di cellulosa. Attraverso immagini mozzafiato della foresta finlandese\, seguiamo il percorso di crescita di Ida\, che diventa leader del nuovo Movimento Forestale\, sfidando le grandi industrie e l’atteggiamento conservatore delle generazioni precedenti. Un racconto che rappresenta un inno alla natura e a chi vuole proteggerla\, trasmettendo un messaggio di speranza e determinazione nella lotta per la salvaguardia dell’ambiente. \nNOTE DI REGIA \nQuesto film è una storia d’amore\, ma l’oggetto amato è la foresta. Volevo ricordare a tutti com’era essere giovani\, quando le nostre menti erano ancora pure. Spero che\, riconoscendosi in questi ragazzi\, si possa provare più empatia verso di loro. Nei film sull’attivismo\, nel tentativo di dare maggiore credibilità\, spesso questo lato umano manca. Io\, invece\, ho cercato di catturare le riflessioni di una generazione. Ho visto la loro onestà e semplicità quasi infantile\, ma anche la loro capacità di agire come leader strategici\, guidando le loro “truppe” in battaglia. Come regista\, trovo queste contraddizioni davvero affascinanti. \nBIO REGISTA \nVirpi Suutari\, nata nel 1967\, è un’affermata regista finlandese conosciuta per uno stile cinematografico personale che sfida i confini tra realtà e finzione. Le sue opere sono state presentate in festival di prestigio come IDFA\, Locarno e il festival di Göteborg. Il suo documentario The Idle Ones (2001) è stato nominato per il premio EFA come miglior documentario europeo\, e ha vinto numerosi riconoscimenti tra cui il premio come miglior documentario nordico al Nordisk Panorama. Suutari ha ricevuto tre volte il premio Jussi e fa parte dell’Accademia del Cinema Europeo. Il suo documentario su Alvar Aalto\, Aalto (2020)\, ha ottenuto distribuzione mondiale. \nPLOT \nTwo young activists\, Ida and Minka\, are part of the group Extinction Rebellion Finland and confront the growing biodiversity crisis in Finland. Using civil disobedience\, they try to make the government aware of the climate and ecological emergency. Their initiatives include censuses of endangered animal and plant species\, planning demonstrations and daring raids on construction sites and pulp mills. Through breathtaking images of the Finnish forest\, we follow Ida’s journey of growth\, as she becomes the leader of the new Forest Movement\, challenging industrial powers and the conservative attitude of previous generations. A story that is a hymn to nature and to those who want to protect it\, conveying a message of hope and determination in the fight to protect the environment. \nDIRECTOR’S NOTE \nThis film is a love story\, but the object of your affection is the forest. I guess I wanted to remind everyone how it felt when we were younger and our minds were still pure. Hopefully\, when you recognize yourself in these youngsters\, you can feel more empathy towards them. This human side is something you don’t always see in films about activism\, because they want to seem credible\, but I tried to capture the way this generation reflects on things. I saw their almost child-like honesty and straightforwardness\, and then I saw them behaving like strategic leaders\, leading their troops to a battle. As a filmmaker\, you are so intrigued by such contradictions. \nDIRECTOR’S BIO \nVirpi Suutari\, born in 1967\, is an established Finnish filmmaker known for a personal filmmaking style that challenges the boundaries between reality and fiction. Her works have been presented at prestigious festivals such as IDFA\, Locarno and the Gothenburg Film Festival. Her documentary The Idle Ones (2001) was nominated for the EFA Award for Best European Documentary\, and won numerous awards including the Best Nordic Documentary Award at Nordisk Panorama. Suutari has received the Jussi Award three times and is a member of the European Film Academy. Her documentary on Alvar Aalto\, Aalto (2020)\, has received worldwide distribution.
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SUMMARY:PGC24 - THELMA
DESCRIPTION:THELMA (2017) JOACHIM TRIER \nNorvegia\, Francia\, Danimarca\, Svezia; 116’; Director: Joachim Trier; Producers: Thomas Robsahm Mattias Nohrborg Mikkel Jersin Thomas Pibarot Stephan Apelgren Fredrik Heinig Jean Labadie Katrin Pors Tomas Eskilsson Eva Jakobsen Carolina Henriksson Jessica Balac Fridrik H. Mar Anne-Laure Labadie Thomas Gammeltoft; Writers: Joachim Trier Eskil Vogt; Casting: Yngvill Kolset Haga Hanna Biørnstad; Editor: Olivier Bugge Coutté: Cinematography: Jakob Ihre; Cast: Eili Harboe Kaya Wilkins Henrik Rafaelsen Ellen Dorrit Petersen Grethe Eltervåg Marte Magnusdotter Solem Anders Mossling Vanessa Borgli \nTrama: Una studentessa universitaria di Oslo\, in Norvegia\, inizia a soffrire di convulsioni molto forti. La ragazza scopre che questi violenti episodi sono un sintomo di doti soprannaturali\, potenzialmente pericolose. \nPlot: A university student from Oslo\, Norway\, begins to suffer from very strong convulsions. The girl discovers that these violent episodes are a symptom of supernatural\, potentially dangerous qualities.
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SUMMARY:PGC24 - UNIVERSAL LANGUAGE
DESCRIPTION:Universal Language \nUne langue universelle \nRegia: Matthew Rankin; sceneggiatura: Matthew Rankin\, Pirouz Nemati\, Ila Firouzabadi; interpreti: Rojina Esmaeili\, Saba Vahedyousefi\, Mani Soleymanlou\, Matthew Rankin\, Pirouz Nemati; produzione: Metafilms; distribuzione: Best Friend Forever.  \nVincitore del Winner’s Audience Award nella sezione Quinzaine des Cinéastes della 77° edizione del Festival di Cannes.  \nCanada\, 2024\, 89’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima italiana. \nSINOSSI \nIn una misteriosa e surreale zona intermedia tra Teheran e Winnipeg\, le vite di più personaggi si intrecciano tra loro in modi sorprendenti e misteriosi. Negin e Nazgol\, studenti delle elementari\, trovano una banconota congelata nel ghiaccio invernale e cercano di liberarla per comprare un nuovo paio di occhiali. Nel frattempo\, Massoud guida un gruppo di turisti sempre più disorientati attraverso i monumenti e i siti storici di Winnipeg. Matthew lascia il suo insignificante lavoro in un ufficio del governo del Québec e intraprende un viaggio enigmatico per visitare sua madre. Un grosso tacchino scappa da un autobus in panne. Spazio\, tempo e identità personali si confondono\, si intrecciano e riecheggiano in una commedia dolce e surreale. \nNOTE DI REGIA \nGli eventi della storia sono direttamente ispirati dalla storia della mia famiglia\, da numerosi diari del periodo trascorso in Iran e da alcuni sogni enigmatici che ho fatto sui miei genitori poco dopo la loro morte. Durante la Grande Depressione\, mia nonna e suo fratello trovarono una banconota da due dollari congelata in un marciapiede di Winnipeg (una cifra enorme nel nel 1931) e gli eventi si svolsero per loro come per Negin e Nazgol. Allo stesso modo\, mio padre ha dedicato la sua vita a difendere la città di Winnipeg e i suoi umili monumenti\, proprio come Massoud.  \nBIO REGISTA \nMatthew Rankin è nato a Winnipeg e ha studiato storia alla McGill e all’Université Laval. È regista di una quarantina di film documentari\, di finzione e di animazione che sono stati presentati al Sundance\, al SXSW\, al TIFF\, ad Annecy\, alla Berlinale\, al Dawson City International Short Film Festival e alla Settimana della Critica di Cannes. Grande amante dei grandi maestri del cinema iraniano\, ha vissuto in Iran per seguirne le orme. Il suo primo lungometraggio\, The Twentieth Century (2019)\, ha ricevuto il Premio FIPRESCI 2020 alla Berlinale. Vive a Montréal. \nPLOT \nIn a mysterious and surreal intermediate zone between Tehran and Winnipeg\, the lives of several characters intertwine in surprising and mysterious ways. Primary schools students Negin and Nazgol find a banknote frozen in the winter ice and try to free it to buy a new pair of glasses. Meanwhile\, Massoud leads a group of increasingly disoriented tourists through Winnipeg’s monuments and historical sites. Matthew leaves his meaningless job in a Quebec government office and embarks on an enigmatic journey to visit his mother. A large turkey escapes from a broken-down bus. Space\, time and personal identities blur\, intertwine and echo in a gentle\, surreal comedy. \nDIRECTOR’S NOTE \nThe events of the story are drawn directly from my family history\, numerous diary entries from my time in Iran and several mystifying dreams I had about my parents shortly after they died. During the Great Depression\, my Grandmother and her brother found a two-dollar bill frozen in a Winnipeg sidewalk (an enormous sum in 1931) and events unfolded for them much as they do for Negin and Nazgol. Similarly\, my father devoted his life to advocating for the unloved city of Winnipeg and its humble monuments\, very much like Massoud in the film.  \nDIRECTOR’S BIO \nMatthew Rankin was born in Winnipeg and studied history at McGill and Université Laval. He is the director of some forty documentary\, fiction and animation films that have been screened at Sundance\, SXSW\, TIFF\, Annecy\, Berlinale\, Dawson City International Short Film Festival and Cannes Critics’ Week. A great lover of the great masters of Iranian cinema\, he has spent time living in Iran to follow in their footsteps. His first feature film\, The Twentieth Century (2019)\, received the 2020 FIPRESCI Prize at the Berlinale. He lives in Montréal.
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SUMMARY:PGC24 - MY STOLEN PLANET
DESCRIPTION:My Stolen Planet \nSayyareye dozdide shodeye man \nRegia: Farahnaz Sharifi; sceneggiatura:  Farahnaz Sharifi; produzione: Jyoti Film\, PakFilm; distribuzione: CAT&Docs. \nIl film è stato presentato in concorso nella sezione Panorama della 74° edizione del Festival internazionale del cinema di Berlino. \nGermania\, Iran\, 2024\, 82’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima italiana. \nSINOSSI \nNata nel 1979\, durante la rivoluzione islamica in Iran\, Farah racconta la sua vita quotidiana attraverso un intimo diario visivo\, catturando momenti di gioia e resistenza che mettono in luce il contrasto tra la libertà domestica e l’oppressione del regime. Parallelamente\, raccoglie filmati in 8mm da persone sconosciute\, creando un mosaico di memorie perdute\, che\, ispirata dalla madre\, affetta da Alzheimer\, colleziona per contrastare l’oblio di una società intera. Il legame con Leyla\, una professoressa iraniana che ha lasciato il paese durante la rivoluzione\, aggiunge una dimensione personale a questi archivi. Nell’autunno del 2022\, l’insurrezione “Women\, Life\, Freedom” segna un punto di svolta nella sua vita e in quella di molti altri nel suo Paese. \nNOTE DI REGIA \nQuando condividiamo un ricordo con altri\, esso passa da privato a pubblico. Questa storia è intessuta strettamente con la resistenza all’oblio. In un’epoca in cui le strutture di potere si sforzano di narrare la storia e modificarla in modo da nasconderne segmenti importanti e legati a storie individuali e popolari\, diventa ancora più cruciale condividere dettagli personali e micro-narrazioni. \nBIO REGISTA \nFarahnaz Sharifi è una pluripremiata scrittrice\, regista e montatrice iraniana\, costretta all’esilio alla fine del 2022. Si è laureata all’Università di Teheran in studi cinematografici. I suoi film si basano principalmente su archivi e immagini di repertorio. Il suo più recente lavoro come montatrice è l’acclamato lungometraggio documentario Radiograph of a Family\, che ha vinto il premio per il Miglior Lungometraggio Documentario per l’uso creativo di materiali di repertorio all’IDFA 2020. Farahnaz ha ricevuto numerosi premi in e fuori dall’Iran\, tra i quali quello per il miglior film all’Uppsala Short Film Festival. \nPLOT \nBorn during the Islamic revolution in Iran in 1979\, Farah narrates her daily life through an intimate visual diary\, capturing moments of joy and resistance that highlight the contrast between domestic freedom and the oppression of the regime. In parallel\, she collects 8mm footage shot by strangers\, creating a mosaic of lost memories\, which\, inspired by her mother\, who suffers from Alzheimer’s\, she gathers to counteract the oblivion of an entire society. The bond with Leyla\, an Iranian professor who left the country during the revolution\, adds a personal dimension to these archives. In the autumn of 2022\, the ‘Women\, Life\, Freedom’ uprising marks a turning point in her life and that of many others in her country.  \nDIRECTOR’S NOTE \nWhen we share a memory with others\, it moves from private to public. This story is woven tightly with a resistance to forgetting. At a time when power structures strive to narrate history in ways that hide important and popular segments\, it becomes all the more crucial to share personal details and micro-narratives. \nDIRECTOR’S BIO \nFarahnaz Sharifi is an award-winning Iranian writer\, filmmaker and film editor who was forced to go into exile at the end of 2022. She has graduated from Tehran University in Cinema studies. Her films are mostly based on archives and archival images. Her recent work as an editor is the acclaimed feature length documentary film Radiograph of a Family which won the Best Feature Length Documentary Film Award at IDFA 2020 for creative use of archival material. Farahnaz has received many awards inside and outside of Iran including Best Film Award at the Uppsala Short Film Festival.
