Cinema on the docks

PGC24 - CLOUD
2024-11-16 21:00 - 23:30 (Europe/Rome) | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Cloud
Regia: Kurosawa Kiyoshi; sceneggiatura: Kiyoshi Kurosawa; interpreti: Masaki Suda, Kotone Furukawa, Daiken Okudaira, Amane Okayama, Yoshiyoshi Arakawa; produzione: Nikkatsu Corporation, Tokyo Theatres, Django-Film Corporation; distribuzione italiana: Minerva Pictures.
Presentato Fuori Concorso alla 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Giappone, 2024, 124’. Versione originale con sottotitoli in italiano.
SINOSSI
Ryōsuke Yoshii lavora in una piccola fabbrica e guadagna denaro extra rivendendo online vari articoli sotto lo pseudonimo di “Ratel”. Specializzato in dispositivi medici, borse e figurine, Yoshii si dedica alla compravendita puramente per profitto. Dopo aver rifiutato una promozione, si licenzia e si trasferisce in una casa sul lago con la sua ragazza, Akiko, iniziando una nuova vita, ma continuando ad espandere le sue attività di rivendita con l’aiuto di Sano, un giovane del posto. Tuttavia, presto iniziano a verificarsi incidenti inquietanti intorno a lui. L’odio e la frustrazione delle persone che lo circondano crescono, trasformandosi in una minaccia tangibile. Yoshii si trova così a dover affrontare le conseguenze letali delle sue azioni.
NOTE DI REGIA
Negli angoli oscuri del Giappone moderno, a volte si verificano incidenti violenti apparentemente senza motivo. Quando si indaga sulle cause, si scopre che esiste una sorta di sistema in cui piccoli rancori e frustrazioni vengono accumulati e gonfiati a dismisura da Internet. Mi sono chiesto se un fenomeno del genere potesse servire come soggetto per un film d’azione e ho iniziato a sviluppare questo progetto. […] [Nel film,] la ricerca del profitto e la vendetta si sovrappongono e si amplificano, finendo per mettere in moto atti violenti e, prima che i personaggi se ne possano rendere conto, non si può più tornare indietro. In un certo senso, questo potrebbe anche essere il modo in cui nascono le guerre moderne.
BIO REGISTA
Kiyoshi Kurosawa, nato a Kobe nel 1955, è un regista, sceneggiatore e scrittore giapponese. Dopo aver studiato con il critico cinematografico Hasumi Shigehiko, inizia la sua carriera con cortometraggi in 8mm e pinku eiga, un genere di film erotici giapponesi. Il suo primo lungometraggio, Kandagawa Wars (1983), segna l’inizio di una carriera prolifica. Nel 1997, con il thriller Cure, Kurosawa si afferma come maestro del genere J-Horror. Tra i suoi lavori ci sono Kairo (2001), Bright Future (2003), Tokyo Sonata (2008) e Seventh Code (2013). Nel 2020, ha vinto il Leone d’argento alla 77° Mostra del Cinema di Venezia con Wife of a Spy.
PLOT
Ryōsuke Yoshii works in a small factory and earns extra money by reselling various items online under the pseudonym ‘Ratel’. Specialising in medical devices, bags and figurines, Yoshii deals purely for profit. After refusing a promotion, he quits his job and moves to a lake house with his girlfriend, Akiko, starting a new life, but continuing to expand his reselling activities with the help of Sano, a local young man. However, disturbing incidents soon begin to occur around him. The hatred and frustration of the people who surround him grow, turning into a tangible threat, and Yoshii finds himself facing the deadly consequences of his actions.
DIRECTOR’S NOTE
In the obscure corners of modern-day Japan, violent incidents sometimes occur for seemingly no reason whatsoever. When the causes are investigated, it becomes apparent that a system of sorts exists through which petty grudges and frustrations are accumulated and blown out of proportion by the Internet. I wondered if such a phenomenon would serve as subject matter for an action film, and began developing this project. […] [In the film,] Profiteering and revenge overlap and amplify, eventually setting violent acts into motion, and before you know it, there’s no turning back. In a sense, this might also be how modern-day wars come into being.
DIRECTOR’S BIO
Kiyoshi Kurosawa, born in Kobe in 1955, is a Japanese film director, screenwriter and writer. After studying with film critic Hasumi Shigehiko, he began his career with 8mm short films and pinku eiga, a genre of Japanese erotic films. His first feature film, Kandagawa Pervert Wars (1983), marked the beginning of a prolific career. In 1997, with the thriller Cure, Kurosawa established himself as a master of the J-Horror genre. His works include Pulse (2001), Bright Future (2003), Tokyo Sonata (2008) and Seventh Code (2013). In 2020, he won the Silver Lion at the 77th Venice Film Festival with Wife of a Spy.

PGC24 - ANOTHER COUNTRY - LA SCELTA
2024-11-16 20:00 - 21:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Another Country – La Scelta
Another Country
Regia: Marek Kanievska; sceneggiatura: Julian Mitchell; soggetto: tratto dall’omonima opera teatrale di Julian Mitchell; interpreti: Rupert Everett, Colin Firth, Cary Elwes, Robert Addie; produzione: Goldcrest Films International, National Film Finance Corporation; distribuzione: Goldcrest Films.
Presentato in concorso alla 37° edizione del Festival di Cannes.
Regno Unito, 1984, 90’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Guy Bennett, ex spia del KGB, vive a Mosca e rievoca la sua giovinezza in un’intervista con una giornalista americana. La narrazione si sposta negli anni ’30 in Inghilterra, in un rigido college frequentato dai figli dell’aristocrazia. Qui, tra opportunismo e ipocrisia, Guy si distingue per la sua franchezza, non temendo di criticare le convenzioni sociali. Innamorato di un compagno, si trova costretto a fuggire quando la loro relazione viene scoperta. Abbandonato dalla famiglia e rifiutato dal suo paese, Guy decide di unirsi al KGB, scegliendo una vita di opposizione a un sistema che lo ha escluso. La sua storia è un viaggio di autoaccettazione e ribellione contro le norme che lo hanno sempre perseguitato.
BIO REGISTA
Marek Kanievska è nato nel 1952 a Londra, da genitori polacchi. Regista televisivo e cinematografico, ha esordito nella settima arte con Another Country – La scelta (1984), un adattamento dell’omonimo dramma di Julian Mitchell, che ha ricevuto riconoscimenti ai Festival di Cannes e Firenze. Per il cinema ha poi diretto Al di là di tutti i limiti (1987), ispirato dal romanzo Meno di zero di Bret Easton Ellis. Dagli anni ’70, Kanievska ha avviato la sua carriera televisiva in Australia, producendo, tra gli altri, diversi episodi della serie Matlock Police. Ha inoltre lavorato a diverse produzioni britanniche, tra cui la celebre Muck and Brass (1982).
PLOT
Guy Bennett, a former KGB spy, lives in Moscow and recalls his youth in an interview with an American journalist. The narrative shifts to 1930s England, to a strict college attended by the sons of the aristocracy. Here, amidst opportunism and hypocrisy, Guy stands out for his frankness, not afraid to criticise social conventions. In love with a companion, he finds himself forced to flee when their relationship is discovered. Abandoned by his family and rejected by his country, Guy decides to join the KGB, choosing a life of opposition to a system that has excluded him. His story is a journey of self-acceptance and rebellion against the norms that have always persecuted him.
DIRECTOR’S BIO
Marek Kanievska was born in 1952 in London to Polish parents. A television and film director, he made his debut in the seventh art with Another Country (1984), an adaptation of Julian Mitchell’s play of the same name, which received awards at the Cannes and Florence Film Festivals. He then directed Less Than Zero (1987), inspired by Bret Easton Ellis’ homonymous novel. From the 1970s, Kanievska launched his television career in Australia, producing, among others, several episodes of the series Matlock Police. He has also worked on several British productions, including the popular series Muck and Brass (1982).

PGC24 - SILENT TRILOGY
2024-11-16 19:15 - 20:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Silent Trilogy
Mykkätrilogia
Regia: Juho Kuosmanen; sceneggiatura: Juho Kuosmanen; interpreti: Seppo Mattila, Jaana Paananen, Juha Hurme, Aku-Petteri Pahkamäkiproduzione: AAMU Film Company, Otso Film; distribuzione: Totem Films.
Trilogia composta dai titoli Romu-Mattila and a Beautiful Woman (Romu-Mattila ja kaunis nainen, 2012), The Moonshiners (Salaviinanpolttajat, 2017), A Planet Far Away (Kaukainen planeetta, 2023).
Presentato in selezione ufficiale alla 38° edizione del festival Il Cinema Ritrovato.
Finlandia, 2024, 59’. Senza dialoghi con didascalie sottotitolate in italiano.
SINOSSI
Tre cortometraggi senza dialoghi esplorano temi di emarginazione sociale con umorismo (tipicamente finlandese) e affetto. Il primo film, Romu-Mattila ja kaunis nainen (2012), segue Romu-Mattila, un uomo che, dopo aver perso il suo appartamento, decide di vendere i suoi beni e trasferirsi in Svezia. Il secondo film, Salaviinanpolttajat (2017), celebra il centenario dell’indipendenza della Finlandia e racconta la storia di due distillatori clandestini ingannati da un imbroglione. Il terzo film, Kaukainen planeetta (2023), vede la guardiana del faro Marlanda partire per lo spazio alla ricerca del fratello. Un omaggio al cinema delle origini, la trilogia mette in luce l’umanità, l’inventiva e la vita quotidiana di persone spesso trascurate dalla società.
NOTE DI REGIA
L’origine di Mykkätrilogia risale all’inizio del secondo decennio degli anni Duemila, quando ho conosciuto [il rumorista] Heikki Kossi, che si era trasferito a Kokkola. Volevo realizzare una performance cinematografica in cui tutti i suoni fossero creati dal vivo mentre il film veniva proiettato sullo schermo e luce e ombra interagivano tra loro. Sono appassionato di rumori dal vivo, per me la loro creazione ha qualcosa di magico. Mi affascina vedere come oggetti diversi producano suoni meccanici che, insieme alle immagini, creano significati completamente nuovi. Penso che questo tipo di performance cinematografica si avvicini alla magia e alla giocosità che caratterizzavano le proiezioni dei film agli albori del cinema.
BIO REGISTA
Juho Kuosmanen, nato a Kokkola il 30 settembre 1979, è un regista e sceneggiatore finlandese. Durante gli studi alla ELO Helsinki Film School di Aalto, inizia a farsi notare con il mediometraggio Taulukauppiaat (2010), che ha vinto il primo premio della sezione Cinéfondation al Festival di Cannes. La sua opera più nota, La vera storia di Olli Mäki (2016), ha ottenuto il primo premio della sezione Un Certain Regard a Cannes e ha rappresentato la Finlandia agli Oscar del 2017. Nel 2021, il suo film Scompartimento n. 6 vince, sempre a Cannes, il Grand Prix Speciale della Giuria.
PLOT
Three silent short films explore themes of social exclusion with (typically Finnish) humour and affection. The first film, Romu-Mattila ja kaunis nainen (2012), follows Romu-Mattila, a man who, after losing his flat, decides to sell his possessions and move to Sweden. The second film, Salaviinanpolttajat (2017), celebrates the centenary of Finland’s independence and tells the story of two underground distillers deceived by a swindler. The third film, Kaukainen planeetta (2023), sees the lighthouse keeper Marlanda set off into space in search of her brother. An homage to early cinema, the trilogy highlights the humanity, inventiveness and everyday life of people often overlooked by society.
DIRECTOR’S NOTE
The origin of Mykkätrilogia dates back to the beginning of the second decade of the 2000s, when I met [foley artist] Heikki Kossi, who had moved to Kokkola. I wanted to make a film performance where all sounds were created live while the film was projected on the screen and light and shadow interacted with each other. I am passionate about live noises, for me their creation has something magical about it. It fascinates me to see how different objects produce mechanical sounds that, together with the images, create completely new meanings. I think this kind of film performance is close to the magic and playfulness that characterised film screenings in the early days of cinema.
DIRECTOR’S BIO
Juho Kuosmanen, born 30 September 1979 in Kokkola, is a Finnish film director and screenwriter. While studying at the ELO Helsinki Film School in Aalto, he began to make a name for himself with the medium-length film Taulukauppiaat (2010), which won first prize in the Cinéfondation section at the Cannes Film Festival. His best-known work, The Happiest Day in the Life of Olli Mäki (2016), won first prize in the Un Certain Regard section at Cannes and represented Finland at the 2017 Oscars. In 2021, his film Compartment No. 6 won the Special Jury Grand Prix at Cannes.