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SUMMARY:PGC24 - THE HYPERBOREANS
DESCRIPTION:The Hyperboreans \nLos hiperbóreos \nRegia: Cristóbal León; Joaquín Cociña sceneggiatura: Cristóbal León; Joaquín Cociña; interpreti: Antonia Giesen\, Francisco Visceral; produzione: León & Cociña Films\, Globo Rojo Films; distribuzione: Bendita. \nPresentato nella sezione Quinzaine des Cinéastes della 77° edizione del Festival di Cannes.  \nCile\, 2024\, 71’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima. \nSINOSSI \nAntonia Giesen\, psicologa e attrice\, riceve da un paziente un copione fantascientifico ispirato dalle sue allucinazioni uditive. Decisa a trasformare il copione in un film\, Antonia chiede l’aiuto dei registi León & Cociña. Insieme\, creano un crocevia affascinante tra teatro\, fantascienza\, animazione e film biografici favolosi\, dando vita a un’opera complessa e sfaccettata. La narrazione si arricchisce ulteriormente con la presenza di un’ombra inquietante: quella di Miguel Serrano\, scrittore nazista cileno\, noto per le sue deliranti teorie esoteriche\, che emerge come figura demoniaca\, simbolo delle lotte interiori e delle complessità della mente umana. Coinvolta in una moltitudine di mondi paralleli\, Antonia scoprirà inquietanti connessioni tra il copione e la sua stessa vita.  \nNOTE DI REGIA \nCon The Hyperboreans vogliamo creare un dialogo tra terrore politico e fantasia\, tra organico\, ritualismo ed entropia materiale […]. Vogliamo creare opere sui processi. Siamo interessati a opere che mostrino le loro ossa\, abbracciando l’organico\, l’accidentale\, il precario\, l’incompiuto e la costante crescita in contrasto con il preciso\, il controllato o il definito. Cerchiamo di immaginare che tutto sia materiale e possa quindi essere trasformato. Questo include la politica\, la storia e l’inconscio. Nelle narrazioni qui presentate\, non solo la pittura e gli altri materiali si mescolano\, ma anche le visioni politiche\, la storia ufficiale e i sogni. \nBIO REGISTA \nCristóbal León e Joaquín Cociña\, entrambi nati nel 1980 in Cile\, collaborano dal 2007. Entrambi hanno frequentato l’Università Cattolica del Cile\, e León ha proseguito i suoi studi presso l’UDK (Berlino) e De Ateliers (Amsterdam). Attraverso i loro film sperimentali\, León e Cociña offrono una nuova interpretazione del simbolismo religioso e dei rituali magici radicati nella cultura tradizionale dell’America Latina. La loro produzione cinematografica incorpora varie tecniche\, tra cui fotografia\, disegno\, scultura\, danza e performance. I loro film in stop-motion sono caratterizzati da un linguaggio cinematografico crudo\, in cui figure di cartapesta e disegni dall’aspetto innocente sono posti in netto contrasto con temi quali religione\, sesso e morte. \nPLOT \nAntonia Giesen\, a psychologist and actress\, receives the science fiction script of a patient\, inspired by his auditory hallucinations. Determined to turn the script into a film\, Antonia enlists the help of directors León & Cociña. Together\, they create a fascinating crossroads between theater\, science fiction\, animation and fabulous biographical films\, resulting in a complex and multifaceted work. The narrative is further enriched by the presence of a disturbing shadow: that of Miguel Serrano\, a Chilean Nazi writer\, known for his delusional esoteric theories\, who emerges as a demonic figure\, a symbol of the inner struggles and complexities of the human mind. Involved in a multitude of parallel worlds\, Antonia will discover disturbing connections between the script and her own life.  \nDIRECTOR’S NOTE \nWith The Hyperboreans\, we aim to create a dialogue between political terror and fantasy\, between the organic\, ritualism\, and material entropy […]. We want to create works about processes. We are interested in works that show their bones\, embracing the organic\, accidental\, precarious\, unfinished\, and constantly growing in contrast to the precise\, controlled\, or defined. We try to imagine that everything is material and can therefore be transformed. This includes politics\, history\, and the unconscious. In the narratives presented here\, not only do painting and other materials mix\, but so do political visions\, official history\, and dreams. \nDIRECTOR’S BIO \nCristóbal León and Joaquín Cociña\, both born in 1980 in Chile\, have been collaborating since 2007. Both attended the Catholic University of Chile\, and León continued his studies at UDK (Berlin) and De Ateliers (Amsterdam). Through their experimental films\, León and Cociña offer a new interpretation of religious symbolism and magical rituals rooted in the traditional culture of Latin America. Their filmmaking incorporates various techniques\, including photography\, drawing\, sculpture\, dance and performance. Their stop-motion films are characterised by a raw cinematic language\, in which papier-mâché figures and innocent-looking drawings are placed in stark contrast to themes such as religion\, sex and death.
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SUMMARY:PGC24 - UNO\, DUE\, TRE!
DESCRIPTION:Uno\, due\, tre!  \nOne\, Two\, Three \nRegia: Billy Wilder; sceneggiatura: Billy Wilder\, I. A. L. Diamond; soggetto: tratto dal lavoro teatrale Egy\, kettö\, három (1929) di Ferenc Molnár; interpreti: James Cagney\, Horst Buchholz\, Pamela Tiffin\, Arlene Francis\, Howard St. John; produzione: Bavaria Film\, Mirisch Corporation\, Pyramid Productions; distribuzione italiana: MGM\, Park Circus. \nNominato ai Premi Oscar® 1962 come Miglior Fotografia e inserito nella National Board Review Award Top Ten Films nel 1961.  \nUSA\, 1961\, 108’. Versione originale con sottotitoli in italiano.  \nSINOSSI \nNella Berlino Ovest degli anni della Guerra Fredda\, il signor MacNamara\, un dirigente della Coca-Cola\, si impegna a far conoscere il famoso drink nei paesi del blocco orientale. Le sue ambizioni si complicano quando Scarlett\, la figlia del suo superiore\, arriva in città. La ragazza\, ribelle e disinibita\, rivela infatti di essersi segretamente sposata con Otto\, un fervente comunista di Berlino Est\, e di voler partire con lui per Mosca. In preda all’ansia per il suo lavoro e il futuro della giovane\, MacNamara cercherà di fermare i piani della ragazza. Tra disguidi e inseguimenti\, si troverà a dover affrontare le differenze culturali e politiche che caratterizzano il periodo\, il tutto con una buona dose di umorismo. \nBIO REGISTA \nBilly Wilder (1906-2002) è stato un influente cineasta e sceneggiatore austriaco\, naturalizzato statunitense. La sua carriera\, durata cinque decenni\, lo ha reso uno dei registi più brillanti ed iconici del cinema classico hollywoodiano. Wilder è stato insignito dell’AFI Life Achievement Award e del BAFTA Fellowship Award\, tra altri riconoscimenti. È stato nominato a 21 Premi Oscar e ne ha ricevuti 7\, tra cui Miglior Regista e Miglior Sceneggiatura Originale per Giorni Perduti (1945) e L’appartamento (1960). Ha diretto film iconici come La fiamma del peccato (1944)\, Viale del tramonto (1950)\, e A qualcuno piace caldo (1959).  \nPLOT \nIn the West Berlin of the Cold War years\, Mr MacNamara\, a Coca-Cola executive\, strives to make the famous drink known in the Eastern Bloc countries. His ambitions are complicated when Scarlett\, the daughter of his superior\, arrives in town. The rebellious and uninhibited girl reveals that she is secretly married to Otto\, a fervent communist from East Berlin\, and wants to leave with him for Moscow. Anxious about his job and the girl’s future\, MacNamara tries to stop the girl’s plans. Amidst misunderstandings and chases\, he will be confronted with the cultural and political differences of the period\, all with a good dose of humour. \nDIRECTOR’S BIO \nBilly Wilder (1906-2002) was an influential Austrian filmmaker and screenwriter\, naturalised American. His career spanning five decades made him one of the most brilliant and iconic directors of classic Hollywood cinema. Wilder has been the recipient of the AFI Life Achievement Award and the BAFTA Fellowship Award\, among other honours. He was nominated for 21 Academy Awards and received seven\, including Best Director and Best Original Screenplay for The Lost Weekend (1945) and The Apartment (1960). He directed iconic films such as Double Indemnity (1944)\, Viale del tramonto (1950)\, and A qualcuno piace caldo (1959).
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SUMMARY:PGC24 - LA TALPA
DESCRIPTION:La Talpa \nTinker Tailor Soldier Spy \nRegia: Tomas Alfredson; sceneggiatura: Bridget O’Connor\, Peter Straughan; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di John le Carré; interpreti: Gary Oldman\, Colin Firth\, Tom Hardy\, Mark Strong\, Ciarán Hinds; produzione: StudioCanal\, Karla Films\, Paradis Films\, Kinowelt Filmproduktion\, Working Title Films; distribuzione italiana: Medusa Film. \nPresentato in concorso alla 68° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Vincitore del Premio BAFTA come Miglior Film Britannico e Miglior Sceneggiatura Non Originale nel 2012.  \nRegno Unito\, Francia\, Germania\, 2011\, 127’. Versione doppiata in italiano.  \nSINOSSI \nLondra\, 1973. Control\, il capo del servizio segreto inglese\, è costretto alle dimissioni in seguito all’insuccesso di una missione segreta in Ungheria\, durante la quale l’agente speciale Prideaux perde la vita. Con Control se ne va anche il fidato George Smiley\, che viene però poi convocato dal sottosegretario governativo e riassunto in segreto. Il suo compito sarà scoprire l’identità di una talpa filosovietica che agisce da anni all’interno del ristretto numero di agenti del Circus. La talpa si nasconde infatti tra quattro uomini di alto rango: Percy Alleline\, Bill Haydon\, Roy Bland e Toby Esterhase\, rispettivamente soprannominati lo Stagnaio\, il Sarto\, il Soldato e il Povero. Con l’aiuto dell’agente Peter Guillam\, Smiley inizia un’indagine clandestina per smascherare il traditore e proteggere la sicurezza nazionale. \nBIO REGISTA \nTomas Alfredson\, nato nel 1965 a Lidingö\, Svezia\, è regista e sceneggiatore. Figlio dell’attore e regista Hans Alfredson\, Tomas ha iniziato la sua carriera dirigendo programmi televisivi e film svedesi. Ha ottenuto riconoscimento internazionale con Lasciami entrare (2008)\, un film horror acclamato dalla critica\, che ha vinto numerosi premi\, tra cui il Tribeca Film Festival Award per il miglior lungometraggio narrativo e quattro Guldbagge Awards. Nel 2011\, ha diretto La talpa\, che ha ricevuto tre nomination agli Oscar® e vinto un BAFTA. Alfredson è noto per il suo stile visivo distintivo e la capacità di creare atmosfere intense e coinvolgenti. \nPLOT \nLondon\, 1973. Control\, the head of the British Secret Service\, is forced to resign following the failure of a secret mission to Hungary\, during which Special Agent Prideaux loses his life. With Control goes also the trusted George Smiley\, who is then summoned by the government under-secretary and secretly re-hired. His task will be to discover the identity of a pro-Soviet mole who has been operating for years within the Circus’s small number of agents. The mole is in fact hiding among four high-ranking men: Percy Alleline\, Bill Haydon\, Roy Bland and Toby Esterhase\, respectively nicknamed the Tinker\, the Tailor\, the Soldier and the Poor-Man. With the help of agent Peter Guillam\, Smiley begins a clandestine investigation to unmask the traitor and protect national security. \nDIRECTOR’S BIO \nTomas Alfredson\, born in 1965 in Lidingö\, Sweden\, is a director and screenwriter. The son of actor and director Hans Alfredson\, Tomas began his career directing Swedish television programmes and films. He gained international recognition with Let The Right One In (2008)\, a critically acclaimed horror film that won numerous awards\, including the Tribeca Film Festival Award for Best Narrative Feature and four Guldbagge Awards. In 2011\, he directed Tinker Tailor Soldier Spy\, which received three Oscar® nominations and won a BAFTA. Alfredson is known for his distinctive visual style and ability to create intense and engaging atmospheres.