PGC24 - MASTERCLASS DI RAPHAEL GUALAZZI
2024-11-16 18:30 - 19:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Masterclass di Raphael Gualazzi.

PGC24 - SETTE GIORNI A MAGGIO
2024-11-16 17:00 - 19:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Sette giorni a maggio
Seven Days in May
Regia: John Frankenheimer; sceneggiatura: Rod Serling; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di Fletcher Knebel e Charles W. Bailey; interpreti: Burt Lancaster, Kirk Douglas, Fredric March, Ava Gardner; produzione: Seven Arts Productions, Joel Production Inc., John Frankenheimer Productions; distribuzione: Warner Bros.
Vincitore del Premio David di Donatello per il Migliore Attore Straniero nel 1964.
USA, 1964, 118’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Nel 1970, il generale a quattro stelle James Mattoon Scott, capo di stato maggiore delle forze armate americane, trama segretamente contro il presidente Jordan Lyman, il quale ha appena firmato un trattato di riduzione delle armi nucleari con l’Unione Sovietica. Preoccupato per il crescente malcontento tra il pubblico e alcuni senatori, Scott organizza una base clandestina chiamata ECOMCON per addestrare ufficiali e soldati a un colpo di Stato. Ignaro del complotto, il colonnello Martin “Jiggs” Casey, fedele alla Costituzione, scopre indizi che lo portano a sospettare delle reali intenzioni di Scott. Determinato a prevenire una crisi, Casey decide di avvisare il presidente, avviando un’indagine rischiosa per sventare il piano e proteggere la democrazia americana.
BIO REGISTA
John Michael Frankenheimer (1930-2002) è un regista americano noto per drammi sociali e film d’azione e di suspense. Inizia la sua carriera lavorando a produzioni televisive e debutta nel cinema nel 1957, con la regia di Colpevole innocente. Tra i suoi film più noti ci sono L’uomo di Alcatraz (1962), candidato a quattro Premi Oscar®, Va’ e uccidi (1962), Sette giorni a maggio (1964). Frankenheimer ha diretto circa 40 film per il cinema e 50 per la televisione, ottenendo numerosi premi, tra cui diversi Emmy per il suo lavoro in TV e nomination a Golden Globe e Palme d’Or per il cinema.
PLOT
In 1970, four-star General James Mattoon Scott, chief of staff of the US armed forces, secretly plots against President Jordan Lyman, who has just signed a nuclear arms reduction treaty with the Soviet Union. Concerned about growing discontent among the public and some senators, Scott organises a clandestine base called ECOMCON to train officers and soldiers for a coup. Unaware of the plot, Colonel Martin ‘Jiggs’ Casey, loyal to the Constitution, uncovers clues that lead him to suspect Scott’s real intentions. Determined to prevent a crisis, Casey decides to warn the president, launching a risky investigation to foil the plan and protect American democracy.
DIRECTOR’S BIO
John Michael Frankenheimer (1930-2002) is an American filmmaker known for social dramas, action and suspense films. He began his career working on television productions and made his film debut in 1957, directing The Young Stranger. Among his best known films are Birdman of Alcatraz ( 1962), nominated for four Academy Awards®, The Manchurian Candidate (1962), Seven Days in May (1964). Frankenheimer has directed about 40 films for film and 50 for television, winning numerous awards, including several Emmys for his work in TV and nominations for Golden Globe and Palme d’Or awards for his films.

PGC24 - JIPPIE NO MORE!
2024-11-16 16:30 - 18:15 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
No Jippie, no party
Jippie No More! (Jippie No More!)
Regia: Margien Rogaar; sceneggiatura: Fiona van Heemstra; interpreti: Wesley van Klink, Guido Pollemans, Lotte Jonker, Aus Greidanus Sr, Hannah van Lunteren; produzione: Pupkin Film, VPRO Television; distribuzione: M-Appeal.
Premiato con i premi Youth Jury Award e Best Dutch Children’s Film – Audience Award al Cinekid Festival 2023.
Paesi Bassi, 2023, 94’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima italiana.
SINOSSI
In un affettuoso film familiare che esplora i primi amori e i legami affettivi, seguiamo Jaap Peter, un vivace sedicenne che si prepara con entusiasmo per le nozze della sorella maggiore nella pittoresca casa di campagna del nonno. Mentre l’intera famiglia si mobilita per organizzare la cerimonia perfetta, Jaap Peter si innamora per la prima volta. Tuttavia, Lily, la ragazza dei suoi sogni, sembra più interessata a sua sorella minore, Joe. Deluso e scoraggiato, Jaap Peter perde interesse per i festeggiamenti, ma, ben presto, si renderà conto che la sua presenza e il forte legame con i parenti sono essenziali per il successo della festa, riscoprendo il valore della comunità e dell’amore.
NOTE DI REGIA
Volevo realizzare un film con protagonista una persona con disabilità dello sviluppo. Un film accessibile, in cui la sindrome di Down non fosse il tema principale, ma un aspetto secondario. Da tempo realizzo film con bambini e ho notato che i bambini con disabilità spesso hanno un ruolo marginale. Volevo cambiare questa situazione. La realizzazione di un film è un processo di lavoro ad alta pressione. Per rendere tutto accessibile per il nostro attore Wesley van Klink, abbiamo dovuto esaminare quel processo e adattarlo a lui. […] Jippie è un personaggio principale che inizialmente potrebbe non somigliare a tutti i bambini che vedono il film. Ma dopo 90 minuti, tutto questo è completamente cambiato.
BIO REGISTA
Margien Rogaar è una regista olandese. Dopo essersi laureata presso l’Accademia del Cinema dei Paesi Bassi, ha diretto diversi cortometraggi e spettacoli per la televisione olandese. Il suo cortometraggio del 2007, Breath, è stato selezionato per il programma NISI MASA nella Semaine de la Critique. Ha realizzato il suo primo lungometraggio, Maybe Sweden, nel 2006, seguito da Bon Voyage (2010) e Scrap Wood War (2014), tutti incentrati sulla vita dei bambini e delle loro famiglie. Nel 2016 ha diretto Remi, Nobodys Boy, nominato per un Emmy Award. Recentemente, ha creato la serie televisiva Lampje e presentato il suo ultimo film, Jippie No More! all’apertura del festival Cinekid 2023 di Amsterdam.
PLOT
In an affectionate family film that explores first love and emotional bonds, we follow Jaap Peter, a vivacious 16-year-old boy who enthusiastically prepares for his older sister’s wedding in his grandfather’s picturesque country house. As the whole family scrambles to organise the perfect ceremony, Jaap Peter falls in love for the first time. However, Lily, the girl of his dreams, seems more interested in his younger sister, Joe. Disappointed and discouraged, Jaap Peter loses interest in the party. However, he soon realises that his presence and the strong bond with his relatives are essential to the success of the celebration and rediscovers the value of community and love.
DIRECTOR’S NOTE
I wanted to make a film starring a person with a developmental disability. An accessible film, in which Down syndrome was not the subject, but a side issue. I have been making films with children for a long time and my experience is that children with a disability often have a supporting role. I wanted to change that. Filmmaking is a high-pressure work process. To make it accessible for our actor Wesley van Klink, we had to examine that process and tailor it to him. […] Jippie is a main character who may not initially resemble all the children who see the film. But after 90 minutes that has completely changed.
DIRECTOR’S BIO
Margien Rogaar is a Dutch filmmaker. After graduating from the Film Academy of the Netherlands, she directed several short films and shows for Dutch television. Her 2007 short film, Breath, was selected for the NISI MASA programme in the Semaine de la Critique. Her first feature film, Maybe Sweden, was made in 2006, followed by Bon Voyage (2010) and Scrap Wood War (2014), all focusing on the lives of children and their families. In 2016, she directed Remi, Nobodys Boy, which was nominated for an Emmy Award. Recently, she created the television series Lampje and presented her latest film, Jippie No More! at the opening of the 2023 Cinekid festival in Amsterdam.

PGC24 - VITTORIA
2024-11-16 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano Metropolis, Via Oslavia 8, Paderno Dugnano, Mi, 20037, Italia
Vittoria
Regia: Alessandro Cassigoli, Casey Kauffman; sceneggiatura: Alessandro Cassigoli, Casey Kauffman; interpreti: Marilena Amato, Gennaro Scarica, Vincenzo Scarica, Anna Amato, Nina Lorenza Ciano; produzione: Zoe Films, Sacher Film, Scarabeo Entertainment, LaDoc; distribuzione italiana: Teodora Film.
Vincitore del Premio Arca CinemaGiovani – Miglior film italiano e del Premio FEDIC nella sezione Orizzonti Extra della 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, 2024, 80’. Versione originale in italiano. Opera seconda.
SINOSSI
Jasmine, quarantenne con una vita apparentemente perfetta – un marito amorevole, tre figli e un salone di bellezza a Torre Annunziata – vede la sua serenità incrinarsi dopo la morte del padre. Un sogno ricorrente, in cui una bambina le corre incontro, le provoca un profondo senso di vuoto e completezza al tempo stesso. Determinata a trovare la bambina del sogno, Jasmine intraprende un difficile percorso di adozione internazionale, mettendo a rischio il suo matrimonio e la stabilità della sua famiglia. Vittoria esplora i complessi legami familiari e i desideri profondi e irrazionali che spingono l’essere umano, raccontando una storia reale attraverso uno stile cinematografico intimo e coinvolgente.
NOTE DI REGIA
Quando Jasmine ci ha raccontato la sua storia ci siamo guardati e abbiamo capito di avere un film. Ecco una donna consumata da un profondo desiderio che tutti intorno a lei consideravano irrazionale. Ma lo era? È sbagliato farsi guidare dal cuore e dall’istinto piuttosto che dalla ragione? Ci siamo prefissati di esplorare queste domande nel mondo poco conosciuto dell’adozione internazionale […]. La posta in gioco è alta, persino esistenziale. Era chiaro fin dall’inizio che Jasmine e il marito potevano mettere in scena la propria storia, consentendoci di combinare esperienza di vita reale e drammaturgia classica. Non avevamo però previsto che questo espediente narrativo avrebbe dato ai nostri protagonisti uno spazio per fare i conti con risentimenti irrisolti.
BIO REGISTA
Alessandro Cassigoli, attore, regista, produttore, sceneggiatore, montatore. Dopo gli esordi come assistente alla regia, trasferitosi a Berlino, ha diretto documentari premiati in festival internazionali come Full Frame e Dok Leipzig. Tornato in Italia, ha codiretto con Casey Kauffman il documentario Le cose che restano (2018, premio del pubblico al Biografilm) e i lungometraggio di finzione, Butterfly (2018), Californie (2021) e Vittoria (2024).
Casey Kauffman, regista e giornalista americano, ha lavorato in oltre 30 paesi per Al Jazeera, Sky Italia, APTN, e il World Food Programme. I suoi reportage e documentari hanno ricevuto prestigiosi premi internazionali. Dopo nove anni in Medio Oriente, è tornato in Italia, dove ha codiretto con Alessandro Cassigoli Le cose che restano (2018), Butterfly (2018), Californie (2021) e Vittoria (2024).
PLOT
Jasmine, a forty-year-old woman with an apparently perfect life – a loving husband, three children, and a beauty salon in Torre Annunziata – sees her tranquility shattered after her father’s death. A recurring dream, in which a little girl runs towards her, evokes a profound sense of emptiness and completeness simultaneously. Determined to find the girl from her dream, Jasmine embarks on a challenging journey of international adoption, risking her marriage and family stability. Vittoria explores the intricate family ties and the deep, irrational desires that drive human beings, telling a real story through an intimate and engaging cinematic style.
DIRECTOR’S NOTE
When Jasmine told us her story, we looked at each other and knew we had a film. Here was a woman consumed by a deep desire that everyone around her considered irrational. But was it? Is it wrong to be guided by the heart and instinct rather than reason? We set out to explore these questions in the little-known world of international adoption […]. The stakes are high, even existential. It was clear from the beginning that Jasmine and her husband could portray their own story, allowing us to combine real-life experience with classical dramaturgy. However, we did not foresee that this narrative device would give our protagonists a space to confront unresolved resentments.
DIRECTOR’S BIO
Alessandro Cassigoli, an actor, director, producer, screenwriter, and editor, began his career as an assistant director. After moving to Berlin, he directed documentaries that won awards at international festivals such as Full Frame and Dok Leipzig. Returning to Italy, he co-directed with Casey Kauffman the documentary Le cose che restano (2018, Audience Award at Biografilm) and the narrative films Butterfly (2018), Californie (2021), and Vittoria (2024).
Casey Kauffman, an American director and journalist, has worked in over 30 countries for Al Jazeera, Sky Italia, APTN, and the World Food Programme. His reports and documentaries have earned prestigious international awards. After nine years in the Middle East, he returned to Italy, co-directing with Alessandro Cassigoli Le cose che restano (2018), Butterfly (2018), Californie (2021), and Vittoria (2024).

PGC24 - FOX AND HARE SAVE THE FOREST
2024-11-16 15:00 - 16:30, 2024-11-15 10:00 - 11:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Volpe e lepre salvano la foresta
Fuchs und Hase retten den Wald (Fox and Hare Save the Forest)
Regia: Mascha Halberstad; sceneggiatura: Fabie Hulsebos; soggetto: tratto dalla serie di libri per l’infanzia Vos en Haas en de Bosbaas creata dall’autrice belga Sylvia Vanden Heede; produzione: Submarine, Walking the Dog, Doghouse; distribuzione: Urban Sales.
Presentato in concorso nella sezione Generation Kplus al 74° Festival internazionale del Cinema di Berlino e alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy.
Paesi Bassi, Belgio, Lussemburgo, 2024, 71’. Animazione. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima milanese.
Film eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024.
SINOSSI
Nella grande foresta, Volpe e Lepre vivono in armonia con il loro gruppo di amici. Durante una festa, scoprono che Gufo è misteriosamente scomparso e, preoccupati, partono alla sua ricerca. Presto si imbattono in un enorme lago che minaccia di sommergere la foresta, creato da Castoro, un presuntuoso costruttore di dighe, aiutato da due ratti dispettosi. Determinati a salvare la loro casa e ritrovare Gufo, Volpe e Lepre affrontano avventure emozionanti e sfide impreviste. Con l’aiuto dei loro amici, dovranno usare astuzia e coraggio per risolvere il mistero del lago e riportare la pace nella foresta. Una storia avvincente che celebra l’amicizia e il valore di proteggere il luogo che si ama.
NOTE DI REGIA
Devo dire che non sono il tipo di regista che vuole trasmettere un “messaggio” in senso stretto. Cerco di minimizzare il messaggio. Cerco di includerlo, ma in modo leggero, con una risata. Non voglio forzarlo. Quando il film è stato selezionato per la Berlinale, Sebastian Markt, direttore della Berlinale Generation, mi ha scritto: “La capacità di condividere una stanza con persone per ridere e ridere è un privilegio in questi tempi, e abbiamo riso, guidati dal tuo film, dai suoi personaggi affascinanti e dalla sua leggera (ma molto apprezzata) stravaganza!” Mi è piaciuta molto quella frase. Voglio che le persone escano dal cinema con un sorriso.
BIO REGISTA
Mascha Halberstad è una regista e illustratrice olandese, nata nel 1973. Ha diretto cortometraggi come Goodbye Mister de Vries (2012) e Munya in Me (2013), oltre a serie animate come Picknick with Cake (2012), premiata dalla giuria Cinekid Kinderkast Fiction, e Fox and Hare (2018), che ha ricevuto il Cinekid Audience Award. Il suo primo lungometraggio, Oink (2022), ha debuttato nella sezione Generation della Berlinale 2022, partecipando a numerosi festival internazionali, tra i quali Festival Piccolo Grande Cinema 2022. Con il suo secondo lungometraggio, Fox and Hare Save the Forest (2024), Mascha continua a lavorare nel campo dell’animazione con grande creatività e passione.
PLOT
In the great big forest, Fox and Hare live in harmony with their group of friends. During a party, they discover that Owl has mysteriously disappeared and, worried, set off in search of him. They soon come across an enormous lake that threatens to flood the forest. It was created by Beaver, a cocky dam builder, aided by two mischievous rats. Determined to save their home and find Owl, Fox and Hare face exciting adventures and unexpected challenges. With the help of their friends, they must use their cunning and courage to solve the mystery of the lake and restore peace to the forest. A gripping story that celebrates friendship and the value of protecting the place you love.
DIRECTOR’S NOTE
I have to say that I’m not a ’’message“ kind of director in that sense. I actually try to downplay the message. I do try to get it in there, but lightheartedly, with a laugh. I don’t want to force it. When the movie was selected for Berlinale, Sebastian Markt, who is Head of Berlinale Generation, wrote to me: ‘‘The ability to share a room with people to laugh and laugh is a privilege in these times, and laugh we did, led by your film, its charming characters and mild (but much appreciated) wackiness!“ I really liked that sentence. I want people to leave the theater with a smile.
DIRECTOR’S BIO
Mascha Halberstad is a Dutch filmmaker and illustrator, born in 1973. She has directed short films such as Goodbye Mister de Vries (2012) and Munya in Me (2013), as well as animated series such as Picknick with Cake (2012), which won the Cinekid Kinderkast Fiction jury award, and Fox and Hare (2018), which received the Cinekid Audience Award. His first feature film, Oink (2022), premiered in the Generation section of the Berlinale 2022 and participated in numerous international festivals, including Festival Piccolo Grande Cinema 2022. With his second feature film, Fox and Hare Save the Forest (2024), Mascha continues to work in the field of animation with great creativity and passion.

PGC24 - SULTANA'S DREAM
2024-11-16 14:45 - 16:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Sultana’s Dream
El sueño de la sultana
Regia: Isabel Herguera; sceneggiatura: Isabel Herguera, Gianmarco Serra; soggetto: basato sull’omonimo racconto del 1905 della femminista bengalese Begum Rokeya; produzione: El Gatoverde Producciones, Goya Sultana Films, Abano Producións, UniKo estudio, Fabian&Fred; distribuzione: Square Eyes.
Vincitore del Grand Prix della sezione Contrechamp alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy.
Spagna, Germania, 2023, 85’. Animazione. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima.
SINOSSI
Inés è un’artista spagnola che vive in India. Un giorno scopre Sultana’s Dream, un racconto provocatorio scritto da Rokeya Hossain nel 1905, che immagina un’utopia chiamata Ladyland, dove le donne sono al potere mentre gli uomini si occupano delle faccende domestiche. Affascinata da questo mondo visionario, Inés intraprende un viaggio attraverso l’India per esplorare la vita di Hossain e cercare spazi in cui le donne possano vivere liberamente e in pace. Mentre affronta le sue difficoltà emotive, tra cui la fine di una relazione, Inés intreccia la sua storia con quella di Hossain, approfondendo temi di disuguaglianza di genere, paura e stigmi sociali. Il film unisce visioni poetiche e simbolismo culturale per sfidare le norme esistenti, immaginando un futuro in cui il cambiamento è possibile, grazie all’immaginazione e al pensiero critico.
NOTE DI REGIA
Sultana’s Dream di Rokeya Hossain mi è capitato tra le mani per caso, mentre mi riparavo dalla pioggia in una libreria in India. Ho capito subito che questo era il prossimo film che volevo realizzare. […] Come potevo mantenere il carattere originale della storia, ricca di sfumature e di riferimenti alla realtà del Bengala all’inizio del XX secolo, senza tradirla con un approccio occidentale? Così è nata l’idea della protagonista Inés: una giovane artista spagnola contemporanea, […] che rimane affascinata dal libro e decide di viaggiare in India alla ricerca di tracce dell’autrice e della stessa Ladyland.
BIO REGISTA
Isabel Herguera è un’animatrice e regista spagnola. Ha studiato belle arti all’Universidad del País Vasco e all’Art Academy di Düsseldorf, per poi conseguire un master alla Calarts di Los Angeles, dove ha diretto il cortometraggio Los Muertitos (1993), incentrato sul muro tra Messico e Stati Uniti. Nel 1997 ha fondato Loko Pictures, producendo diversi spot pubblicitari e il cortometraggio The Balloon (2003). Dopo il ritorno in Europa, ha diretto il festival Animac e coordinato il Laboratorio de imagen en movimiento ad Arteleku. È docente presso numerose prestigiose istituzioni e ha tenuto workshop di animazione in tutto il mondo. Sultana’s Dream è il suo primo lungometraggio.
PLOT
Inés, a Spanish artist living in India, discovers Sultana’s Dream, a thought-provoking tale written by Rokeya Hossain in 1905 that imagines a utopia called Ladyland, where women govern while men undertake domestic responsibilities. Captivated by this visionary world, Inés embarks on a journey across India to explore the life of Hossain and seek out spaces where women can live freely and peacefully. As she navigates her own emotional struggles, including a relationship’s end, Inés intertwines her narrative with Hossain’s, delving into themes of gender inequality, fear, and the societal stigmas faced by women. The film blends poetic visuals and cultural symbolism to challenge existing norms, envisioning a future where change is possible through imagination and critical thought.
DIRECTOR’S NOTE
Sultana’s Dream by Rokeya Hossain fell into my hands by chance, while I was sheltering from the rain in a bookstore in India. I knew immediately that this was the next film I wanted to make. […] How could I maintain the original character of the story, full of nuances and references to the reality of Bengal in the early twentieth century, without betraying it with a Western look? This is when we came up with the idea of the main character Inés: a young Spanish contemporary artist, […] who is fascinated by the book and decides to travel to India in the search for traces of the author and Ladyland itself.
DIRECTOR’S BIO
Isabel Herguera is a Spanish animator and filmmaker. She studied fine arts at the Universidad del País Vasco and at the Art Academy in Düsseldorf, and later obtained a Master’s degree at Calarts in Los Angeles, where she directed the short film Los Muertitos (1993), focused on the wall between Mexico and the United States. In 1997, she founded Loko Pictures, producing several commercials and the short film The Balloon (2003). After returning to Europe, she directed the Animac festival and coordinated the Laboratorio de imagen en movimiento at Arteleku. She is a lecturer at numerous prestigious institutions and has held animation workshops all over the world. Sultana’s Dream is her first feature film.

PGC24 - THE WORST PERSON IN THE WORLD
2024-11-15 21:30 - 23:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
LA PERSONA PEGGIORE DEL MONDO (2021) JOACHIM TRIER
Norvegia; 121’; Director: Joachim Trier; Producers: Thomas Robsahm Mattias Nohrborg Mikkel Jersin Juliette Schrameck Andrea Berentsen Ottmar Caroline Jacobsen Eva Jakobsen Elisha Karmitz Nathanaël Karmitz Katrin Pors Peter Possne Mone Mikkelsen Renée Hansen Mlodyszewski; Writers: Joachim Trier Eskil Vogt; Casting: Yngvill Kolset Haga; Editor: Olivier Bugge Coutté; Cinematography: Kasper Tuxen; Cast: Renate Reinsve Anders Danielsen Lie Herbert Nordrum Hans Olav Brenner Helene Bjørnebye Vidar Sandem Maria Grazia Di Meo Lasse Gretland Karen Røise Kielland
Trama: Julie rompe con il suo fidanzato Aksel e si butta in una nuova relazione nella speranza di ottenere una nuova prospettiva sulla vita. Tuttavia, presto si rende conto che alcune scelte sono già alle sue spalle.
Plot: Julie breaks up with her boyfriend Aksel and she throws herself into a new relationship in the hope of getting a new perspective on life. However, she soon realizes that some choices are already behind her.