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SUMMARY:PGC24 - THE MAJOR TONES
DESCRIPTION:Le note maggiori \nLos tonos mayores (The Major Tones) \nRegia: Ingrid Pokropek; sceneggiatura: Ingrid Pokropek; interpreti: Sofía Clausen\, Pablo Seijo\, Lina Ziccarello\, Mercedes Halfon; produzione: Jaibo Films\, Gong Cine\, 36 Caballos; distribuzione: Bendita Film Sales. \nPresentato in concorso nella sezione Generation Kplus al 74° Festival internazionale del Cinema di Berlino. \nArgentina\, Spagna\, 2023\, 101’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese. \nSINOSSI \nAna\, quattordicenne\, vive a Buenos Aires con il padre Javier. A seguito di un incidente\, le viene impiantata una placca di metallo nel braccio. Improvvisamente\, durante le vacanze invernali\, Ana inizia a percepire delle misteriose pulsazioni nella placca. Senza dire nulla al padre\, collabora con l’amica Lepa per comporre una melodia ispirata a questi segnali ritmici. Una notte\, dopo una lite con Lepa\, Ana vaga sola per la città e incontra un giovane soldato che le rivela la vera natura delle pulsazioni: sono parole in codice Morse. Decisa a decifrarle\, Ana si si allontana sempre più da Lepa e Javier e si immerge in un’avventura enigmatica\, nel tentativo di capire se i messaggi trasmessi dalla placca siano indirizzati proprio a lei.  \nNOTE DI REGIA \nLa prima idea che mi venne in mente era un po’ più stravagante: il messaggio non arrivava attraverso una placca\, ma direttamente al cuore\, come se sincronizzato con i suoi battiti. Era un concetto delirante e difficile da sviluppare\, ma mi piaceva molto l’idea di qualcosa di soprannaturale o fantastico percepito attraverso il corpo. […] Mi interessavano l’ingenuità e l’innocenza con le quali una ragazza giovane può vivere ciò che le sta accadendo\, come il modo in cui\, invece di andare dal medico\, la protagonista decide di parlare [delle pulsazioni che sente] alla sua amica\, e insieme inventano un mondo\, decidono di scrivere una canzone. \nBIO REGISTA \nIngrid Pokropek\, nata a Buenos Aires nel 1994\, è regista\, produttrice\, scrittrice e insegnante. Interessata a storie che parlano di ragazzi e ragazze e dei mondi immaginari e assurdi nei quali vivono\, ha scritto e diretto\, tra gli altri\, i cortometraggi Es una ficción de arena (2017) Shendy Wu\, un diario (2019)\, e Chico eléctrico (2021). Ha prodotto i film Clementina (2022\, Agustín Mendilaharzu & Constanza Feldman)\, La Edad Media (2022\, Luciana Acuña e Alejo Moguillansky) e Trenque Lauquen (2022\, Laura Citarella)\, miglior film del 2023 secondo Cahiers du Cinéma. Los tonos mayores (2023) è il suo primo lungometraggio. \nPLOT \nFourteen-year-old Ana lives in Buenos Aires with her father Javier. Following an accident\, a metal plate is implanted in her arm. Suddenly\, during the winter holidays\, Ana starts to feel mysterious pulsations in the plate. Without telling her father\, she collaborates with her friend Lepa to compose a melody inspired by these rhythmic signals. One night\, after an argument with Lepa\, Ana wanders alone through the city and meets a young soldier who reveals to her the true nature of the pulsations: they are words in Morse code. Determined to decipher them\, Ana draws farther and farther away from Lepa and Javier and plunges into an enigmatic adventure\, in an attempt to understand if the messages transmitted by the plaque are meant for her. \nDIRECTOR’S NOTE \nThe first idea that I came up with was a bit crazier: the message didn’t come through a plate\, it came to the heart\, as synchronized with its beating. A delirious idea that was very difficult to work with. But\, I really liked the idea of something supernatural or fantastic felt through the body. […] I was interested in the naivety and innocence of younger people when it comes to interpreting what is happening to them: the way in which they would not go to the doctor\, but first share [about the pulses] with a friend\, and then inventing a world together\, deciding to write a song. \nDIRECTOR’S BIO \nIngrid Pokropek\, born in Buenos Aires in 1994\, is a director\, producer\, writer and teacher. Interested in stories about young people and the imaginary and absurd worlds in which they live\, she wrote and directed\, among others\, the short films Es una ficción de arena (2017) Shendy Wu\, un diario (2019)\, and Chico eléctrico (2021). She produced the films Clementina (2022\, Agustín Mendilaharzu & Constanza Feldman)\, La Edad Media (2022\, Luciana Acuña & Alejo Moguillansky) and Trenque Lauquen (2022\, Laura Citarella)\, the best film of 2023 according to Cahiers du Cinéma. Los tonos mayores (2023) is his first feature film.
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DESCRIPTION:Vivi alla grande \nŽivot k sežrání (Living Large) \nRegia: Kristina Dufková; sceneggiatura: Barbora Dřevikovská\, Petr Jarchovský; soggetto: tratto dal romanzo La vie\, en gros di Mikaël Ollivier; produzione: Barletta Productions\, Novinski\, Novanima productions; distribuzione: Goodfellas.  \nPresentato in concorso nella sezione Contrechamp alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy e alla 77° edizione del Locarno Film Festival. \nRepubblica Ceca\, Francia\, Slovacchia\, 2024\, 80’. Animazione stop motion. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese. \nSINOSSI \nBen\, un ragazzo di 12 anni con una passione per la cucina\, si trova ad affrontare le difficoltà dell’adolescenza\, complicate dalla sua obesità. I compagni di scuola lo prendono di mira\, mentre i suoi genitori divorziati si sentono impotenti di fronte alla situazione. Anche l’infermiera scolastica esprime preoccupazione per la sua salute. Desideroso di conquistare il cuore di Klara\, la ragazza dei suoi sogni\, Ben decide di intraprendere una dieta drastica\, sperando così di migliorare la sua vita e le sue relazioni. Un racconto di crescita personale che esplora l’importanza di accettare sé stessi\, rivelando che ciò che conta veramente non è l’aspetto esteriore\, ma come ci si sente dentro. \nNOTE DI REGIA \nTredici anni fa\, stavo cercando un soggetto per un lungometraggio quando il libro [“La vie\, en gros” di Mikaël Ollivier] mi è capitato tra le mani. Ho capito subito che la storia di Ben rappresentava esattamente il tema che volevo sviluppare in un’animazione con pupazzi\, specialmente per mia figlia\, a cui leggevo il libro all’epoca. Non c’erano molti film adatti ai bambini più grandi\, in particolare film che fossero incisivi\, intelligenti e simpatici. Nel corso del tempo\, le cose sono cambiate e mia figlia è cresciuta\, ma la storia di Ben ha continuato a piacermi. Ogni tanto ci tornavo\, e sono felice di aver finalmente potuto realizzarla come un film in stop-motion 2D dopo tutti questi anni.  \nBIO REGISTA \nKristina Dufková\, nata nel 1978\, è una regista\, animatrice e artista ceca. Ha studiato presso la Scuola Professionale Superiore di Cinema di Písek\, specializzandosi in animazione. Dal 2000 al 2010 ha approfondito le sue competenze in animazione alla FAMU. Il suo film di laurea\, Usnula jsem (A Tear is Needed)\, realizzato nel 2008 e caratterizzato da una forte componente personale\, le è valso il premio per il Miglior Film d’Animazione all’Anifest 2009. Dufková ha successivamente pubblicato un libro con lo stesso titolo. Le sue opere si distinguono per l’eccellente qualità dell’animazione e la stilizzazione visiva\, combinando abilmente il mondo dei bambini con quello degli adulti. Living Large è il suo primo lungometraggio. \nPLOT \nBen\, a 12-year-old boy with a passion for cooking\, is faced with the difficulties of adolescence\, complicated by his obesity. His schoolmates pick on him\, while his divorced parents feel helpless in the face of the situation. Even the school nurse expresses concern for his health. Eager to win the heart of Klara\, the girl of his dreams\, Ben decides to embark on a drastic diet\, hoping to improve his life and relationships. A tale of personal growth that explores the importance of self-acceptance\, revealing that what really matters is not how you look on the outside\, but how you feel on the inside. \nDIRECTOR’S NOTE \n13 years ago\, I was seeking a subject for a feature film\, and that’s when the book [“La vie\, en gros” by Mikaël Ollivier] came into my hands. I knew right away that Ben’s story was exactly the theme I wanted to develop in a puppet animation\, especially for my daughter\, to whom I was reading the book back then. There weren’t many films for older children at that time\, not ones that were inspiring\, clever and cute. Things changed over time\, my daughter grew up\, but I still enjoyed Ben’s story. I kept coming back to it after breaks\, and I’m happy that I was able to bring it to its final form as a 2D stop-motion movie after all those years. \nDIRECTOR’S BIO \nKristina Dufková\, born in 1978\, is a Czech filmmaker\, animator and artist. She studied at the Higher Professional Film School in Písek\, specialising in animation. From 2000 to 2010 she furthered her skills in animation at FAMU. Her graduation film\, Usnula jsem (A Tear is Needed)\, made in 2008 and characterised by a strong personal component\, won her the Best Animation Film award at Anifest 2009. Dufková subsequently published a book with the same title. Her works are characterised by excellent animation quality and visual stylisation\, and skillfully combine the worlds of children and adults. Living Large is her first feature film.
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SUMMARY:PGC24 - IL TEMPO CHE CI VUOLE
DESCRIPTION:Il tempo che ci vuole \nRegia: Francesca Comencini; sceneggiatura: Francesca Comencini; interpreti: Fabrizio Gifuni\, Romana Maggiora Vergano\, Anna Mangiocavallo; produzione: Kavac Film\, Les films du Worso\, IBC Movie\, One Art\, Rai Cinema; distribuzione italiana: 01 Distribution. \nPresentato Fuori Concorso alla 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. \nItalia\, Francia\, 2024\, 110’. Versione originale in italiano. \nSINOSSI \nLa regista Francesca Comencini esplora il rapporto con il padre\, il regista Luigi Comencini\, in un viaggio emotivo composto di ricordi condivisi. La storia si dipana tra momenti di intimità e conflitto\, rivelando come la passione per il cinema abbia influenzato la loro relazione. Francesca\, una giovane ragazza alle prese con la propria identità\, si confronta con le aspettative e la fama del genitore\, sentendosi spesso inadeguata. Mentre la vita di Francesca è segnata da eventi storici e personali complessi\, il film mette in luce i legami familiari e le sfide della crescita. Attraverso il potere del cinema\, i due protagonisti cercano di riconciliarsi\, scoprendo la bellezza e le difficoltà del rapporto tra padre e figlia. \nNOTE DI REGIA \nDopo tanti anni passati a fare il suo stesso lavoro cercando di essere diversa da lui\, ho voluto raccontare quanto ogni cosa che sono la devo a lui: ho voluto rendere omaggio a mio padre\, al suo modo di fare cinema\, al suo modo di essere\, all’importanza che la sua opera e il suo impegno hanno avuto per il nostro cinema\, all’importanza che la sua persona ha avuto per me. Forse\, mi sono detta\, forse ora sono abbastanza anziana\, ne sono capace\, forse ora sarò all’altezza di questo racconto. Forse\, ora\, è arrivato il momento di dirgli grazie. \nBIO REGISTA \nFrancesca Comencini è una regista e sceneggiatrice italiana\, figlia del regista Luigi Comencini. Dopo aver iniziato gli studi in Filosofia\, negli anni Ottanta abbandona l’università  per dedicarsi al cinema. Fa il suo esordio con Pianoforte (1984)\, seguito da opere significative come Mi piace lavorare (2004)\, presentato al Festival di Berlino e vincitore del Premio della giuria ecumenica. Tra i suoi film\, ricordiamo Lo spazio bianco (2009) e Un giorno speciale (2012)\, entrambi presentati alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Nel 2014\, collabora a Gomorra – La serie\, e nel 2015 riceve il Premio Cipputi alla carriera al Torino Film Festival. \nPLOT \nDirector Francesca Comencini explores her relationship with her father\, filmmaker Luigi Comencini\, in an emotional journey of shared memories. The story unfolds between moments of intimacy and conflict\, revealing how the passion for cinema influenced their relationship. Francesca\, a young girl struggling with her own identity\, is confronted with the expectations and the fame of her parent\, often finding herself feeling inadequate. While Francesca’s life is marked by complex historical and personal events\, the film highlights family ties and the challenges of growing up. Through the power of cinema\, the two protagonists try to reconcile\, discovering the beauty and difficulties of their father-daughter relationship. \nDIRECTOR’S NOTE \nAfter so many years spent doing the same job as him\, trying to be different from him\, I wanted to tell how much everything I am I owe to him: I wanted to pay homage to my father\, to his way of making films\, to his way of being\, to the importance that his work and his commitment have had for our cinema\, to the importance that the person he was has had for me. Perhaps\, I said to myself\, perhaps now I am old enough\, perhaps now I am capable\, perhaps now I will live up to this legacy. Perhaps\, now\, the time has come to say thank you. \nDIRECTOR’S BIO \nFrancesca Comencini is an Italian film director and screenwriter\, daughter of director Luigi Comencini. After beginning her studies in Philosophy\, she dropped out in the 1980s to devote herself to cinema. She made her debut with Pianoforte (1984)\, followed by significant works such as Mi piace lavorare (2004)\, presented at the Berlin Film Festival and winner of the Ecumenical Jury Prize. Her film credits include Lo spazio bianco (2009) and Un giorno speciale (2012)\, both presented at the Venice International Film Festival. In 2014\, she collaborated on Gomorra – La serie\, and in 2015 she received the Cipputi Lifetime Achievement Award at the Turin Film Festival.