PGC24 - GAZER
2024-11-15 19:30 - 21:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Gazer
Regia: Ryan J. Sloan; sceneggiatura: Ariella Mastroianni, Ryan J. Sloan; interpreti: Ariella Mastroianni, Jack Alberts, Renee Gagner, Marcia Debonis, Tommy Kang; produzione: Telstar Films, Moonland.Tv, 377 Films; distribuzione: Memento International.
Presentato in concorso alla Quinzaine des Cinéastes della 77° edizione del Festival di Cannes.
USA, 2024, 114’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima italiana.
SINOSSI
Frankie è una giovane madre affetta da discronometria, una rara condizione degenerativa del cervello che le impedisce di percepire correttamente il tempo. Colta da paranoia e frequenti blackout, registra la sua vita su cassette per rimanere presente nella sua caotica realtà. Impossibilitata a mantenere un’occupazione stabile a causa della sua condizione, accetta un lavoro rischioso offertole da una misteriosa donna di nome Paige, che le promette $3,000 per riprendere la sua auto dall’aggressivo fratello Henry. Quando Paige non si presenta all’appuntamento, Frankie parte alla sua ricerca, finendo intrappolata in un labirinto di vendetta, inganno e omicidio. Seguendo le tracce di Paige tra motel fatiscenti e fabbriche rumorose, Frankie dovrà affrontare non solo pericoli esterni, ma anche la possibilità che la sua stessa condizione la renda complice della sparizione della donna.
NOTE DI REGIA
Abbiamo iniziato a sviluppare e scrivere Gazer durante il lockdown per il COVID. Ariella era in cassa integrazione dal suo lavoro all’Angelika Film Center, mentre io lavoravo come elettricista. Siamo stati costretti a riflettere su dove ci trovavamo e quanto fossimo lontani dai nostri obiettivi: realizzare film insieme. Il mondo intero si era fermato e non sapevamo quale direzione avrebbe preso, ma se dovevamo intraprendere un progetto, quel momento era perfetto per capire come procedere, così che, quando tutto fosse ripartito, potessimo dedicarci a qualcosa che amavamo.
BIO REGISTA
Ryan J. Sloan è un elettricista originario del New Jersey, regista e sceneggiatore per passione. Ha diretto due cortometraggi: Somewhere Road, nel 2012, e A Message for James, nel 2019, scritto insieme alla compagna e attrice Ariella Mastroianni, con cui condivide un forte sodalizio artistico. I due non hanno studiato cinema e la loro formazione è completamente autodidatta. Insieme hanno scritto e realizzato Gazer (2024), finanziandolo autonomamente con i risparmi di una vita, dopo essersi dedicati a lavori più svariati, spesso adottando come location le case in cui Sloan era assunto per eseguire riparazioni elettriche.
PLOT
Frankie is a young mother suffering from dyschronometry, a rare degenerative brain condition that prevents her from perceiving time correctly. Plagued by paranoia and frequent blackouts, she records her life on cassette tapes to remain present in her chaotic reality. Unable to maintain stable employment due to her condition, she accepts a risky job offered to her by a mysterious woman named Paige, who promises her $3,000 to retrieve her car from her aggressive brother Henry. When Paige fails to show up for the appointment, Frankie sets off in search of her, ending up trapped in a maze of revenge, deceit and murder. Following Paige’s trail between dilapidated motels and noisy factories, Frankie will face not only external dangers, but also the possibility that her own condition will make her complicit in her disappearance.
DIRECTOR’S NOTE
We started developing and writing Gazer during the COVID lockdown. Ariella was furloughed from her job at the Angelika Film Center, and I was working as an electrician. We were forced to reflect on where we were and how far we were from what we wanted to do, which was to make movies together. The whole world had stopped, and we didn’t know where it was gonna go, but if we were going to do something, it was the right time to figure it out so that when the world did start up again, we could at least do something we loved.
DIRECTOR’S BIO
Ryan J. Sloan is a New Jersey-born electrician, filmmaker and screenwriter by passion. He has directed two short films: Somewhere Road, in 2012, and A Message for James, in 2019, co-written with his partner and actress Ariella Mastroianni, with whom he shares a strong artistic partnership. The two have not studied filmmaking and their training is completely self-taught. Together they wrote and made Gazer (2024), financing it themselves with their life savings, after having devoted themselves to a wide variety of jobs, often adopting as locations the houses where Sloan was employed to carry out electrical repairs.

PGC24 - JULIE KEEPS QUIET
2024-11-15 17:00 - 18:45 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Julie Keeps Quiet
Julie zwijgt
Regia: Leonardo Van Dijl; sceneggiatura: Leonardo Van Dijl, Ruth Becquart; interpreti: Tessa Van den Broeck, Ruth Becquart, Koen De Bouw, Claire Bodson, Laurent Caron; produzione: De Wereldvrede, Les Films du Fleuve, HOBAB, Film i Väst, Blue Morning Pictures; distribuzione: New Europe Film Sales; distribuzione italiana: I Wonder Pictures.
Presentato in concorso alla Semaine de la critique della 77° edizione del Festival di Cannes.
Belgio, Svezia, 2024, 97’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese.
SINOSSI
Julie, stella di un’accademia di tennis d’élite, dedica ogni istante alla sua passione per lo sport. Tuttavia, la sua vita cambia drasticamente quando il suo allenatore viene sospeso e successivamente licenziato dopo il tragico suicidio di una giovane giocatrice. Mentre gli altri membri del club vengono incoraggiati a parlare per chiarire la situazione, Julie sceglie un silenzio enigmatico che genera speculazioni tra i compagni e i media. Nonostante il caos che la circonda, Julie concentra tutte le sue energie sul tennis, mantenendo il suo focus sul gioco e sulle sue aspirazioni personali. Solo quando le acque si calmeranno e le circostanze lo permetteranno, troverà finalmente il momento giusto per rompere il silenzio e raccontare la sua verità.
NOTE DI REGIA
Il silenzio di Julie non ha bisogno di molto. E così, come regista, ho cercato di non essere troppo. Mi sono posto sempre la domanda: di cosa ha bisogno Julie? […] La legge di Julie è il silenzio, e lei mi ha chiesto di non infrangerla. Julie non ha scelto il suo silenzio, né di essere al centro dell’attenzione a causa di esso. Così ho cercato di seguire il suo ritmo, il suo tempo. Permettendoci di sentire perché,davvero, sia in silenzio. Alcuni silenzi sono dolci, altri forti. A volte sono violenti, a volte sono responsabilizzanti. Immergersi nel silenzio di Julie è stato un viaggio incredibile.
BIO REGISTA
Leonardo van Dijl è un regista e sceneggiatore belga. Ha esordito con il cortometraggio Get Ripped (2014), vincitore del Grand Jury Award all’Outfest di Los Angeles. Dopo aver ottenuto un Master in cinema alla Luca School of Arts di Bruxelles, ha realizzato il corto Umpire (2015), presentato al Film Festival di Locarno e premiato a San Sebastián. Il suo recente cortometraggio Stephanie (2020) è stato selezionato per la Competizione Ufficiale di Cannes. Oltre a cortometraggi, Leonardo ha diretto videoclip musicali e collaborato con marchi come Prada e FIFA. Julie Keeps Quiet è il suo primo lungometraggio.
PLOT
Julie, star of an elite tennis academy, devotes every moment to her passion for the sport. However, her life undergoes drastic changes when her coach is suspended and subsequently fired after the tragic suicide of a young player. While the other members of the club are encouraged to speak out to clarify the situation, Julie chooses an enigmatic silence that generates speculation among her teammates and the media. Despite the chaos surrounding her, Julie concentrates all her energy on tennis, keeping her focus on the game and her personal aspirations. Only when the dust settles and circumstances allow it, will she finally find the right moment to break the silence and tell her truth.
DIRECTOR’S NOTE
Julie’s silence doesn’t need a lot around it. And so, I have aimed to be less as a director. Asking myself again and again the question: what does Julie need? […] Julie’s law is silence, and she asked me not to break it. Julie did not choose her silence, nor to be the center of attention because of it. And so, I’ve tried to follow her pace, her time. Allowing us to hear why she really is silent. Some silences are gentle, some are loud. At times it’s violent, at times it’s empowering. Being immersed in Julie’s silence was an incredible journey.
DIRECTOR’S BIO
Leonardo van Dijl is a Belgian director and screenwriter. He debuted with the short film Get Ripped (2014), winner of the Grand Jury Award at Outfest Los Angeles. After obtaining a Master’s degree in cinema at the Luca School of Arts in Brussels, he made the short film Umpire (2015), which was presented at the Locarno Film Festival and won an award in San Sebastián. His recent short film, Stephanie (2020), was selected for the Official Competition at Cannes. In addition to short films, Leonardo has directed music videos and collaborated with brands such as Prada and FIFA. Julie Keeps Quiet is his first feature film.

PGC24 - CHIAMATA PER IL MORTO
2024-11-15 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Chiamata per il morto
The Deadly Affair
Regia: Sidney Lumet; sceneggiatura: Paul Dehn; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di John le Carré; interpreti: James Mason; Maximilian Schell; Harriet Andersson; produzione: Sidney Lumet Film Productions; distribuzione: Park Circus.
Candidato a cinque Premi BAFTA nel 1968.
Regno Unito, 1967, 107 ’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Londra, anni ’60. L’agente MI5 Charles Dobbs viene incaricato di indagare sulla morte di Samuel Fennan, un agente del controspionaggio britannico trovato morto in circostanze sospette. Sebbene il caso venga rapidamente archiviato come suicidio, Dobbs sospetta un complotto e decide di proseguire le indagini autonomamente. Determinato a scoprire la verità, Dobbs svela una rete di intrighi e tradimenti che lo porta a confrontarsi con pericolosi avversari, a mettere a rischio la propria sicurezza e ad affrontare i demoni della sua vita personale. In un crescendo di tensione, Dobbs si trova immerso in un labirinto di rivelazioni inquietanti, segreti e pericoli, e lotterà tenacemente per ottenere giustizia e smascherare i responsabili del delitto.
BIO REGISTA
Sidney Lumet nasce a Filadelfia, USA, il 25 giugno 1924. Figlio di un attore e di una ballerina, debutta sul palcoscenico a soli quattro anni. Dopo una carriera iniziale nel teatro e in televisione, fa il suo esordio nel cinema con La parola ai giurati (1957), che gli vale riconoscimenti internazionali e una nomination agli Oscar®. Durante gli anni ’60 e ’70 collabora con le più grandi star hollywoodiane e dirige film iconici come Serpico (1973), Quel pomeriggio di un giorno da cani (1975) e Quinto potere (1976). Lumet ha diretto oltre 50 film, ricevendo il Premio Oscar® alla carriera nel 2005. Muore nel 2011 a New York.
PLOT
London, 1960s. MI5 agent Charles Dobbs is assigned to investigate the death of Samuel Fennan, a British counter-intelligence agent found dead under suspicious circumstances. Although the case is quickly dismissed as suicide, Dobbs suspects a conspiracy and decides to pursue the investigation himself. Determined to uncover the truth, Dobbs unravels a web of intrigue and betrayal that leads him to confront dangerous adversaries, risk his own safety and confront the demons of his personal life. In a crescendo of tension, Dobbs finds himself immersed in a labyrinth of disturbing revelations, secrets and dangers, and will fight tenaciously to obtain justice and unmask those responsible for the crime.
DIRECTOR’S BIO
Sidney Lumet was born in Philadelphia, USA, on 25 June 1924. The son of an actor and a dancer, he made his stage debut when he was only four years old. After an early career in theatre and television, he made his film debut with 12 Angry Men (1957), which earned him international recognition and an Oscar® nomination. During the 1960s and 1970s he collaborated with Hollywood’s biggest stars and directed iconic films such as Serpico (1973), Dog Day Afternoon (1975) and Network (1976). Lumet directed over 50 films, receiving the Academy Award® for Lifetime Achievement in 2005. He died in 2011 in New York.

PGC24 - MEMORIES OF A BURNING BODY
2024-11-15 15:00 - 16:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Memories of a Burning Body
Memorias de un cuerpo que arde
Regia: Antonella Sudasassi Furniss; sceneggiatura: Antonella Sudasassi Furniss; produzione: Substance Films, Playlab Films; distribuzione: Bendita.
Vincitore del Panorama Audience Award alla 74° edizione del Festival di Berlino.
Costa Rica, Spagna, 2024, 90’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima milanese.
SINOSSI
Tre donne costaricane, le sessantenni Ana e Patricia e la settantenne Mayela, sono cresciute in un’epoca in cui la sessualità non veniva discussa o espressa liberamente, poiché considerata un tabù. Hanno imparato ad essere donne in un contesto culturale che le ha sempre ingabbiate, all’ombra di norme non dette e di richieste celate dalla società. Grazie a questo film, costruito intorno alle loro esperienze riproposte attraverso la finzione, trovano il coraggio per aprirsi e raccontarsi. Ripercorrendo il proprio passato, delle attrici più giovani incarnano sullo schermo i ricordi e i segreti delle loro intere vite, mentre Sol Carballo interpreta i desideri che le donne ancora covano nei confronti del proprio corpo e del futuro che hanno davanti.
NOTE DI REGIA
Porto il peso di essere figlia di guerriere, di donne forti e coraggiose, ma anche di donne abusate e mal amate. Sono figlia del patriarcato e nipote dello stupro, il peccato più taciuto di tutti. Non ho mai osato chiedere alle mie nonne se i miei nonni le avessero violentate, se potessero decidere, se potessero godere del loro corpo, della loro sessualità. Era semplicemente la croce che dovevano portare. […] Memories of a Burning Body è la conversazione che non ho mai avuto con le mie nonne. È il grido collettivo delle donne che, nonostante i tabù, osano parlare dei loro segreti più intimi.
BIO REGISTA
Antonella Sudasassi Furniss (1986) è una regista e sceneggiatrice costaricana. Ha conseguito gli studi in produzione audiovisiva all’Università del Costa Rica. Il suo primo lungometraggio, The Awakening of the Ants (noto anche come Hormigas), è stato presentato in più di sessantacinque festival internazionali e ha vinto un premio ai Platinum Awards, i premi cinematografici annuali del cinema iberoamericano, come miglior film a tema sociale ed educativo. Nel suo lavoro di regista, il suo interesse è stato quello di raccontare storie incentrate su personaggi femminili e sul modo in cui queste percepiscono la propria sessualità nelle diverse fasi della propria vita.
PLOT
Three Costa Rican women, 60-year-old Ana and Patricia and 70-year-old Mayela, grew up in a time when sexuality was not freely discussed or expressed, as it was considered taboo. They learned to be women in a cultural context that always caged them in, in the shadow of unspoken norms and hidden societal demands. Thanks to this film, built around their experiences presented through fiction, they have the courage to open up and tell their stories. Retracing their past, the younger actresses embody and bring on screen the memories and secrets of their entire lives, while Sol Carballo interprets the desires they still harbor for their bodies and the future they have ahead of them.
DIRECTOR’S NOTE
I carry the weight of being the daughter of warriors, of strong and brave women, but also of abused and ill-loved women. I am a daughter of the patriarchy and a granddaughter of rape, the most silenced sin of all. I never dared to ask my grandmothers if my grandparents raped them, if they could decide, if they could enjoy their bodies, their sexuality. It was simply the cross that they had to carry. […] Memories of a Burning Body is the conversation I never had with my grandmothers. It is the collective outcry of women who despite the taboos, dare to talk about their most intimate secrets.
DIRECTOR’S BIO
Antonella Sudasassi Furniss (1986) is a Costa Rican filmmaker and screenwriter. She studied audiovisual production at the University of Costa Rica. Her first feature film, The Awakening of the Ants (also known as Hormigas), was presented at more than sixty-five international film festivals and won an award at the Platinum Awards, the annual Ibero-American film awards, for best film with a social and educational theme. In her work as a filmmaker, her interest has been in telling stories centered on female characters and the way they perceive their sexuality at different stages of their lives.

PGC24 - UNO, DUE, TRE!
2024-11-15 14:30 - 16:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Uno, due, tre!
One, Two, Three
Regia: Billy Wilder; sceneggiatura: Billy Wilder, I. A. L. Diamond; soggetto: tratto dal lavoro teatrale Egy, kettö, három (1929) di Ferenc Molnár; interpreti: James Cagney, Horst Buchholz, Pamela Tiffin, Arlene Francis, Howard St. John; produzione: Bavaria Film, Mirisch Corporation, Pyramid Productions; distribuzione italiana: MGM, Park Circus.
Nominato ai Premi Oscar® 1962 come Miglior Fotografia e inserito nella National Board Review Award Top Ten Films nel 1961.
USA, 1961, 108’. Versione originale con sottotitoli in italiano.
SINOSSI
Nella Berlino Ovest degli anni della Guerra Fredda, il signor MacNamara, un dirigente della Coca-Cola, si impegna a far conoscere il famoso drink nei paesi del blocco orientale. Le sue ambizioni si complicano quando Scarlett, la figlia del suo superiore, arriva in città. La ragazza, ribelle e disinibita, rivela infatti di essersi segretamente sposata con Otto, un fervente comunista di Berlino Est, e di voler partire con lui per Mosca. In preda all’ansia per il suo lavoro e il futuro della giovane, MacNamara cercherà di fermare i piani della ragazza. Tra disguidi e inseguimenti, si troverà a dover affrontare le differenze culturali e politiche che caratterizzano il periodo, il tutto con una buona dose di umorismo.
BIO REGISTA
Billy Wilder (1906-2002) è stato un influente cineasta e sceneggiatore austriaco, naturalizzato statunitense. La sua carriera, durata cinque decenni, lo ha reso uno dei registi più brillanti ed iconici del cinema classico hollywoodiano. Wilder è stato insignito dell’AFI Life Achievement Award e del BAFTA Fellowship Award, tra altri riconoscimenti. È stato nominato a 21 Premi Oscar e ne ha ricevuti 7, tra cui Miglior Regista e Miglior Sceneggiatura Originale per Giorni Perduti (1945) e L’appartamento (1960). Ha diretto film iconici come La fiamma del peccato (1944), Viale del tramonto (1950), e A qualcuno piace caldo (1959).
PLOT
In the West Berlin of the Cold War years, Mr MacNamara, a Coca-Cola executive, strives to make the famous drink known in the Eastern Bloc countries. His ambitions are complicated when Scarlett, the daughter of his superior, arrives in town. The rebellious and uninhibited girl reveals that she is secretly married to Otto, a fervent communist from East Berlin, and wants to leave with him for Moscow. Anxious about his job and the girl’s future, MacNamara tries to stop the girl’s plans. Amidst misunderstandings and chases, he will be confronted with the cultural and political differences of the period, all with a good dose of humour.
DIRECTOR’S BIO
Billy Wilder (1906-2002) was an influential Austrian filmmaker and screenwriter, naturalised American. His career spanning five decades made him one of the most brilliant and iconic directors of classic Hollywood cinema. Wilder has been the recipient of the AFI Life Achievement Award and the BAFTA Fellowship Award, among other honours. He was nominated for 21 Academy Awards and received seven, including Best Director and Best Original Screenplay for The Lost Weekend (1945) and The Apartment (1960). He directed iconic films such as Double Indemnity (1944), Viale del tramonto (1950), and A qualcuno piace caldo (1959).

PGC24 - ONCE UPON A TIME IN A FOREST
2024-11-15 09:00 - 11:00 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
C’era una volta nella foresta
Havumetsän lapset (Once Upon a Time in a Forest)
Regia: Virpi Suutari; sceneggiatura: Virpi Suutari; produzione: Euphoria Film; distribuzione: Autlook Filmsales.
Presentato in concorso a Visions du Réel 2024 e CPH:DOX 2024.
Finlandia, 2024, 93’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima milanese.
Film eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024.
SINOSSI
Due giovani attiviste, Ida e Minka, fanno parte del gruppo Extinction Rebellion Finland e affrontano la crescente crisi della biodiversità in Finlandia. Utilizzando la disobbedienza civile, cercano di sensibilizzare il governo sull’emergenza climatica e ecologica. Le loro iniziative includono censimenti delle specie animali e vegetali a rischio, pianificazione di manifestazioni e audaci incursioni in cantieri e fabbriche di cellulosa. Attraverso immagini mozzafiato della foresta finlandese, seguiamo il percorso di crescita di Ida, che diventa leader del nuovo Movimento Forestale, sfidando le grandi industrie e l’atteggiamento conservatore delle generazioni precedenti. Un racconto che rappresenta un inno alla natura e a chi vuole proteggerla, trasmettendo un messaggio di speranza e determinazione nella lotta per la salvaguardia dell’ambiente.
NOTE DI REGIA
Questo film è una storia d’amore, ma l’oggetto amato è la foresta. Volevo ricordare a tutti com’era essere giovani, quando le nostre menti erano ancora pure. Spero che, riconoscendosi in questi ragazzi, si possa provare più empatia verso di loro. Nei film sull’attivismo, nel tentativo di dare maggiore credibilità, spesso questo lato umano manca. Io, invece, ho cercato di catturare le riflessioni di una generazione. Ho visto la loro onestà e semplicità quasi infantile, ma anche la loro capacità di agire come leader strategici, guidando le loro “truppe” in battaglia. Come regista, trovo queste contraddizioni davvero affascinanti.
BIO REGISTA
Virpi Suutari, nata nel 1967, è un’affermata regista finlandese conosciuta per uno stile cinematografico personale che sfida i confini tra realtà e finzione. Le sue opere sono state presentate in festival di prestigio come IDFA, Locarno e il festival di Göteborg. Il suo documentario The Idle Ones (2001) è stato nominato per il premio EFA come miglior documentario europeo, e ha vinto numerosi riconoscimenti tra cui il premio come miglior documentario nordico al Nordisk Panorama. Suutari ha ricevuto tre volte il premio Jussi e fa parte dell’Accademia del Cinema Europeo. Il suo documentario su Alvar Aalto, Aalto (2020), ha ottenuto distribuzione mondiale.
PLOT
Two young activists, Ida and Minka, are part of the group Extinction Rebellion Finland and confront the growing biodiversity crisis in Finland. Using civil disobedience, they try to make the government aware of the climate and ecological emergency. Their initiatives include censuses of endangered animal and plant species, planning demonstrations and daring raids on construction sites and pulp mills. Through breathtaking images of the Finnish forest, we follow Ida’s journey of growth, as she becomes the leader of the new Forest Movement, challenging industrial powers and the conservative attitude of previous generations. A story that is a hymn to nature and to those who want to protect it, conveying a message of hope and determination in the fight to protect the environment.
DIRECTOR’S NOTE
This film is a love story, but the object of your affection is the forest. I guess I wanted to remind everyone how it felt when we were younger and our minds were still pure. Hopefully, when you recognize yourself in these youngsters, you can feel more empathy towards them. This human side is something you don’t always see in films about activism, because they want to seem credible, but I tried to capture the way this generation reflects on things. I saw their almost child-like honesty and straightforwardness, and then I saw them behaving like strategic leaders, leading their troops to a battle. As a filmmaker, you are so intrigued by such contradictions.
DIRECTOR’S BIO
Virpi Suutari, born in 1967, is an established Finnish filmmaker known for a personal filmmaking style that challenges the boundaries between reality and fiction. Her works have been presented at prestigious festivals such as IDFA, Locarno and the Gothenburg Film Festival. Her documentary The Idle Ones (2001) was nominated for the EFA Award for Best European Documentary, and won numerous awards including the Best Nordic Documentary Award at Nordisk Panorama. Suutari has received the Jussi Award three times and is a member of the European Film Academy. Her documentary on Alvar Aalto, Aalto (2020), has received worldwide distribution.

PGC24 - THELMA
2024-11-14 21:00 - 23:00 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
THELMA (2017) JOACHIM TRIER
Norvegia, Francia, Danimarca, Svezia; 116’; Director: Joachim Trier; Producers: Thomas Robsahm Mattias Nohrborg Mikkel Jersin Thomas Pibarot Stephan Apelgren Fredrik Heinig Jean Labadie Katrin Pors Tomas Eskilsson Eva Jakobsen Carolina Henriksson Jessica Balac Fridrik H. Mar Anne-Laure Labadie Thomas Gammeltoft; Writers: Joachim Trier Eskil Vogt; Casting: Yngvill Kolset Haga Hanna Biørnstad; Editor: Olivier Bugge Coutté: Cinematography: Jakob Ihre; Cast: Eili Harboe Kaya Wilkins Henrik Rafaelsen Ellen Dorrit Petersen Grethe Eltervåg Marte Magnusdotter Solem Anders Mossling Vanessa Borgli
Trama: Una studentessa universitaria di Oslo, in Norvegia, inizia a soffrire di convulsioni molto forti. La ragazza scopre che questi violenti episodi sono un sintomo di doti soprannaturali, potenzialmente pericolose.
Plot: A university student from Oslo, Norway, begins to suffer from very strong convulsions. The girl discovers that these violent episodes are a symptom of supernatural, potentially dangerous qualities.