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SUMMARY:ZERO IN CONDOTTA: LABORATORIO DI SCRITTURA CRITICA
DESCRIPTION:RACCONTARE IL CINEMA SPERIMENTALE: BEN RIVERS \nIl primo laboratorio di critica cinematografica di Cinema on the Docks si concentra su come avvicinarsi al cinema sperimentale\, con la sua pratica unica che si riconfigura per ogni cineasta. Quali parole usare per un cinema che ambisce a una libertà di linguaggio? \nDue incontri laboratoriali e una masterclass per addentrarsi nel mondo della critica e della programmazione cinematografica\, incontrando gli autori che stanno contrassegnando il cinema contemporaneo. \n– 30 ottobre\, ore 18: Laboratorio di scrittura critica\n– 8 novembre\, ore 16: Masterclass con Ben Rivers\n– 13 novembre\, ore 18: Laboratorio di scrittura critica
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SUMMARY:PGC24 - GUERRA E PACE
DESCRIPTION:Guerra e Pace \nRegia: Martina Parenti\, Massimo D’Anolfi; produzione: Montmorency Film\, RAI Cinema\, CSC – Centro Sperimentale di Cinematografia Production\, Lomotion\, Cinémathèque suisse\, SRF – Schweizer Radio und Fernsehen; distribuzione italiana: Istituto Luce Cinecittà. \nPresentato in concorso nella sezione Orizzonti della 77° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. \nItalia\, Svizzera\, 2020\, 128’. Documentario. Versione originale in italiano. \nSINOSSI \nGuerra e Pace esplora il legame centenario tra cinema e conflitto\, dal primo incontro nel 1911 con l’invasione italiana in Libia fino alle riprese odierne effettuate con smartphone. Il documentario di Massimo D’Anolfi e Martina Parenti è articolato in quattro capitoli — passato remoto\, passato prossimo\, presente e futuro — che ricompongono frammenti della memoria visiva dal Novecento a oggi. Quattro istituzioni europee ospitano la narrazione\, dove pace e guerra coesistono. Il film riflette sull’uso delle immagini nei conflitti\, dall’importanza della documentazione visiva al ruolo dell’Unità di Crisi della Farnesina e l’addestramento militare. Attraverso queste immagini\, il documentario solleva interrogativi sulle conseguenze della guerra\, la memoria storica e il confine sottile tra voyeurismo e necessità di ricordare. \nNOTE DI REGIA \nLa prima intuizione di Guerra e Pace è nata un giorno di fronte un’ambasciata italiana in una capitale straniera. Ci siamo domandati che funzione e che valore potessero avere ancora questi palazzi privilegiati e\, più genericamente\, quale fosse il senso dell’attività diplomatica in un mondo in cui la comunicazione e le notizie viaggiano a una velocità fuori da ogni controllo. Crediamo che oggi più che mai sia necessario ripensare agli strumenti che prevengono\, limitano\, contengono i conflitti in favore del dialogo tra uomini e istituzioni. […] Abbiamo dunque deciso di riflettere sulle immagini del passato e del presente non solo come strumento di guerra\, ma anche come possibile strumento di pace. \nBIO REGISTA \nMassimo D’Anolfi (nato nel 1974) e Martina Parenti (nata nel 1972) sono registi\, sceneggiatori e produttori italiani. Esordiscono nel 2007 con I promessi sposi\, presentato al Festival di Locarno. Nel 2009 realizzano Grandi speranze\, anch’esso presentato a Locarno. Con Il Castello (2011)\, vincono premi a Toronto e Torino. Nel 2013\, il loro Materia Oscura viene selezionato al Festival di Berlino. L’Infinita Fabbrica del Duomo (2015) è presentato a Locarno\, mentre Spira Mirabilis (2016) compete alla Mostra del Cinema di Venezia. Tra il 2018 e il 2022 realizzano Blu\, Guerra e Pace e Una giornata nell’Archivio Piero Bottoni. Il loro ultimo film\, Bestiari\, Erbari\, Lapidari (2024)\, è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia. \nPLOT \nWar and Peace explores the century-long link between cinema and conflicts\, from the first encounter in 1911 with the Italian invasion of Libya to today’s smartphone recordings. Massimo D’Anolfi and Martina Parenti’s documentary is divided into four chapters — the distant past\, the near past\, the present and the future —recomposing fragments of visual memory from the 20th century to the present. Four European institutions host the narrative\, where peace and war coexist. The film reflects on the use of images in conflicts\, from the importance of visual documentation to the role of the Farnesina Crisis Unit and military training. Through these images\, the documentary raises questions about the consequences of war\, historical memory and the fine line between voyeurism and the imperative of remembering.  \nDIRECTOR’S NOTE \nWar and Peace was first conceived one day in front of an Italian embassy in a foreign capital. We wondered what function and value these privileged palaces could still have and\, more generally\, what was the sense of diplomatic activity in a world where communication and news travel at a speed beyond all control. We believe that today more than ever\, it is necessary to rethink the instruments that prevent\, limit\, contain conflicts in favor of dialogue between people and institutions […]. We have therefore decided to reflect on the images of the past and present not only as an instrument of war\, but also as a possible instrument of peace. \nDIRECTOR’S BIO \nMassimo D’Anolfi (born in 1974) and Martina Parenti (born in 1972) are Italian directors\, screenwriters and producers. They made their debut in 2007 with The Betrothed\, presented at the Locarno Festival. In 2009 they made Great Expectations\, also presented at Locarno. With The Castle (2011)\, they won awards in Toronto and Turin. In 2013\, their Dark Matter was selected at the Berlin Film Festival. The Never Ending Factory of the Duomo (2015) is presented at Locarno\, while Miraculous Spiral (2016) competed at the Venice Film Festival. Between 2018 and 2022 they made Blu\, War and Peace and A Day in the Piero Bottoni Archive. Their latest film\, Bestiari\, Erbari\, Lapidari (2024)\, was presented at the Venice Film Festival.
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SUMMARY:PGC24 - MY SUNSHINE
DESCRIPTION:My Sunshine \nBoku no ohisama \nRegia: Hiroshi Okuyama; sceneggiatura: Hiroshi Okuyama; interpreti: Sosuke Ikematsu\, Keitatsu Koshiyama\, Kiara Nakanishi; produzione: Tokyo Theaters\, Comme des Cinémas\, The Asahi Shimbun Company; distribuzione: Charades.  \nPresentato nella sezione Un Certain Regard della 77° edizione del Festival di Cannes.  \nGiappone\, Francia\, 2024\, 90’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima italiana. \nFilm eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024. \nSINOSSI \nSull’isola giapponese di Hokkaido\, la vita ruota attorno al cambio delle stagioni. A scuola\, l’inverno è il periodo dell’hockey su ghiaccio\, e Takuya\, un ragazzino timido ma vivace\, non ne è troppo entusiasta. Il suo vero interesse è rivolto a Sakura\, una giovane stella del pattinaggio artistico\, da poco trasferitasi da Tokyo. Un giorno\, mentre gioca sul ghiaccio dopo la scuola\, l’allenatore ed ex campione Arakawa nota il potenziale di Takuya e decide di allenarlo insieme a Sakura per una competizione. Nonostante i loro caratteri estremamente diversi\, i due ragazzi sviluppano un’inaspettata ed armoniosa intesa\, crescendo insieme mentre l’inverno si trasforma in primavera. La loro preziosa connessione si rifletterà nel passaggio delle stagioni. \nNOTE DI REGIA \nMi sono sempre detto che un giorno avrei fatto un film sul pattinaggio artistico\, una disciplina che ho conosciuto fin da bambino. Ma non ci sono mai riuscito. Ho dovuto accettare che il semplice invocare i ricordi non basti per fare un film. Poi ho scoperto la canzone My Sunshine di Humbert Humbert\, e ascoltandola ogni giorno\, la storia che avevo bisogno di raccontare ha iniziato a prendere forma. Contemporaneamente\, ho incontrato Sōsuke Ikematsu[l’attore che interpreta il personaggio di Arakawa\,] e ho capito che se fossi riuscito a riprodurre il suo fascino sullo schermo\, avrei potuto realizzare il film. \nBIO REGISTA \nHiroshi Okuyama è nato a Tokyo nel 1996. È sceneggiatore\, direttore della fotografia\, montatore e regista dei suoi film. Nel 2009\, all’età di 13 anni\, ha diretto il video musicale Graduationparty!!!!!\, presentato in anteprima al Kyoto International Film Festival. Nel 2016 e nel 2018 ha realizzato due cortometraggi: The Swan Smiles e Tokyo 21st October. Nel 2018 ha ricevuto il premio come Miglior Nuovo Regista al San Sebastián International Film Festival e il premio per la Miglior Fotografia allo Stockholm Film Festival per il suo primo lungometraggio Jesus. Nel 2023 ha collaborato con Hirokazu Kore-eda alla sceneggiatura della serie Makanai: Cooking for the Maiko House. \nPLOT \nOn the Japanese island of Hokkaido\, life revolves around the change of the seasons. At school\, winter is the time for ice hockey\, but Takuya\, a shy but lively boy\, is not too keen on it. His real interest lies in Sakura\, a young figure skating star who has recently moved from Tokyo. One day\, while playing on the ice after school\, the coach and former ice hockey champion Arakawa notices Takuya’s potential and decides to train him together with Sakura for a competition. Despite their extremely different characters\, the two children develop an unexpected and harmonious understanding\, growing together as winter turns into spring. Their precious connection will be reflected in the passage of the seasons. \nDIRECTOR’S NOTE \nI always told myself that one day I would make a film about figure skating\, which I was introduced to as a child. But I couldn’t manage it. I had to accept that invoking memories alone isn’t enough to make a film. Then I discovered the song My Sunshine by Humbert Humbert\, and as I listened to it daily\, the story I needed to film began to take shape. At the same time\, I met Sōsuke Ikematsu\, and I was convinced that if I could translate his charm onto the screen\, I could make the film. \nDIRECTOR’S BIO \nHiroshi Okuyama was born in Tokyo in 1996. He is the screenwriter\, cinematographer\, editor and director of his own films. In 2009\, at the age of 13\, he directed the music video Graduationparty!!!!!\, which premiered at the Kyoto International Film Festival. In 2016 and 2018 he made two short films\, The Swan Smiles and Tokyo 21st October. In 2018 he received the Best New Director award at the San Sebastián International Film Festival and the Best Cinematography award at the Stockholm Film Festival for his first feature film Jesus. In 2023 he collaborated with Hirokazu Kore-eda on the screenplay for the series Makanai: Cooking for the Maiko House.