PGC24 - UNIVERSAL LANGUAGE
2024-11-14 18:45 - 20:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Universal Language
Une langue universelle
Regia: Matthew Rankin; sceneggiatura: Matthew Rankin, Pirouz Nemati, Ila Firouzabadi; interpreti: Rojina Esmaeili, Saba Vahedyousefi, Mani Soleymanlou, Matthew Rankin, Pirouz Nemati; produzione: Metafilms; distribuzione: Best Friend Forever.
Vincitore del Winner’s Audience Award nella sezione Quinzaine des Cinéastes della 77° edizione del Festival di Cannes.
Canada, 2024, 89’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima italiana.
SINOSSI
In una misteriosa e surreale zona intermedia tra Teheran e Winnipeg, le vite di più personaggi si intrecciano tra loro in modi sorprendenti e misteriosi. Negin e Nazgol, studenti delle elementari, trovano una banconota congelata nel ghiaccio invernale e cercano di liberarla per comprare un nuovo paio di occhiali. Nel frattempo, Massoud guida un gruppo di turisti sempre più disorientati attraverso i monumenti e i siti storici di Winnipeg. Matthew lascia il suo insignificante lavoro in un ufficio del governo del Québec e intraprende un viaggio enigmatico per visitare sua madre. Un grosso tacchino scappa da un autobus in panne. Spazio, tempo e identità personali si confondono, si intrecciano e riecheggiano in una commedia dolce e surreale.
NOTE DI REGIA
Gli eventi della storia sono direttamente ispirati dalla storia della mia famiglia, da numerosi diari del periodo trascorso in Iran e da alcuni sogni enigmatici che ho fatto sui miei genitori poco dopo la loro morte. Durante la Grande Depressione, mia nonna e suo fratello trovarono una banconota da due dollari congelata in un marciapiede di Winnipeg (una cifra enorme nel nel 1931) e gli eventi si svolsero per loro come per Negin e Nazgol. Allo stesso modo, mio padre ha dedicato la sua vita a difendere la città di Winnipeg e i suoi umili monumenti, proprio come Massoud.
BIO REGISTA
Matthew Rankin è nato a Winnipeg e ha studiato storia alla McGill e all’Université Laval. È regista di una quarantina di film documentari, di finzione e di animazione che sono stati presentati al Sundance, al SXSW, al TIFF, ad Annecy, alla Berlinale, al Dawson City International Short Film Festival e alla Settimana della Critica di Cannes. Grande amante dei grandi maestri del cinema iraniano, ha vissuto in Iran per seguirne le orme. Il suo primo lungometraggio, The Twentieth Century (2019), ha ricevuto il Premio FIPRESCI 2020 alla Berlinale. Vive a Montréal.
PLOT
In a mysterious and surreal intermediate zone between Tehran and Winnipeg, the lives of several characters intertwine in surprising and mysterious ways. Primary schools students Negin and Nazgol find a banknote frozen in the winter ice and try to free it to buy a new pair of glasses. Meanwhile, Massoud leads a group of increasingly disoriented tourists through Winnipeg’s monuments and historical sites. Matthew leaves his meaningless job in a Quebec government office and embarks on an enigmatic journey to visit his mother. A large turkey escapes from a broken-down bus. Space, time and personal identities blur, intertwine and echo in a gentle, surreal comedy.
DIRECTOR’S NOTE
The events of the story are drawn directly from my family history, numerous diary entries from my time in Iran and several mystifying dreams I had about my parents shortly after they died. During the Great Depression, my Grandmother and her brother found a two-dollar bill frozen in a Winnipeg sidewalk (an enormous sum in 1931) and events unfolded for them much as they do for Negin and Nazgol. Similarly, my father devoted his life to advocating for the unloved city of Winnipeg and its humble monuments, very much like Massoud in the film.
DIRECTOR’S BIO
Matthew Rankin was born in Winnipeg and studied history at McGill and Université Laval. He is the director of some forty documentary, fiction and animation films that have been screened at Sundance, SXSW, TIFF, Annecy, Berlinale, Dawson City International Short Film Festival and Cannes Critics’ Week. A great lover of the great masters of Iranian cinema, he has spent time living in Iran to follow in their footsteps. His first feature film, The Twentieth Century (2019), received the 2020 FIPRESCI Prize at the Berlinale. He lives in Montréal.

PGC24 - MY STOLEN PLANET
2024-11-14 17:00 - 18:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
My Stolen Planet
Sayyareye dozdide shodeye man
Regia: Farahnaz Sharifi; sceneggiatura: Farahnaz Sharifi; produzione: Jyoti Film, PakFilm; distribuzione: CAT&Docs.
Il film è stato presentato in concorso nella sezione Panorama della 74° edizione del Festival internazionale del cinema di Berlino.
Germania, Iran, 2024, 82’. Documentario. Versione originale con sottotitoli in italiano. Anteprima italiana.
SINOSSI
Nata nel 1979, durante la rivoluzione islamica in Iran, Farah racconta la sua vita quotidiana attraverso un intimo diario visivo, catturando momenti di gioia e resistenza che mettono in luce il contrasto tra la libertà domestica e l’oppressione del regime. Parallelamente, raccoglie filmati in 8mm da persone sconosciute, creando un mosaico di memorie perdute, che, ispirata dalla madre, affetta da Alzheimer, colleziona per contrastare l’oblio di una società intera. Il legame con Leyla, una professoressa iraniana che ha lasciato il paese durante la rivoluzione, aggiunge una dimensione personale a questi archivi. Nell’autunno del 2022, l’insurrezione “Women, Life, Freedom” segna un punto di svolta nella sua vita e in quella di molti altri nel suo Paese.
NOTE DI REGIA
Quando condividiamo un ricordo con altri, esso passa da privato a pubblico. Questa storia è intessuta strettamente con la resistenza all’oblio. In un’epoca in cui le strutture di potere si sforzano di narrare la storia e modificarla in modo da nasconderne segmenti importanti e legati a storie individuali e popolari, diventa ancora più cruciale condividere dettagli personali e micro-narrazioni.
BIO REGISTA
Farahnaz Sharifi è una pluripremiata scrittrice, regista e montatrice iraniana, costretta all’esilio alla fine del 2022. Si è laureata all’Università di Teheran in studi cinematografici. I suoi film si basano principalmente su archivi e immagini di repertorio. Il suo più recente lavoro come montatrice è l’acclamato lungometraggio documentario Radiograph of a Family, che ha vinto il premio per il Miglior Lungometraggio Documentario per l’uso creativo di materiali di repertorio all’IDFA 2020. Farahnaz ha ricevuto numerosi premi in e fuori dall’Iran, tra i quali quello per il miglior film all’Uppsala Short Film Festival.
PLOT
Born during the Islamic revolution in Iran in 1979, Farah narrates her daily life through an intimate visual diary, capturing moments of joy and resistance that highlight the contrast between domestic freedom and the oppression of the regime. In parallel, she collects 8mm footage shot by strangers, creating a mosaic of lost memories, which, inspired by her mother, who suffers from Alzheimer’s, she gathers to counteract the oblivion of an entire society. The bond with Leyla, an Iranian professor who left the country during the revolution, adds a personal dimension to these archives. In the autumn of 2022, the ‘Women, Life, Freedom’ uprising marks a turning point in her life and that of many others in her country.
DIRECTOR’S NOTE
When we share a memory with others, it moves from private to public. This story is woven tightly with a resistance to forgetting. At a time when power structures strive to narrate history in ways that hide important and popular segments, it becomes all the more crucial to share personal details and micro-narratives.
DIRECTOR’S BIO
Farahnaz Sharifi is an award-winning Iranian writer, filmmaker and film editor who was forced to go into exile at the end of 2022. She has graduated from Tehran University in Cinema studies. Her films are mostly based on archives and archival images. Her recent work as an editor is the acclaimed feature length documentary film Radiograph of a Family which won the Best Feature Length Documentary Film Award at IDFA 2020 for creative use of archival material. Farahnaz has received many awards inside and outside of Iran including Best Film Award at the Uppsala Short Film Festival.

PGC24 - THE HYPERBOREANS
2024-11-14 17:00 - 18:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
The Hyperboreans
Los hiperbóreos
Regia: Cristóbal León; Joaquín Cociña sceneggiatura: Cristóbal León; Joaquín Cociña; interpreti: Antonia Giesen, Francisco Visceral; produzione: León & Cociña Films, Globo Rojo Films; distribuzione: Bendita.
Presentato nella sezione Quinzaine des Cinéastes della 77° edizione del Festival di Cannes.
Cile, 2024, 71’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima.
SINOSSI
Antonia Giesen, psicologa e attrice, riceve da un paziente un copione fantascientifico ispirato dalle sue allucinazioni uditive. Decisa a trasformare il copione in un film, Antonia chiede l’aiuto dei registi León & Cociña. Insieme, creano un crocevia affascinante tra teatro, fantascienza, animazione e film biografici favolosi, dando vita a un’opera complessa e sfaccettata. La narrazione si arricchisce ulteriormente con la presenza di un’ombra inquietante: quella di Miguel Serrano, scrittore nazista cileno, noto per le sue deliranti teorie esoteriche, che emerge come figura demoniaca, simbolo delle lotte interiori e delle complessità della mente umana. Coinvolta in una moltitudine di mondi paralleli, Antonia scoprirà inquietanti connessioni tra il copione e la sua stessa vita.
NOTE DI REGIA
Con The Hyperboreans vogliamo creare un dialogo tra terrore politico e fantasia, tra organico, ritualismo ed entropia materiale […]. Vogliamo creare opere sui processi. Siamo interessati a opere che mostrino le loro ossa, abbracciando l’organico, l’accidentale, il precario, l’incompiuto e la costante crescita in contrasto con il preciso, il controllato o il definito. Cerchiamo di immaginare che tutto sia materiale e possa quindi essere trasformato. Questo include la politica, la storia e l’inconscio. Nelle narrazioni qui presentate, non solo la pittura e gli altri materiali si mescolano, ma anche le visioni politiche, la storia ufficiale e i sogni.
BIO REGISTA
Cristóbal León e Joaquín Cociña, entrambi nati nel 1980 in Cile, collaborano dal 2007. Entrambi hanno frequentato l’Università Cattolica del Cile, e León ha proseguito i suoi studi presso l’UDK (Berlino) e De Ateliers (Amsterdam). Attraverso i loro film sperimentali, León e Cociña offrono una nuova interpretazione del simbolismo religioso e dei rituali magici radicati nella cultura tradizionale dell’America Latina. La loro produzione cinematografica incorpora varie tecniche, tra cui fotografia, disegno, scultura, danza e performance. I loro film in stop-motion sono caratterizzati da un linguaggio cinematografico crudo, in cui figure di cartapesta e disegni dall’aspetto innocente sono posti in netto contrasto con temi quali religione, sesso e morte.
PLOT
Antonia Giesen, a psychologist and actress, receives the science fiction script of a patient, inspired by his auditory hallucinations. Determined to turn the script into a film, Antonia enlists the help of directors León & Cociña. Together, they create a fascinating crossroads between theater, science fiction, animation and fabulous biographical films, resulting in a complex and multifaceted work. The narrative is further enriched by the presence of a disturbing shadow: that of Miguel Serrano, a Chilean Nazi writer, known for his delusional esoteric theories, who emerges as a demonic figure, a symbol of the inner struggles and complexities of the human mind. Involved in a multitude of parallel worlds, Antonia will discover disturbing connections between the script and her own life.
DIRECTOR’S NOTE
With The Hyperboreans, we aim to create a dialogue between political terror and fantasy, between the organic, ritualism, and material entropy […]. We want to create works about processes. We are interested in works that show their bones, embracing the organic, accidental, precarious, unfinished, and constantly growing in contrast to the precise, controlled, or defined. We try to imagine that everything is material and can therefore be transformed. This includes politics, history, and the unconscious. In the narratives presented here, not only do painting and other materials mix, but so do political visions, official history, and dreams.
DIRECTOR’S BIO
Cristóbal León and Joaquín Cociña, both born in 1980 in Chile, have been collaborating since 2007. Both attended the Catholic University of Chile, and León continued his studies at UDK (Berlin) and De Ateliers (Amsterdam). Through their experimental films, León and Cociña offer a new interpretation of religious symbolism and magical rituals rooted in the traditional culture of Latin America. Their filmmaking incorporates various techniques, including photography, drawing, sculpture, dance and performance. Their stop-motion films are characterised by a raw cinematic language, in which papier-mâché figures and innocent-looking drawings are placed in stark contrast to themes such as religion, sex and death.

PGC24 - UNO, DUE, TRE!
2024-11-14 15:00 - 17:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia

PGC24 - LA TALPA
2024-11-14 14:30 - 17:00 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
La Talpa
Tinker Tailor Soldier Spy
Regia: Tomas Alfredson; sceneggiatura: Bridget O’Connor, Peter Straughan; soggetto: tratto dall’omonimo romanzo di John le Carré; interpreti: Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong, Ciarán Hinds; produzione: StudioCanal, Karla Films, Paradis Films, Kinowelt Filmproduktion, Working Title Films; distribuzione italiana: Medusa Film.
Presentato in concorso alla 68° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Vincitore del Premio BAFTA come Miglior Film Britannico e Miglior Sceneggiatura Non Originale nel 2012.
Regno Unito, Francia, Germania, 2011, 127’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Londra, 1973. Control, il capo del servizio segreto inglese, è costretto alle dimissioni in seguito all’insuccesso di una missione segreta in Ungheria, durante la quale l’agente speciale Prideaux perde la vita. Con Control se ne va anche il fidato George Smiley, che viene però poi convocato dal sottosegretario governativo e riassunto in segreto. Il suo compito sarà scoprire l’identità di una talpa filosovietica che agisce da anni all’interno del ristretto numero di agenti del Circus. La talpa si nasconde infatti tra quattro uomini di alto rango: Percy Alleline, Bill Haydon, Roy Bland e Toby Esterhase, rispettivamente soprannominati lo Stagnaio, il Sarto, il Soldato e il Povero. Con l’aiuto dell’agente Peter Guillam, Smiley inizia un’indagine clandestina per smascherare il traditore e proteggere la sicurezza nazionale.
BIO REGISTA
Tomas Alfredson, nato nel 1965 a Lidingö, Svezia, è regista e sceneggiatore. Figlio dell’attore e regista Hans Alfredson, Tomas ha iniziato la sua carriera dirigendo programmi televisivi e film svedesi. Ha ottenuto riconoscimento internazionale con Lasciami entrare (2008), un film horror acclamato dalla critica, che ha vinto numerosi premi, tra cui il Tribeca Film Festival Award per il miglior lungometraggio narrativo e quattro Guldbagge Awards. Nel 2011, ha diretto La talpa, che ha ricevuto tre nomination agli Oscar® e vinto un BAFTA. Alfredson è noto per il suo stile visivo distintivo e la capacità di creare atmosfere intense e coinvolgenti.
PLOT
London, 1973. Control, the head of the British Secret Service, is forced to resign following the failure of a secret mission to Hungary, during which Special Agent Prideaux loses his life. With Control goes also the trusted George Smiley, who is then summoned by the government under-secretary and secretly re-hired. His task will be to discover the identity of a pro-Soviet mole who has been operating for years within the Circus’s small number of agents. The mole is in fact hiding among four high-ranking men: Percy Alleline, Bill Haydon, Roy Bland and Toby Esterhase, respectively nicknamed the Tinker, the Tailor, the Soldier and the Poor-Man. With the help of agent Peter Guillam, Smiley begins a clandestine investigation to unmask the traitor and protect national security.
DIRECTOR’S BIO
Tomas Alfredson, born in 1965 in Lidingö, Sweden, is a director and screenwriter. The son of actor and director Hans Alfredson, Tomas began his career directing Swedish television programmes and films. He gained international recognition with Let The Right One In (2008), a critically acclaimed horror film that won numerous awards, including the Tribeca Film Festival Award for Best Narrative Feature and four Guldbagge Awards. In 2011, he directed Tinker Tailor Soldier Spy, which received three Oscar® nominations and won a BAFTA. Alfredson is known for his distinctive visual style and ability to create intense and engaging atmospheres.

PGC24 - THE MAJOR TONES
2024-11-14 11:00 - 13:00 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Le note maggiori
Los tonos mayores (The Major Tones)
Regia: Ingrid Pokropek; sceneggiatura: Ingrid Pokropek; interpreti: Sofía Clausen, Pablo Seijo, Lina Ziccarello, Mercedes Halfon; produzione: Jaibo Films, Gong Cine, 36 Caballos; distribuzione: Bendita Film Sales.
Presentato in concorso nella sezione Generation Kplus al 74° Festival internazionale del Cinema di Berlino.
Argentina, Spagna, 2023, 101’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese.
SINOSSI
Ana, quattordicenne, vive a Buenos Aires con il padre Javier. A seguito di un incidente, le viene impiantata una placca di metallo nel braccio. Improvvisamente, durante le vacanze invernali, Ana inizia a percepire delle misteriose pulsazioni nella placca. Senza dire nulla al padre, collabora con l’amica Lepa per comporre una melodia ispirata a questi segnali ritmici. Una notte, dopo una lite con Lepa, Ana vaga sola per la città e incontra un giovane soldato che le rivela la vera natura delle pulsazioni: sono parole in codice Morse. Decisa a decifrarle, Ana si si allontana sempre più da Lepa e Javier e si immerge in un’avventura enigmatica, nel tentativo di capire se i messaggi trasmessi dalla placca siano indirizzati proprio a lei.
NOTE DI REGIA
La prima idea che mi venne in mente era un po’ più stravagante: il messaggio non arrivava attraverso una placca, ma direttamente al cuore, come se sincronizzato con i suoi battiti. Era un concetto delirante e difficile da sviluppare, ma mi piaceva molto l’idea di qualcosa di soprannaturale o fantastico percepito attraverso il corpo. […] Mi interessavano l’ingenuità e l’innocenza con le quali una ragazza giovane può vivere ciò che le sta accadendo, come il modo in cui, invece di andare dal medico, la protagonista decide di parlare [delle pulsazioni che sente] alla sua amica, e insieme inventano un mondo, decidono di scrivere una canzone.
BIO REGISTA
Ingrid Pokropek, nata a Buenos Aires nel 1994, è regista, produttrice, scrittrice e insegnante. Interessata a storie che parlano di ragazzi e ragazze e dei mondi immaginari e assurdi nei quali vivono, ha scritto e diretto, tra gli altri, i cortometraggi Es una ficción de arena (2017) Shendy Wu, un diario (2019), e Chico eléctrico (2021). Ha prodotto i film Clementina (2022, Agustín Mendilaharzu & Constanza Feldman), La Edad Media (2022, Luciana Acuña e Alejo Moguillansky) e Trenque Lauquen (2022, Laura Citarella), miglior film del 2023 secondo Cahiers du Cinéma. Los tonos mayores (2023) è il suo primo lungometraggio.
PLOT
Fourteen-year-old Ana lives in Buenos Aires with her father Javier. Following an accident, a metal plate is implanted in her arm. Suddenly, during the winter holidays, Ana starts to feel mysterious pulsations in the plate. Without telling her father, she collaborates with her friend Lepa to compose a melody inspired by these rhythmic signals. One night, after an argument with Lepa, Ana wanders alone through the city and meets a young soldier who reveals to her the true nature of the pulsations: they are words in Morse code. Determined to decipher them, Ana draws farther and farther away from Lepa and Javier and plunges into an enigmatic adventure, in an attempt to understand if the messages transmitted by the plaque are meant for her.
DIRECTOR’S NOTE
The first idea that I came up with was a bit crazier: the message didn’t come through a plate, it came to the heart, as synchronized with its beating. A delirious idea that was very difficult to work with. But, I really liked the idea of something supernatural or fantastic felt through the body. […] I was interested in the naivety and innocence of younger people when it comes to interpreting what is happening to them: the way in which they would not go to the doctor, but first share [about the pulses] with a friend, and then inventing a world together, deciding to write a song.
DIRECTOR’S BIO
Ingrid Pokropek, born in Buenos Aires in 1994, is a director, producer, writer and teacher. Interested in stories about young people and the imaginary and absurd worlds in which they live, she wrote and directed, among others, the short films Es una ficción de arena (2017) Shendy Wu, un diario (2019), and Chico eléctrico (2021). She produced the films Clementina (2022, Agustín Mendilaharzu & Constanza Feldman), La Edad Media (2022, Luciana Acuña & Alejo Moguillansky) and Trenque Lauquen (2022, Laura Citarella), the best film of 2023 according to Cahiers du Cinéma. Los tonos mayores (2023) is his first feature film.

PGC24 - LIVING LARGE
2024-11-14 09:00 - 10:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Vivi alla grande
Život k sežrání (Living Large)
Regia: Kristina Dufková; sceneggiatura: Barbora Dřevikovská, Petr Jarchovský; soggetto: tratto dal romanzo La vie, en gros di Mikaël Ollivier; produzione: Barletta Productions, Novinski, Novanima productions; distribuzione: Goodfellas.
Presentato in concorso nella sezione Contrechamp alla 48° edizione del Festival internazionale del film d’animazione di Annecy e alla 77° edizione del Locarno Film Festival.
Repubblica Ceca, Francia, Slovacchia, 2024, 80’. Animazione stop motion. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera prima. Anteprima milanese.
SINOSSI
Ben, un ragazzo di 12 anni con una passione per la cucina, si trova ad affrontare le difficoltà dell’adolescenza, complicate dalla sua obesità. I compagni di scuola lo prendono di mira, mentre i suoi genitori divorziati si sentono impotenti di fronte alla situazione. Anche l’infermiera scolastica esprime preoccupazione per la sua salute. Desideroso di conquistare il cuore di Klara, la ragazza dei suoi sogni, Ben decide di intraprendere una dieta drastica, sperando così di migliorare la sua vita e le sue relazioni. Un racconto di crescita personale che esplora l’importanza di accettare sé stessi, rivelando che ciò che conta veramente non è l’aspetto esteriore, ma come ci si sente dentro.
NOTE DI REGIA
Tredici anni fa, stavo cercando un soggetto per un lungometraggio quando il libro [“La vie, en gros” di Mikaël Ollivier] mi è capitato tra le mani. Ho capito subito che la storia di Ben rappresentava esattamente il tema che volevo sviluppare in un’animazione con pupazzi, specialmente per mia figlia, a cui leggevo il libro all’epoca. Non c’erano molti film adatti ai bambini più grandi, in particolare film che fossero incisivi, intelligenti e simpatici. Nel corso del tempo, le cose sono cambiate e mia figlia è cresciuta, ma la storia di Ben ha continuato a piacermi. Ogni tanto ci tornavo, e sono felice di aver finalmente potuto realizzarla come un film in stop-motion 2D dopo tutti questi anni.
BIO REGISTA
Kristina Dufková, nata nel 1978, è una regista, animatrice e artista ceca. Ha studiato presso la Scuola Professionale Superiore di Cinema di Písek, specializzandosi in animazione. Dal 2000 al 2010 ha approfondito le sue competenze in animazione alla FAMU. Il suo film di laurea, Usnula jsem (A Tear is Needed), realizzato nel 2008 e caratterizzato da una forte componente personale, le è valso il premio per il Miglior Film d’Animazione all’Anifest 2009. Dufková ha successivamente pubblicato un libro con lo stesso titolo. Le sue opere si distinguono per l’eccellente qualità dell’animazione e la stilizzazione visiva, combinando abilmente il mondo dei bambini con quello degli adulti. Living Large è il suo primo lungometraggio.
PLOT
Ben, a 12-year-old boy with a passion for cooking, is faced with the difficulties of adolescence, complicated by his obesity. His schoolmates pick on him, while his divorced parents feel helpless in the face of the situation. Even the school nurse expresses concern for his health. Eager to win the heart of Klara, the girl of his dreams, Ben decides to embark on a drastic diet, hoping to improve his life and relationships. A tale of personal growth that explores the importance of self-acceptance, revealing that what really matters is not how you look on the outside, but how you feel on the inside.
DIRECTOR’S NOTE
13 years ago, I was seeking a subject for a feature film, and that’s when the book [“La vie, en gros” by Mikaël Ollivier] came into my hands. I knew right away that Ben’s story was exactly the theme I wanted to develop in a puppet animation, especially for my daughter, to whom I was reading the book back then. There weren’t many films for older children at that time, not ones that were inspiring, clever and cute. Things changed over time, my daughter grew up, but I still enjoyed Ben’s story. I kept coming back to it after breaks, and I’m happy that I was able to bring it to its final form as a 2D stop-motion movie after all those years.
DIRECTOR’S BIO
Kristina Dufková, born in 1978, is a Czech filmmaker, animator and artist. She studied at the Higher Professional Film School in Písek, specialising in animation. From 2000 to 2010 she furthered her skills in animation at FAMU. Her graduation film, Usnula jsem (A Tear is Needed), made in 2008 and characterised by a strong personal component, won her the Best Animation Film award at Anifest 2009. Dufková subsequently published a book with the same title. Her works are characterised by excellent animation quality and visual stylisation, and skillfully combine the worlds of children and adults. Living Large is her first feature film.