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SUMMARY:PGC24 - LE VITE DEGLI ALTRI
DESCRIPTION:Le vite degli altri \nDas Leben der Anderen \nRegia: Florian Henckel von Donnersmarck; sceneggiatura: Florian Henckel von Donnersmarck; interpreti: Ulrich Mühe\, Martina Gedeck\, Sebastian Koch\, Ulrich Tukur; produzione: Wiedemann & Berg\, Bayerischer Rundfunk\, Creado Film\, Arte; distribuzione italiana: 01 Distribution. \nVincitore del Premio Oscar® per il Miglior Film Straniero nel 2007. Vincitore del Premio BAFTA come Miglior Film Non in Lingua Inglese e del Premio César come Miglior Film Straniero nel 2008.   \nGermania\, 2006\, 137’. Versione doppiata in italiano.  \nSINOSSI  \nBerlino Est\, 1984. Il capitano Gerd Wiesler è l’abile\, spietato solerte agente della famigerata Stasi\, la Polizia di Stato che crea un clima di terrore tra i cittadini della DDR. Per la sua abilità e lealtà gli viene affidato il compito di mettere sotto stretta sorveglianza il drammaturgo di successo Georg Dreyman\, fra i più importanti intellettuali del regime comunista. La missione è anche caldeggiata dal ministro della cultura Bruno Hempf\, innamorato della compagna di Dreyman\, l’attrice Christa-Maria Sieland\, e desideroso di sbarazzarsi di lui per avere campo libero. Wiesler installa microspie nell’appartamento del drammaturgo\, ma ascoltare la vita della coppia cambia qualcosa in lui\, che\, affascinato dalla loro arte e umanità\, diventa sempre più coinvolto emotivamente e mettendo in questione tutti i suoi ideali. \nBIO REGISTA \nFlorian Henckel von Donnersmarck\, nato a Colonia nel 1973\, è un regista e sceneggiatore tedesco. Ha studiato letteratura a Oxford\, filosofia a San Pietroburgo e regia all’Università di Televisione e Cinema di Monaco. Il suo film d’esordio\, Le vite degli altri (2006)\, ha ricevuto l’Oscar® per il miglior film straniero\, il BAFTA\, il David di Donatello e il César. Successivamente\, ha diretto The Tourist (2010)\, che ha ottenuto tre nomination ai Golden Globe. Nel 2018\, il suo film Opera senza autore è stato candidato agli Oscar® come Miglior Film Straniero e per la Miglior Fotografia. \nPLOT \nEast Berlin\, 1984. Captain Gerd Wiesler is the skilful\, ruthless agent of the notorious Stasi\, the State Police that creates a climate of terror among the citizens of the GDR. Because of his skill and loyalty\, he is entrusted with the task of putting the successful playwright Georg Dreyman\, one of the most important intellectuals of the communist regime\, under close surveillance. The mission is wanted by Culture Minister Bruno Hempf\, who is in love with Dreyman’s companion\, actress Christa-Maria Sieland\, and eager to get rid of him in order to make his move. Wiesler installs bugs in the playwright’s flat\, but listening to the couple’s life changes something in him\, who\, fascinated by their art and humanity\, becomes more and more emotionally involved and questions all his ideals. \nDIRECTOR’S BIO \nFlorian Henckel von Donnersmarck\, born in Cologne in 1973\, is a German film director and screenwriter. He studied literature at Oxford\, philosophy at St. Petersburg and directing at the University of Television and Film in Munich. His debut film\, The Lives of Others (2006)\, received an Oscar® for Best Foreign Language Film\, a BAFTA\, a David di Donatello and a César. Subsequently\, he directed The Tourist (2010)\, which garnered three Golden Globe nominations. In 2018\, his film Werk ohne Autor was nominated for an Oscar® for Best Foreign Language Film and Best Cinematography.
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SUMMARY:PGC24 - ANOTHER COUNTRY - LA SCELTA
DESCRIPTION:Another Country – La Scelta \nAnother Country \nRegia: Marek Kanievska; sceneggiatura: Julian Mitchell; soggetto: tratto dall’omonima opera teatrale di Julian Mitchell; interpreti: Rupert Everett\, Colin Firth\, Cary Elwes\, Robert Addie; produzione: Goldcrest Films International\, National Film Finance Corporation; distribuzione: Goldcrest Films. \nPresentato in concorso alla 37° edizione del Festival di Cannes.  \nRegno Unito\, 1984\, 90’. Versione doppiata in italiano.  \nSINOSSI \nGuy Bennett\, ex spia del KGB\, vive a Mosca e rievoca la sua giovinezza in un’intervista con una giornalista americana. La narrazione si sposta negli anni ’30 in Inghilterra\, in un rigido college frequentato dai figli dell’aristocrazia. Qui\, tra opportunismo e ipocrisia\, Guy si distingue per la sua franchezza\, non temendo di criticare le convenzioni sociali. Innamorato di un compagno\, si trova costretto a fuggire quando la loro relazione viene scoperta. Abbandonato dalla famiglia e rifiutato dal suo paese\, Guy decide di unirsi al KGB\, scegliendo una vita di opposizione a un sistema che lo ha escluso. La sua storia è un viaggio di autoaccettazione e ribellione contro le norme che lo hanno sempre perseguitato. \nBIO REGISTA \nMarek Kanievska è nato nel 1952 a Londra\, da genitori polacchi. Regista televisivo e cinematografico\, ha esordito nella settima arte con Another Country – La scelta (1984)\, un adattamento dell’omonimo dramma di Julian Mitchell\, che ha ricevuto riconoscimenti ai Festival di Cannes e Firenze. Per il cinema ha poi diretto Al di là di tutti i limiti (1987)\, ispirato dal romanzo Meno di zero di Bret Easton Ellis. Dagli anni ’70\, Kanievska ha avviato la sua carriera televisiva in Australia\, producendo\, tra gli altri\, diversi episodi della serie Matlock Police. Ha inoltre lavorato a diverse produzioni britanniche\, tra cui la celebre Muck and Brass (1982). \nPLOT \nGuy Bennett\, a former KGB spy\, lives in Moscow and recalls his youth in an interview with an American journalist. The narrative shifts to 1930s England\, to a strict college attended by the sons of the aristocracy. Here\, amidst opportunism and hypocrisy\, Guy stands out for his frankness\, not afraid to criticise social conventions. In love with a companion\, he finds himself forced to flee when their relationship is discovered. Abandoned by his family and rejected by his country\, Guy decides to join the KGB\, choosing a life of opposition to a system that has excluded him. His story is a journey of self-acceptance and rebellion against the norms that have always persecuted him.  \nDIRECTOR’S BIO \nMarek Kanievska was born in 1952 in London to Polish parents. A television and film director\, he made his debut in the seventh art with Another Country (1984)\, an adaptation of Julian Mitchell’s play of the same name\, which received awards at the Cannes and Florence Film Festivals. He then directed Less Than Zero (1987)\, inspired by Bret Easton Ellis’ homonymous novel. From the 1970s\, Kanievska launched his television career in Australia\, producing\, among others\, several episodes of the series Matlock Police. He has also worked on several British productions\, including the popular series Muck and Brass (1982).
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SUMMARY:PGC24 - A BOAT IN THE GARDEN
DESCRIPTION:Una barca in giardino \nSlocum et moi (A Boat in the Garden) \nRegia: Jean-François Laguionie; sceneggiatura: Anik Le Ray\, Jean-François Laguionie; produzione: Melusine Productions\, JPL Films; distribuzione: Urban Sales. \nPresentato alla 77° edizione del Festival di Cannes e in concorso alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy. \nLussemburgo\, Francia\, 2024\, 75’. Animazione. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima milanese. \nSINOSSI \nNegli anni ’50\, sulle rive del fiume Marna\, il giovane François\, di 11 anni\, scopre con stupore che i suoi genitori stanno costruendo una barca nel loro giardino\, una replica della nave a vela del famoso marinaio Joshua Slocum. Con il passare degli anni\, nella Francia del dopoguerra\, François cresce\, attraversando l’adolescenza fino all’età adulta. Mentre la barca prende forma\, il ragazzo osserva con uno sguardo tenero e poetico i suoi genitori e intraprende una propria avventura\, guidata dalla sua passione per il mare e il disegno. Tra il sogno del padre e le proprie aspirazioni\, François trova il suo percorso\, vivendo avventure che rispecchiano la grande impresa del marinaio solitario Slocum. \nNOTE DI REGIA \n[L]’immagine che un ragazzo ha di suo padre è solo una parte del film. Il tema più ampio riguarda i sogni che mettiamo in moto e che poi un giorno abbandoniamo. Forse perché li abbiamo davvero vissuti. Potrebbe essere la costruzione di una casa incompiuta\, un libro che hai iniziato a scrivere (un film su cui lavori da anni?…). Dicono che è il viaggio che conta\, non la destinazione… Una vecchia storia! Quindi questo è un film d’avventura. Le relazioni tra i personaggi\, con pochi dialoghi e una tenerezza palpabile\, sono ritratte con leggerezza. In questo senso\, l’animazione non è paragonabile al live action. \nBIO REGISTA \nJean-François Laguionie\, nato nel 1939 a Besançon\, Francia\, sviluppa una passione per il disegno fin da giovane. Dopo gli studi in Arts Appliqués\, conosce Paul Grimault\, che lo introduce all’animazione. Nei dieci anni trascorsi insieme\, realizza i suoi primi cortometraggi\, ottenendo successo nei festival\, tra cui la Palma d’Oro per La traversée de l’Atlantique à la rame (1978). Nel 1979\, avvia la produzione di lungometraggi con Gwen\, le livre de sable (1979). Il suo studio\, La Fabrique\, si specializza poi in film TV e cortometraggi. Collabora con Blue Spirit Productions e JPL Films per la produzione dei suoi lungometraggi più recenti. \nPLOT \nIn the 1950s\, on the banks of the river Marne\, 11-year-old François discovers to his amazement that his parents are building a boat in their garden\, a replica of the famous sailor Joshua Slocum’s sailing ship. Over the years\, in post-war France\, François grows up\, going through adolescence into adulthood. As the boat takes shape\, the boy looks tenderly and poetically at his parents and embarks on his own adventure\, guided by his passion for the sea and drawing. Between his father’s dream and his own aspirations\, François finds his own path\, experiencing adventures that mirror the great feat of the lone sailor Slocum. \nDIRECTOR’S NOTE \n[A] boy’s image of his father is only one part of the film. The broad scope is the dreams we set in motion and then one day abandon. Perhaps because they have really been lived. It could be the construction of an unfinished house\, a book you’ve started to write. (a film you’ve been working on for years?…)! It’s the journey that counts\, they say\, not the destination… An old story! So this is an adventure film. The relationship between the characters\, with little dialogue and a skin-deep tenderness\, are light-handedly portrayed In this respect\, animation doesn’t fare as well as live action. \nDIRECTOR’S BIO \nJean-François Laguionie\, born in 1939 in Besançon\, France\, developed a passion for drawing from an early age. After studying Arts Appliqués\, he met Paul Grimault\, who introduced him to animation. In the ten years they worked together\, he made his first short films\, gaining great success at festivals\, notably winning the Palme d’Or for La Traversée de l’Atlantique à la rame (1978). In 1979\, he embarked on feature film production with Gwen\, le livre de sable (1979). His studio\, La Fabrique\, specialises in TV films and short films. He has collaborated with Blue Spirit Productions and JPL Films on the production of his most recent feature films.
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LOCATION:Cineteca Milano Arlecchino\, Via San Pietro all'Orto 9\, Milano\, Italia
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SUMMARY:PGC24 - ROSA E IL TROLL DI PIETRA
DESCRIPTION:Rosa e il troll di pietra \nRoselil og stentrolden (Rosa and the Stone Troll) \nRegia: Karla Nor Holmbäck; sceneggiatura: Toke Westmark Steensen; soggetto: basato sui personaggi della serie di libri Rosa di Josefine Ottesen; produzione: Dansk Tegnefilm\, A.Film A/S; distribuzione internazionale: LevelK; distribuzione italiana: Wanted. \nPresentato in concorso nella sezione Contrechamp alla 47° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy. \nDanimarca\, 2023\, 75’. Animazione. Versione doppiata in italiano. Opera prima. \nSINOSSI \nRosa è una piccola fata dei fiori che vive solitaria nel suo roseto. Sebbene desideri ardentemente avere un amico\, è troppo spaventata per lasciare il suo rifugio. La sua vita tranquilla cambia quando incontra Satin\, una farfalla avventurosa\, e le due diventano subito grandi amiche\, nonostante le loro differenze. Mentre Satin sogna avventure nel mondo esterno\, Rosa preferirebbe rimanere nel suo giardino. Tuttavia\, il rapimento di Satin da parte di un malvagio Troll di pietra costringe Rosa a superare le sue paure e a intraprendere un viaggio per salvarla. Lungo il cammino\, Rosa incontrerà nuovi amici e dovrà affrontare molte sfide\, imparando che la vera forza risiede nell’amicizia e nella scoperta di sé. \nNOTE DI REGIA \nDa bambina\, mio padre leggeva ad alta voce i libri di Rosa\, e quell’incredibile universo mi ha accompagnato da allora. Ancora oggi desidero vivere a Summerland con Rosa e i suoi amici\, dormire nel roseto\, mangiare torta di mirtilli con i topi e ballare con gli elfi che brillano come argento nella notte. Con Rosa e il troll di pietra\, voglio creare un film avventuroso sull’amicizia\, che esplora come ognuno di noi cerchi di integrarsi nella comunità\, tenendo conto delle proprie predisposizioni e difficoltà. […] Un film che rappresenti l’amicizia\, nel bene e nel male\, e che incoraggi a tuffarsi nell’incertezza\, essere audaci e seguire i propri sogni. \nBIO REGISTA \nKarla Nor Holmbäck è una regista di animazione diplomata alla Scuola Nazionale di Cinema della Danimarca nel 2018. Durante il suo percorso di studi\, si è dedicata alla creazione di contenuti per bambini\, collaborando a serie televisive\, videogiochi e alla creazione di universi fantastici. Oltre ai film\, il suo lavoro spazia anche nell’illustrazione di libri per bambini\, e nel 2020 ha debuttato come autrice con la più grande casa editrice della Danimarca\, Gyldendal. Le opere di Karla si contraddistinguono per la loro poesia e invitano i giovani lettori o spettatori a immergersi in un mondo magico e giocoso. Rosa e il troll di pietra è il suo primo lungometraggio. \nPLOT \nRosa is a small flower fairy who lives alone in her rose garden. Although she longs for a friend\, she is too scared to leave her home. Her quiet life changes when she meets Satin\, an adventurous butterfly\, and the two immediately become best friends\, despite their differences. While Satin dreams of adventures in the outside world\, Rosa would rather stay in her garden. However\, Satin’s abduction by an evil Stone Troll forces Rosa to overcome her fears and embark on a journey to rescue her. Along the way\, Rosa will meet new friends and face many challenges\, learning that true strength lies in friendship and self-discovery. \nDIRECTOR’S NOTE \nAs a child\, my dad read aloud from the Rosa books\, and the amazing universe has followed me ever since.  I still today want to live in the Summerland with Rosa and her friends\, sleep in the rose bush\, eat blueberry pie with the mice and dance with the elves that twinkle like silver in the night. With Rosa and the Stone Troll\, I want to create an adventurous film about friendship. About how we each try to fit into the community based on our individual prerequisites and challenges. […] A film that depicts friendship for better or worse\, about daring to throw yourself into the uncertain\, being brave and follow your dreams. \nDIRECTOR’S BIO \nKarla Nor Holmbäck is an animated film director who graduated from the National Film School of Denmark in 2018. During her studies\, she has been involved in creating content for children\, collaborating on TV series\, video games and in the creation of fantastical universes. In addition to film\, her work also spans children’s book illustration\, and in 2020 she debuted as an author with Denmark’s largest publishing house\, Gyldendal. Karla’s works are characterised by their poetry and invite young readers or viewers to immerse themselves in a magical and playful world. Rosa and the Stone Troll is her first feature film.
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LOCATION:Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema\, Viale Fulvio Testi 121\, Milano\, Italia
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SUMMARY:PGC24 - JIPPIE NO MORE!
DESCRIPTION:No Jippie\, no party \nJippie No More! (Jippie No More!) \nRegia: Margien Rogaar; sceneggiatura: Fiona van Heemstra; interpreti: Wesley van Klink\, Guido Pollemans\, Lotte Jonker\, Aus Greidanus Sr\, Hannah van Lunteren; produzione: Pupkin Film\, VPRO Television; distribuzione: M-Appeal. \nPremiato con i premi Youth Jury Award e Best Dutch Children’s Film – Audience Award al Cinekid Festival 2023. \nPaesi Bassi\, 2023\, 94’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima italiana. \nSINOSSI \nIn un affettuoso film familiare che esplora i primi amori e i legami affettivi\, seguiamo Jaap Peter\, un vivace sedicenne che si prepara con entusiasmo per le nozze della sorella maggiore nella pittoresca casa di campagna del nonno. Mentre l’intera famiglia si mobilita per organizzare la cerimonia perfetta\, Jaap Peter si innamora per la prima volta. Tuttavia\, Lily\, la ragazza dei suoi sogni\, sembra più interessata a sua sorella minore\, Joe. Deluso e scoraggiato\, Jaap Peter perde interesse per i festeggiamenti\, ma\, ben presto\, si renderà conto che la sua presenza e il forte legame con i parenti sono essenziali per il successo della festa\, riscoprendo il valore della comunità e dell’amore. \nNOTE DI REGIA \nVolevo realizzare un film con protagonista una persona con disabilità dello sviluppo. Un film accessibile\, in cui la sindrome di Down non fosse il tema principale\, ma un aspetto secondario. Da tempo realizzo film con bambini e ho notato che i bambini con disabilità spesso hanno un ruolo marginale. Volevo cambiare questa situazione. La realizzazione di un film è un processo di lavoro ad alta pressione. Per rendere tutto accessibile per il nostro attore Wesley van Klink\, abbiamo dovuto esaminare quel processo e adattarlo a lui. […] Jippie è un personaggio principale che inizialmente potrebbe non somigliare a tutti i bambini che vedono il film. Ma dopo 90 minuti\, tutto questo è completamente cambiato. \nBIO REGISTA \nMargien Rogaar è una regista olandese. Dopo essersi laureata presso l’Accademia del Cinema dei Paesi Bassi\, ha diretto diversi cortometraggi e spettacoli per la televisione olandese. Il suo cortometraggio del 2007\, Breath\, è stato selezionato per il programma NISI MASA nella Semaine de la Critique. Ha realizzato il suo primo lungometraggio\, Maybe Sweden\, nel 2006\, seguito da Bon Voyage (2010) e Scrap Wood War (2014)\, tutti incentrati sulla vita dei bambini e delle loro famiglie. Nel 2016 ha diretto Remi\, Nobodys Boy\, nominato per un Emmy Award. Recentemente\, ha creato la serie televisiva Lampje e presentato il suo ultimo film\, Jippie No More! all’apertura del festival Cinekid 2023 di Amsterdam. \nPLOT \nIn an affectionate family film that explores first love and emotional bonds\, we follow Jaap Peter\, a vivacious 16-year-old boy who enthusiastically prepares for his older sister’s wedding in his grandfather’s picturesque country house. As the whole family scrambles to organise the perfect ceremony\, Jaap Peter falls in love for the first time. However\, Lily\, the girl of his dreams\, seems more interested in his younger sister\, Joe. Disappointed and discouraged\, Jaap Peter loses interest in the party. However\, he soon realises that his presence and the strong bond with his relatives are essential to the success of the celebration and rediscovers the value of community and love. \nDIRECTOR’S NOTE \nI wanted to make a film starring a person with a developmental disability. An accessible film\, in which Down syndrome was not the subject\, but a side issue. I have been making films with children for a long time and my experience is that children with a disability often have a supporting role. I wanted to change that. Filmmaking is a high-pressure work process. To make it accessible for our actor Wesley van Klink\, we had to examine that process and tailor it to him. […] Jippie is a main character who may not initially resemble all the children who see the film. But after 90 minutes that has completely changed. \nDIRECTOR’S BIO \nMargien Rogaar is a Dutch filmmaker. After graduating from the Film Academy of the Netherlands\, she directed several short films and shows for Dutch television. Her 2007 short film\, Breath\, was selected for the NISI MASA programme in the Semaine de la Critique. Her first feature film\, Maybe Sweden\, was made in 2006\, followed by Bon Voyage (2010) and Scrap Wood War (2014)\, all focusing on the lives of children and their families. In 2016\, she directed Remi\, Nobodys Boy\, which was nominated for an Emmy Award. Recently\, she created the television series Lampje and presented her latest film\, Jippie No More! at the opening of the 2023 Cinekid festival in Amsterdam.
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LOCATION:Cineteca Milano Arlecchino\, Via San Pietro all'Orto 9\, Milano\, Italia
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SUMMARY:PGC24 - LIFE'S A BITCH
DESCRIPTION:Life’s a Bitch \nChiennes de vies \nRegia: Xavier Seron; sceneggiatura: Xavier Seron; interpreti: Jean-Jacques Rausin\, Mara Taquin\, Aurora Marion\, Ninon Borsei\, Arieh Worthalter; produzione: Hélicotronc\, Artisans du Film; distribuzione: Be for Films. \nPresentato in concorso nella sezione Rebels with a Cause al 27° Tallinn Black Nights Film Festival. Selezionato per Festival Piccolo Grande Cinema dagli Young Programmers dell’iniziativa Young4Film\, finanziata nell’ambito del programma Creative Europe e in collaborazione con il consorzio europeo di festival Young Programmers for Young Audiences. \nBelgio\, 2023\, 88’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima italiana. \nSINOSSI \nPer far colpo su Cecile\, Tom accetta di adottare Mescal\, il chihuahua della sua defunta vicina\, ma si rende presto conto che il piccolo animale potrebbe portargli più guai che benefici. La famosa attrice e modella Greta\, distrutta dalla perdita dell’amato cane Sophie\, e della sua assistente\, entrambe travolte da un autobus\, assume Charlotte per provare a sostituirle. L’addetto alla sicurezza Franck si innamora di Lola\, ma la loro storia è complicata dalla presenza di Perdita\, il suo cane. Tre vite e tre storie che si intrecciano con un mix di umorismo e sensibilità\, invitando a riflettere sui legami che ci uniscono ai nostri amici a quattro zampe e su come questi influenzino le nostre vite. \nMOTIVAZIONE DELLA SELEZIONE\, a cura degli Young Programmers dell’iniziativa Young4Film. \nAbbiamo deciso di selezionare il film Life’s a bitch di Xavier Seron\, per l’uso sapiente di un impianto radicalmente grottesco\, che parla di un tema più che mai reale come l’elaborazione del lutto\, raccontandoci la profonda alienazione della contemporaneità\, attraverso la figura totemica del cane\, e portando avanti un’analisi mai banale di questo argomento\, fotografando gli aspetti più intimi e allo stesso tempo inaspettati dei suoi protagonisti. \nBASTARDI – Breve testo critico su Life’s a Bitch\, a cura degli Young Programmers dell’iniziativa Young4Film. \nLife’s a bitch\, opera seconda del regista belga Xavier Seron\, utilizza un impianto fortemente grottesco come mezzo principale per narrare gli aspetti tossici dell’essere umano\, tramite l’espediente drammaturgico del cane\, animale da compagnia per eccellenza\, che qui impersonifica molte caratteristiche parallele ai comportamenti più alienanti delle persone. Attraverso un rapporto tangibile e spesso morboso tra questi animali domestici e i loro “migliori amici”\, le sfumature più tragicomiche della contemporaneità prendono forma\, grazie a un bianco e nero che volutamente allontana un percorso catartico lineare\, fotografando anzi il caotico dispiegarsi della vita.  \nAttraverso la trasversalità del tema dell’elaborazione del lutto\, comune a tutte e tre le storie di cui si compone questo lungometraggio\, il regista ci vuole mostrare quanto spesso gli individui si sentano persi e nudi davanti a un mondo senza più un rapporto tra causa ed effetto\, tra odio e amore\, tra calma e caos\, tra esistere e morire. \nNOTE DI REGIA \nCi sono persone che adorano i cani e altre che ne hanno paura\, e queste due posizioni rivelano molto su di noi. Da un lato\, ciò che cerchiamo nei cani è simile a quello che desideriamo nei nostri simili: fedeltà\, assenza di giudizio\, un orecchio attento e gioia di vivere. Qualità che i cani ci offrono molto più spesso degli esseri umani. Dall’altro lato\, i cani possono anche incutere timore; possono essere percepiti come portatori di malattie o animali pericolosi. In un certo senso\, il film affronta proprio questi temi: il fondamentale bisogno di essere amati e la nostra solitudine\, che sono due facce della stessa medaglia. \nBIO REGISTA \nXavier Seron è un regista e sceneggiatore belga. Dopo aver studiato legge\, ha frequentato l’Institut des Arts de Diffusion (IAD)\, in Belgio\, dove ha sviluppato un forte interesse per l’umorismo grottesco e l’utilizzo del bianco e nero. Il suo primo cortometraggio Rien d’insoluble (2005) ha ricevuto numerosi riconoscimenti\, aprendo la strada a progetti futuri come Le Crabe (2007) e Mauvaise Lune (2011). Nel 2016 ha debuttato con il lungometraggio Je me tue à le dire\, presentato a diversi festival internazionali. Life’s a Bitch (Chiennes de vies) (2023) è il suo secondo lungometraggio. \n  \nPLOT \nTo impress Cecile\, Tom agrees to adopt Mescal\, his late neighbour’s chihuahua\, but soon realises that the little animal could bring him more trouble than good. Famous actress and model Greta\, devastated by the loss of her beloved dog Sophie\, and her assistant\, both of whom were run over by a bus\, hires Charlotte to try to replace them. Security guard Franck falls in love with Lola\, but their story is complicated by Perdita\, his dog. Three lives and three stories intertwine with a mix of humour and sensitivity\, inviting us to reflect on the bonds that unite us with our four-legged friends and how they influence our lives. \nMOTIVATION OF THE SELECTION\, by the Young Programmers of the Young4Film initiative. \nWe decided to select the film Life’s a Bitch by Xavier Seron for its masterful use of a radically grotesque structure\, which addresses the deeply relevant theme of mourning. The film explores the profound alienation of contemporary life through the totemic figure of the dog\, offering a nuanced and never trivial analysis. It captures the most intimate and\, at the same time\, unexpected aspects of its protagonists\, creating a striking and unforgettable portrayal that deeply resonates with the audience. \nBASTARDS – A short critical text on Life’s a Bitch\, by the Young Programmers of the Young4Film initiative. \nLife’s a Bitch\, the second work by Belgian director Xavier Seron\, employs a strongly grotesque set-up as the primary means of narrating the toxic aspects of human beings. Through the dramaturgical device of the dog\, the quintessential pet\, the film highlights many characteristics parallel to the more alienating behavior of people. The tangible and often morbid relationship between these pets and their ‘best friends’ brings to life the most tragicomic nuances of contemporary life\, using black and white imagery that deliberately avoids a linear cathartic path\, instead capturing the chaotic unfolding of life. \nThe director uses the universal theme of mourning\, common to all three stories in the film\, to show how individuals often feel lost and exposed in a world where the relationship between cause and effect\, between hate and love\, between calm and chaos\, and between existing and dying\, is no longer clear. \nDIRECTOR’S NOTE \nThere are those people who adore dogs\, and those who are scared of them. The two positions tell you something. The first\, is that what we look for in dogs is what we look for in our fellow human beings: faithfulness\, absence of judgment\, an attentive ear\, the joy of living. Qualities which dogs offer\, but humans less so. But dogs can also be scary\, we can see them as vectors for disease\, or as vicious dogs. In a way\, these are some of the themes the film is about: the fundamental need to be loved\, and our loneliness\, which are two sides of the same coin.   \nDIRECTOR’S BIO \nXavier Seron is a Belgian filmmaker and screenwriter. After studying law\, he attended the Institut des Arts de Diffusion (IAD) in Belgium\, where he developed a strong interest in grotesque humour and the use of black and white. His first short film Rien d’insoluble (2005) received numerous awards\, paving the way for future projects such as Le Crabe (2007) and Mauvaise Lune (2011). In 2016\, he debuted with the feature film Je me tue à le dire\, which was presented at several international festivals. Life’s a Bitch (Chiennes de vies) (2023) is his second feature film.
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SUMMARY:PGC24 - CONCORSO CORTOMETRAGGI VIDEO KILLED THE RADIO STAR
DESCRIPTION:Proiezione dei corti selezionati per Concorso Cortometraggi Video Killed the Radio Star di Festival Piccolo Grande Cinema 2024. I registi saranno presenti in sala.
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SUMMARY:PGC24 - THE MAN WITH A THOUSAND FACES
DESCRIPTION:The Man with a Thousand Faces \nL’Homme aux mille visages \nRegia: Sonia Kronlund; sceneggiatura: Sonia Kronlund; produzione: Chaz Productions\, Mandants Films\, SKP Productions\, Bord Cadre Films\, Sovereign Films; distribuzione: Pyramide International.  \nFrancia\, Polonia\, 2024\, 90’. Documentario. Opera seconda. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima italiana. \nSINOSSI \nIn giro per l’Europa\, un uomo di mezza età si presenta come Alexandre\, Ricardo o Daniel\, dichiarandosi chirurgo o ingegnere\, argentino o brasiliano. Vive contemporaneamente con quattro donne\, adattando la sua storia e personalità a ciascuna di loro. La giornalista Sonia Kronlund\, con l’aiuto di un detective privato\, conduce un’indagine per smascherare questo impostore seriale. Il documentario esplora le sue molteplici vite immaginarie\, analizzando non solo le sue azioni\, ma anche il modo e il motivo per cui le ha compiute. Si pone una domanda fondamentale: i truffatori nascono tali o sono plasmati dalle loro menzogne? Attraverso una lucida esplorazione\, il film svela le motivazioni e le conseguenze delle azioni di quest’uomo\, offrendo uno sguardo intrigante e inquietante nella mente di un maestro dell’inganno. \nNOTE DI REGIA \nQuando ho iniziato a scrivere il progetto di questo documentario\, mi sono resa conto di essere ossessionata dalla questione del rapporto tra verità e menzogna\, che è allo stesso tempo una questione filosofica\, morale e politica. Quindi non mi sono imbarcata solo in un’inchiesta giornalistica\, ma ho piuttosto raccontato una storia selezionando aspetti della realtà per creare un film frutto di un approccio personale e impegnato. È però vero che ho provato una vera empatia per le donne raggirate e mi sono sentita vicina ad alcune di loro\, le cui vite riecheggiavano la mia.  \nBIO REGISTA \nSonia Kronlund (1966) è una regista\, autrice e giornalista francese. Dopo aver studiato filosofia alla Sorbonne e lettere moderne presso l’École Normale Supérieure di Fontenay-Saint-Cloud\, ha lavorato come autrice radiofonica e critica cinematografica per la rivista Cahiers du Cinéma. Per l’emittente radiofonica France Culture ha realizzato documentari sull’Afghanistan e l’Iran. Ha esordito come regista con Nothingwood\, documentario su Salim Shaheen\, uno dei registi più prolifici e famosi dell’Afghanistan\, presentato alla Quinzaine des réalisateurs al Festival di Cannes nel 2017. The Man with a Thousand Faces è il suo secondo film. \nPLOT \nTravelling around Europe\, a middle-aged man introduces himself as Alexandre\, Ricardo or Daniel\, claiming to be a surgeon or an engineer\, Argentinian or Brazilian. He lives simultaneously with four women\, adapting his story and personality to each of them. Journalist Sonia Kronlund\, with the help of a private detective\, conducts an investigation to unmask this serial impostor. The documentary explores his many imaginary lives\, analysing not only his actions\, but also how and why he carried them out. It asks a fundamental question: are con men born that way or are they shaped by their lies? Through a lucid exploration\, the film reveals the motivations and consequences of this man’s actions\, offering an intriguing and unsettling glimpse into the mind of a master of deception. \nDIRECTOR’S NOTE \nWhen I started writing the project for this documentary\, I realised that I was obsessed with the question of lies and truth\, which is at once a philosophical\, moral and political issue. So I wasn’t embarking on a journalistic investigation\, I was rather telling a story by sorting out aspects of reality to create a film that is the fruit of a personal and committed approach. It is true that I felt genuine empathy for these women and that I felt close to some of them\, whose lives echoed mine.  \nDIRECTOR’S BIO \nSonia Kronlund (1966) is a French filmmaker\, author and journalist. After studying philosophy at the Sorbonne and modern literature at the École Normale Supérieure in Fontenay-Saint-Cloud\, she worked as a radio author and film critic for the magazine Cahiers du Cinéma. She has made documentaries on Afghanistan and Iran for the radio station France Culture. She made her directorial debut with Nothingwood\, a documentary about Salim Shaheen\, one of Afghanistan’s most prolific and famous directors\, which was presented at the Directors’ Fortnight at the Cannes Film Festival in 2017. The Man with a Thousand Faces is her second film.
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SUMMARY:PGC24 - SETTE GIORNI A MAGGIO
DESCRIPTION:Sette giorni a maggio \nSeven Days in May \nRegia: John Frankenheimer; sceneggiatura: Rod Serling; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di Fletcher Knebel e Charles W. Bailey; interpreti: Burt Lancaster\, Kirk Douglas\, Fredric March\, Ava Gardner; produzione: Seven Arts Productions\, Joel Production Inc.\, John Frankenheimer Productions; distribuzione: Warner Bros. \nVincitore del Premio David di Donatello per il Migliore Attore Straniero nel 1964. \nUSA\, 1964\, 118’. Versione doppiata in italiano.  \nSINOSSI \nNel 1970\, il generale a quattro stelle James Mattoon Scott\, capo di stato maggiore delle forze armate americane\, trama segretamente contro il presidente Jordan Lyman\, il quale ha appena firmato un trattato di riduzione delle armi nucleari con l’Unione Sovietica. Preoccupato per il crescente malcontento tra il pubblico e alcuni senatori\, Scott organizza una base clandestina chiamata ECOMCON per addestrare ufficiali e soldati a un colpo di Stato. Ignaro del complotto\, il colonnello Martin “Jiggs” Casey\, fedele alla Costituzione\, scopre indizi che lo portano a sospettare delle reali intenzioni di Scott. Determinato a prevenire una crisi\, Casey decide di avvisare il presidente\, avviando un’indagine rischiosa per sventare il piano e proteggere la democrazia americana. \nBIO REGISTA \nJohn Michael Frankenheimer (1930-2002) è un regista americano noto per drammi sociali e film d’azione e di suspense. Inizia la sua carriera lavorando a produzioni televisive e debutta nel cinema nel 1957\, con la regia di Colpevole innocente. Tra i suoi film più noti ci sono L’uomo di Alcatraz (1962)\, candidato a quattro Premi Oscar®\, Va’ e uccidi (1962)\, Sette giorni a maggio (1964). Frankenheimer ha diretto circa 40 film per il cinema e 50 per la televisione\, ottenendo numerosi premi\, tra cui diversi Emmy per il suo lavoro in TV e nomination a Golden Globe e Palme d’Or per il cinema. \nPLOT \nIn 1970\, four-star General James Mattoon Scott\, chief of staff of the US armed forces\, secretly plots against President Jordan Lyman\, who has just signed a nuclear arms reduction treaty with the Soviet Union. Concerned about growing discontent among the public and some senators\, Scott organises a clandestine base called ECOMCON to train officers and soldiers for a coup. Unaware of the plot\, Colonel Martin ‘Jiggs’ Casey\, loyal to the Constitution\, uncovers clues that lead him to suspect Scott’s real intentions. Determined to prevent a crisis\, Casey decides to warn the president\, launching a risky investigation to foil the plan and protect American democracy. \nDIRECTOR’S BIO \nJohn Michael Frankenheimer (1930-2002) is an American filmmaker known for social dramas\, action and suspense films. He began his career working on television productions and made his film debut in 1957\, directing The Young Stranger. Among his best known films are Birdman of Alcatraz ( 1962)\, nominated for four Academy Awards®\, The Manchurian Candidate (1962)\, Seven Days in May (1964). Frankenheimer has directed about 40 films for film and 50 for television\, winning numerous awards\, including several Emmys for his work in TV and nominations for Golden Globe and Palme d’Or awards for his films.
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SUMMARY:PGC24 - IL TERZO UOMO
DESCRIPTION:Il terzo uomo  \nThe Third Man \nRegia: Carol Reed; sceneggiatura: Graham Greene; interpreti: Orson Welles\, Joseph Cotten\, Alida Valli\, Trevor Howard\, Bernard Lee; produzione: London Films Production\, British Lion Film Corporation; distribuzione italiana: StudioCanal. \nVincitore del Grand Prix per il Miglior Film alla 3° edizione del Festival di Cannes e del Premio Oscar® per la Miglior Fotografia nel 1951. \nRegno Unito\, 1949\, 104’. Versione originale con sottotitoli in italiano.  \nSINOSSI \nPoco dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale\, lo scrittore americano Rollo Martins si reca a Vienna per incontrare un misterioso amico d’infanzia\, Harry Lime. Giunto in città\, apprende con sorpresa che Harry è morto il giorno prima in un incidente. Non convinto della versione ufficiale dei fatti\, Martins sospetta che Lime sia stato assassinato. Determinato a conoscere la verità\, scopre così che alla morte di Lime hanno assistito tre uomini\, ma uno di questi sembra essere scomparso nel nulla. Con l’aiuto di Anna\, l’affascinante amante di Lime\, Martins inizia a indagare sul “terzo uomo”\, un’ombra oscura che potrebbe risolvere l’enigma intorno alla morte dell’amico. Le loro ricerche li porteranno a svelare un pericoloso intrigo. \nBIO REGISTA \nCarol Reed (1906-1976) è stato un regista e produttore britannico. Nato a Londra\, figlio illegittimo di un impresario teatrale\, inizia la sua carriera proprio nel teatro prima di passare al cinema negli anni ’30. Il suo capolavoro\, Il terzo uomo (1949)\, è considerato un classico del cinema noir e ha vinto l’Oscar® per la Miglior Fotografia nel 1951. Pluripremiato a livello internazionale\, nel 1969\, Reed ha ricevuto il Premio Oscar® per Oliver! (1968). La sua opera è caratterizzata da una profonda introspezione psicologica e da innovazioni stilistiche che hanno lasciato un segno indelebile nella storia del cinema. \nPLOT \nShortly after the end of World War II\, American writer Rollo Martins travels to Vienna to meet a mysterious childhood friend\, Harry Lime. Arriving in the city\, he learns to his surprise that Harry died the day before in an accident. Unconvinced by the official version of events\, Martins suspects that Lime was murdered. Determined to learn the truth\, he discovers that three men witnessed Lime’s death\, but one of them seems to have disappeared into thin air. With the help of Anna\, Lime’s charming lover\, Martins begins to investigate the ‘third man’\, a dark shadow who could solve the riddle surrounding his friend’s death. Their search will lead them to unravel a dangerous intrigue. \nDIRECTOR’S BIO \nCarol Reed (1906-1976) was a British director and producer. Born in London\, the illegitimate son of a theatrical impresario\, he began his career in the theatre before turning to film in the 1930s. His masterpiece\, The Third Man (1949)\, is considered a classic film noir and won the Academy Award® for Best Picture in 1951. An international award-winner\, in 1969\, Reed received the Academy Award® for Oliver! (1968). His work is characterised by deep psychological introspection and stylistic innovations that have left an indelible mark on film history.
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SUMMARY:PGC24 - CHIAMATA PER IL MORTO
DESCRIPTION:Chiamata per il morto \nThe Deadly Affair \nRegia: Sidney Lumet; sceneggiatura: Paul Dehn; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di John le Carré; interpreti: James Mason; Maximilian Schell; Harriet Andersson; produzione: Sidney Lumet Film Productions; distribuzione: Park Circus. \nCandidato a cinque Premi BAFTA nel 1968. \nRegno Unito\, 1967\, 107 ’. Versione doppiata in italiano.  \nSINOSSI  \nLondra\, anni ’60. L’agente MI5 Charles Dobbs viene incaricato di indagare sulla morte di Samuel Fennan\, un agente del controspionaggio britannico trovato morto in circostanze sospette. Sebbene il caso venga rapidamente archiviato come suicidio\, Dobbs sospetta un complotto e decide di proseguire le indagini autonomamente. Determinato a scoprire la verità\, Dobbs svela una rete di intrighi e tradimenti che lo porta a confrontarsi con pericolosi avversari\, a mettere a rischio la propria sicurezza e ad affrontare i demoni della sua vita personale. In un crescendo di tensione\, Dobbs si trova immerso in un labirinto di rivelazioni inquietanti\, segreti e pericoli\, e lotterà tenacemente per ottenere giustizia e smascherare i responsabili del delitto. \nBIO REGISTA \nSidney Lumet nasce a Filadelfia\, USA\, il 25 giugno 1924. Figlio di un attore e di una ballerina\, debutta sul palcoscenico a soli quattro anni. Dopo una carriera iniziale nel teatro e in televisione\, fa il suo esordio nel cinema con La parola ai giurati (1957)\, che gli vale riconoscimenti internazionali e una nomination agli Oscar®. Durante gli anni ’60 e ’70 collabora con le più grandi star hollywoodiane e dirige film iconici come Serpico (1973)\, Quel pomeriggio di un giorno da cani (1975) e Quinto potere (1976). Lumet ha diretto oltre 50 film\, ricevendo il Premio Oscar® alla carriera nel 2005. Muore nel 2011 a New York. \nPLOT \nLondon\, 1960s. MI5 agent Charles Dobbs is assigned to investigate the death of Samuel Fennan\, a British counter-intelligence agent found dead under suspicious circumstances. Although the case is quickly dismissed as suicide\, Dobbs suspects a conspiracy and decides to pursue the investigation himself. Determined to uncover the truth\, Dobbs unravels a web of intrigue and betrayal that leads him to confront dangerous adversaries\, risk his own safety and confront the demons of his personal life. In a crescendo of tension\, Dobbs finds himself immersed in a labyrinth of disturbing revelations\, secrets and dangers\, and will fight tenaciously to obtain justice and unmask those responsible for the crime. \nDIRECTOR’S BIO \nSidney Lumet was born in Philadelphia\, USA\, on 25 June 1924. The son of an actor and a dancer\, he made his stage debut when he was only four years old. After an early career in theatre and television\, he made his film debut with 12 Angry Men (1957)\, which earned him international recognition and an Oscar® nomination. During the 1960s and 1970s he collaborated with Hollywood’s biggest stars and directed iconic films such as Serpico (1973)\, Dog Day Afternoon (1975) and Network (1976). Lumet directed over 50 films\, receiving the Academy Award® for Lifetime Achievement in 2005. He died in 2011 in New York.
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SUMMARY:PGC24 - RETRO THERAPY
DESCRIPTION:Retroterapia \nColocs de choc (Retro Therapy) \nRegia: Elodie Lélu; sceneggiatura: Elodie Lélu\, Jean-Claude Van Rijckeghem; interpreti: Fantine Harduin\, Hélène Vincent\, Olivier Gourmet\, Rémi Girard\, Emilie Dequenne; produzione: Iota Production\, A Private View\, Camera Oscura; distribuzione: Be for Films. \nBelgio\, Francia\, Canada\, 2023\, 96’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese. \nSINOSSI \nManon\, una sedicenne timida e introversa\, si ritrova a vivere con la nonna Yvonne\, ex attivista femminista affetta da Alzheimer. La convivenza si fa difficile quando Yvonne\, confusa\, inizia a scambiare Manon per sua figlia\, una figura materna che Manon conosce a malapena. Inaspettatamente\, Manon decide di assecondare la nonna. Questa scelta la porterà a esplorare la storia delle donne della sua famiglia\, rivelando i segreti\, le gioie e le sfide che hanno segnato le loro vite. Attraverso questo viaggio emotivo\, Manon affronterà la sua crescita personale\, imparando a conoscere le proprie radici e a definire la sua identità\, affrontando le incertezze dell’adolescenza con nuova consapevolezza e forza interiore. \nNOTE DI REGIA \nAnche se l’Alzheimer è l’evento scatenante della mia storia\, non è il tema principale. Infatti\, mi sono concentrata sulla crescita di un’adolescente di oggi e sul suo destino. Questo personaggio\, Manon\, attraverso le sue interazioni con la nonna\, imparerà a scoprire la propria identità di donna. Ho voluto intenzionalmente contrapporre il punto di vista di un’adolescente nel pieno della costruzione della propria identità con la degenerazione della nonna\, di cui sarà testimone. Manon porta speranza e freschezza a questa storia di formazione. Ho immaginato un film che fosse allo stesso tempo leggero e profondo\, in cui il pubblico\, attraverso il personaggio di Manon\, possa avere il piacere di immergersi di nuovo negli anni ’90. \nBIO REGISTA \nElodie Lélu\, nata in Bretagna nel 1982\, ha studiato Storia dell’Arte a Parigi prima di trasferirsi in Belgio per frequentare l’Insas. Inizia la sua carriera con film documentari e poi passa alla fiction\, cercando di mescolare dramma e commedia. Il suo primo cortometraggio\, Leçons de conduite (2012) tratta la questione dell’aborto in modo leggero e originale\, e ha numerosi premi internazionali. Successivamente\, realizza Lettre à Théo (2018)\, un docu-fiction sul regista greco Théo Angelopoulos\, selezionato in vari festival tra cui Leipzig\, Rotterdam e Hot Docs di Toronto. Colocs de choc (2023) è il suo primo lungometraggio. \nPLOT \nManon\, a shy and introverted 16-year-old girl\, finds herself living with her grandmother Yvonne\, a former feminist activist suffering from Alzheimer’s disease. Living together becomes difficult when Yvonne\, confused\, begins to mistake Manon for her daughter\, a mother figure Manon barely knows. Unexpectedly\, Manon decides to indulge her grandmother. This choice will lead her to explore the history of the women in her family\, revealing the secrets\, joys and challenges that marked their lives. Through this emotional journey\, Manon will embark on her own path of personal growth\, learning about her roots and finding her own identity\, facing the uncertainties of adolescence with new awareness and inner strength. \nDIRECTOR’S NOTE \nAlthough Alzheimer’s is my story’s inciting incident\, it isn’T the main theme. Indeed\, I concentrated on the coming of age of an adolescent today and her destiny. This character\, Manon\, through her interactions with her grandmother\, will learn how to discover her own identity as a woman\, I intentionally wanted to contrast the point of view of a teenager in the middle of her identity construction with the degeneration of her grandmother to which she will be a witness. Manon brings hope and a refreshing element to this coming-of-age story. I imagined a movie that is both lighthearted and profound\, one in which the audience\, through Manon’s chareater\, has the pleasure of being once again immersed in the 1990s. \nDIRECTOR’S BIO \nElodie Lélu\, born in Brittany in 1982\, studied History of Art in Paris before moving to Belgium to attend Insas. She began her career with documentary films and then switched to fiction\, trying to mix drama and comedy. His first short film\, Leçons de conduite (2012) dealt with the issue of abortion in a light and original way\, and won several international awards. Next\, he made Lettre à Théo (2018)\, a docu-fiction about Greek director Théo Angelopoulos\, which was selected in various festivals including Leipzig\, Rotterdam and Toronto’s Hot Docs. Colocs de choc (2023) is his first feature film.
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SUMMARY:PGC24 - BANANA BOAT
DESCRIPTION:Banana Boat \nBanāns upē (Banana Boat) \nRegia: Kristaps Brize; sceneggiatura: Kristaps Brize; interpreti: Toms Aunins\, Kaspars Dumburs\, Nestors Cerjovs Krumins\, Ilva Centere; produzione: FA Filma; distribuzione: Alief. \nLettonia\, 2024\, 85’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima italiana. \nSINOSSI \nRalf\, un trentacinquenne in crisi\, cerca di salvare la sua relazione portando il figlio della sua ragazza a fare una gita in barca\, con l’intento di affermarsi come figura paterna. Per rendere il viaggio più interessante\, invita anche il suo amico Linards\, un collega di lavoro noto per il suo carattere imprevedibile e le sue avventure amorose. Tuttavia\, ben presto si rende conto che Linards non rappresenta un buon esempio per il ragazzo. Mentre cercano di navigare le acque difficili del fiume\, Ralf cerca di proteggere il giovane dalle stravaganti idee dell’amico. Quando la barca si capovolge\, i tre dovranno affrontare le dure realtà della natura e mettere da parte il loro orgoglio. \nNOTE DI REGIA \nCome regista\, credo in film pensati per un pubblico ampio. Volevo affrontare temi seri in modo leggero e\, allo stesso tempo\, non avere paura di mostrare quanto possano essere vulnerabili e fragili gli uomini quando non sanno come comunicare con gli adolescenti o quando si trovano in situazioni fuori dal loro controllo. Dietro la superficie di questo racconto di formazione si nasconde una storia molto personale. La relazione del protagonista con il ragazzo riflette la mia esperienza nel costruire legami con i figli di mia moglie nel corso degli anni.  \nBIO REGISTA \nKristaps Brīze holds a master’s degree in film directing from the Latvian Academy of Culture (2009–2012) and a bachelor’s degree in audiovisual media from the Baltic Film and Media School in Tallinn (2003–2007). He attended Boris Frumin’s filmmaking course\, which had a profound influence on his directing style. His early films include the short film Neighbors (2003)\,  Finance man (2004)\, which won the “Lielais Kristaps” award (Latvian National Cinema Award) for Best Short Film\, the short documentary Laws of Nature (2002) and several music videos. In 2024\, he made his feature film debut with Banana Boat. \nPLOT \nRalf\, a thirty-five-year-old going through a rough patch\, tries to save his relationship by taking his girlfriend’s son on a boating trip\, hoping to step into a fatherly role. To liven things up\, he invites his friend Linards\, a workmate known for his unpredictable nature and romantic escapades. But it doesn’t take long for Ralf to realize that Linards might not be the best influence on the boy. As they navigate the river’s challenging waters\, Ralf does his best to shield the boy from his friend’s wild ideas. When their boat capsizes\, the three must face nature’s harsh realities and put their pride aside. \nDIRECTOR’S NOTE \nAs a director\, I believe in films for a wider audience. I wanted to talk about serious topics in a light way and at the same time to not be afraid to expose how vulnerable and fragile men can be when they don’t really know how to talk with teens and in situations they cannot control. Behind this shell of a coming-of-age narrative lays a very personal story. The protagonist’s relationship with the boy encapsulates my own relationship-building experience with my wife’s kids through many years. \nDIRECTOR’S BIO \nKristaps Brīze holds a master’s degree in film directing from the Latvian Academy of Culture (2009–2012) and a bachelor’s degree in audiovisual media from the Baltic Film and Media School in Tallinn (2003–2007). He studied under Boris Frumin\, whose filmmaking course had a strong impact on his directing style. His early works include the short film Neighbors (2003)\, Finance Man (2004)—which won the “Lielais Kristaps” award (the Latvian National Cinema Award) for Best Short Film—the short documentary Laws of Nature (2002)\, and several music videos. In 2024\, he made his feature film debut with Banana Boat.
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