PGC24 - IL TEMPO CHE CI VUOLE
2024-11-13 20:00 - 22:30 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
Il tempo che ci vuole
Regia: Francesca Comencini; sceneggiatura: Francesca Comencini; interpreti: Fabrizio Gifuni, Romana Maggiora Vergano, Anna Mangiocavallo; produzione: Kavac Film, Les films du Worso, IBC Movie, One Art, Rai Cinema; distribuzione italiana: 01 Distribution.
Presentato Fuori Concorso alla 81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, Francia, 2024, 110’. Versione originale in italiano.
SINOSSI
La regista Francesca Comencini esplora il rapporto con il padre, il regista Luigi Comencini, in un viaggio emotivo composto di ricordi condivisi. La storia si dipana tra momenti di intimità e conflitto, rivelando come la passione per il cinema abbia influenzato la loro relazione. Francesca, una giovane ragazza alle prese con la propria identità, si confronta con le aspettative e la fama del genitore, sentendosi spesso inadeguata. Mentre la vita di Francesca è segnata da eventi storici e personali complessi, il film mette in luce i legami familiari e le sfide della crescita. Attraverso il potere del cinema, i due protagonisti cercano di riconciliarsi, scoprendo la bellezza e le difficoltà del rapporto tra padre e figlia.
NOTE DI REGIA
Dopo tanti anni passati a fare il suo stesso lavoro cercando di essere diversa da lui, ho voluto raccontare quanto ogni cosa che sono la devo a lui: ho voluto rendere omaggio a mio padre, al suo modo di fare cinema, al suo modo di essere, all’importanza che la sua opera e il suo impegno hanno avuto per il nostro cinema, all’importanza che la sua persona ha avuto per me. Forse, mi sono detta, forse ora sono abbastanza anziana, ne sono capace, forse ora sarò all’altezza di questo racconto. Forse, ora, è arrivato il momento di dirgli grazie.
BIO REGISTA
Francesca Comencini è una regista e sceneggiatrice italiana, figlia del regista Luigi Comencini. Dopo aver iniziato gli studi in Filosofia, negli anni Ottanta abbandona l’università per dedicarsi al cinema. Fa il suo esordio con Pianoforte (1984), seguito da opere significative come Mi piace lavorare (2004), presentato al Festival di Berlino e vincitore del Premio della giuria ecumenica. Tra i suoi film, ricordiamo Lo spazio bianco (2009) e Un giorno speciale (2012), entrambi presentati alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Nel 2014, collabora a Gomorra – La serie, e nel 2015 riceve il Premio Cipputi alla carriera al Torino Film Festival.
PLOT
Director Francesca Comencini explores her relationship with her father, filmmaker Luigi Comencini, in an emotional journey of shared memories. The story unfolds between moments of intimacy and conflict, revealing how the passion for cinema influenced their relationship. Francesca, a young girl struggling with her own identity, is confronted with the expectations and the fame of her parent, often finding herself feeling inadequate. While Francesca’s life is marked by complex historical and personal events, the film highlights family ties and the challenges of growing up. Through the power of cinema, the two protagonists try to reconcile, discovering the beauty and difficulties of their father-daughter relationship.
DIRECTOR’S NOTE
After so many years spent doing the same job as him, trying to be different from him, I wanted to tell how much everything I am I owe to him: I wanted to pay homage to my father, to his way of making films, to his way of being, to the importance that his work and his commitment have had for our cinema, to the importance that the person he was has had for me. Perhaps, I said to myself, perhaps now I am old enough, perhaps now I am capable, perhaps now I will live up to this legacy. Perhaps, now, the time has come to say thank you.
DIRECTOR’S BIO
Francesca Comencini is an Italian film director and screenwriter, daughter of director Luigi Comencini. After beginning her studies in Philosophy, she dropped out in the 1980s to devote herself to cinema. She made her debut with Pianoforte (1984), followed by significant works such as Mi piace lavorare (2004), presented at the Berlin Film Festival and winner of the Ecumenical Jury Prize. Her film credits include Lo spazio bianco (2009) and Un giorno speciale (2012), both presented at the Venice International Film Festival. In 2014, she collaborated on Gomorra – La serie, and in 2015 she received the Cipputi Lifetime Achievement Award at the Turin Film Festival.

ZERO IN CONDOTTA: LABORATORIO DI SCRITTURA CRITICA
2024-11-13 18:00 - 20:00 | Cineteca Milano Biblioteca Morandini, Via Tofane 49, Milano, Italia
RACCONTARE IL CINEMA SPERIMENTALE: BEN RIVERS
Il primo laboratorio di critica cinematografica di Cinema on the Docks si concentra su come avvicinarsi al cinema sperimentale, con la sua pratica unica che si riconfigura per ogni cineasta. Quali parole usare per un cinema che ambisce a una libertà di linguaggio?
Due incontri laboratoriali e una masterclass per addentrarsi nel mondo della critica e della programmazione cinematografica, incontrando gli autori che stanno contrassegnando il cinema contemporaneo.
– 30 ottobre, ore 18: Laboratorio di scrittura critica
– 8 novembre, ore 16: Masterclass con Ben Rivers
– 13 novembre, ore 18: Laboratorio di scrittura critica

PGC24 - GUERRA E PACE
2024-11-13 17:30 - 19:00 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Guerra e Pace
Regia: Martina Parenti, Massimo D’Anolfi; produzione: Montmorency Film, RAI Cinema, CSC – Centro Sperimentale di Cinematografia Production, Lomotion, Cinémathèque suisse, SRF – Schweizer Radio und Fernsehen; distribuzione italiana: Istituto Luce Cinecittà.
Presentato in concorso nella sezione Orizzonti della 77° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.
Italia, Svizzera, 2020, 128’. Documentario. Versione originale in italiano.
SINOSSI
Guerra e Pace esplora il legame centenario tra cinema e conflitto, dal primo incontro nel 1911 con l’invasione italiana in Libia fino alle riprese odierne effettuate con smartphone. Il documentario di Massimo D’Anolfi e Martina Parenti è articolato in quattro capitoli — passato remoto, passato prossimo, presente e futuro — che ricompongono frammenti della memoria visiva dal Novecento a oggi. Quattro istituzioni europee ospitano la narrazione, dove pace e guerra coesistono. Il film riflette sull’uso delle immagini nei conflitti, dall’importanza della documentazione visiva al ruolo dell’Unità di Crisi della Farnesina e l’addestramento militare. Attraverso queste immagini, il documentario solleva interrogativi sulle conseguenze della guerra, la memoria storica e il confine sottile tra voyeurismo e necessità di ricordare.
NOTE DI REGIA
La prima intuizione di Guerra e Pace è nata un giorno di fronte un’ambasciata italiana in una capitale straniera. Ci siamo domandati che funzione e che valore potessero avere ancora questi palazzi privilegiati e, più genericamente, quale fosse il senso dell’attività diplomatica in un mondo in cui la comunicazione e le notizie viaggiano a una velocità fuori da ogni controllo. Crediamo che oggi più che mai sia necessario ripensare agli strumenti che prevengono, limitano, contengono i conflitti in favore del dialogo tra uomini e istituzioni. […] Abbiamo dunque deciso di riflettere sulle immagini del passato e del presente non solo come strumento di guerra, ma anche come possibile strumento di pace.
BIO REGISTA
Massimo D’Anolfi (nato nel 1974) e Martina Parenti (nata nel 1972) sono registi, sceneggiatori e produttori italiani. Esordiscono nel 2007 con I promessi sposi, presentato al Festival di Locarno. Nel 2009 realizzano Grandi speranze, anch’esso presentato a Locarno. Con Il Castello (2011), vincono premi a Toronto e Torino. Nel 2013, il loro Materia Oscura viene selezionato al Festival di Berlino. L’Infinita Fabbrica del Duomo (2015) è presentato a Locarno, mentre Spira Mirabilis (2016) compete alla Mostra del Cinema di Venezia. Tra il 2018 e il 2022 realizzano Blu, Guerra e Pace e Una giornata nell’Archivio Piero Bottoni. Il loro ultimo film, Bestiari, Erbari, Lapidari (2024), è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia.
PLOT
War and Peace explores the century-long link between cinema and conflicts, from the first encounter in 1911 with the Italian invasion of Libya to today’s smartphone recordings. Massimo D’Anolfi and Martina Parenti’s documentary is divided into four chapters — the distant past, the near past, the present and the future —recomposing fragments of visual memory from the 20th century to the present. Four European institutions host the narrative, where peace and war coexist. The film reflects on the use of images in conflicts, from the importance of visual documentation to the role of the Farnesina Crisis Unit and military training. Through these images, the documentary raises questions about the consequences of war, historical memory and the fine line between voyeurism and the imperative of remembering.
DIRECTOR’S NOTE
War and Peace was first conceived one day in front of an Italian embassy in a foreign capital. We wondered what function and value these privileged palaces could still have and, more generally, what was the sense of diplomatic activity in a world where communication and news travel at a speed beyond all control. We believe that today more than ever, it is necessary to rethink the instruments that prevent, limit, contain conflicts in favor of dialogue between people and institutions […]. We have therefore decided to reflect on the images of the past and present not only as an instrument of war, but also as a possible instrument of peace.
DIRECTOR’S BIO
Massimo D’Anolfi (born in 1974) and Martina Parenti (born in 1972) are Italian directors, screenwriters and producers. They made their debut in 2007 with The Betrothed, presented at the Locarno Festival. In 2009 they made Great Expectations, also presented at Locarno. With The Castle (2011), they won awards in Toronto and Turin. In 2013, their Dark Matter was selected at the Berlin Film Festival. The Never Ending Factory of the Duomo (2015) is presented at Locarno, while Miraculous Spiral (2016) competed at the Venice Film Festival. Between 2018 and 2022 they made Blu, War and Peace and A Day in the Piero Bottoni Archive. Their latest film, Bestiari, Erbari, Lapidari (2024), was presented at the Venice Film Festival.

PGC24 - MY SUNSHINE
2024-11-13 17:30 - 19:00 | Cineteca Milano Arlecchino, Via San Pietro all'Orto 9, Milano, Italia
My Sunshine
Boku no ohisama
Regia: Hiroshi Okuyama; sceneggiatura: Hiroshi Okuyama; interpreti: Sosuke Ikematsu, Keitatsu Koshiyama, Kiara Nakanishi; produzione: Tokyo Theaters, Comme des Cinémas, The Asahi Shimbun Company; distribuzione: Charades.
Presentato nella sezione Un Certain Regard della 77° edizione del Festival di Cannes.
Giappone, Francia, 2024, 90’. Versione originale con sottotitoli in italiano. Opera seconda. Anteprima italiana.
Film eleggibile per il Premio Fondazione AEM – Ciak: l’ambiente! di Festival Piccolo Grande Cinema 2024.
SINOSSI
Sull’isola giapponese di Hokkaido, la vita ruota attorno al cambio delle stagioni. A scuola, l’inverno è il periodo dell’hockey su ghiaccio, e Takuya, un ragazzino timido ma vivace, non ne è troppo entusiasta. Il suo vero interesse è rivolto a Sakura, una giovane stella del pattinaggio artistico, da poco trasferitasi da Tokyo. Un giorno, mentre gioca sul ghiaccio dopo la scuola, l’allenatore ed ex campione Arakawa nota il potenziale di Takuya e decide di allenarlo insieme a Sakura per una competizione. Nonostante i loro caratteri estremamente diversi, i due ragazzi sviluppano un’inaspettata ed armoniosa intesa, crescendo insieme mentre l’inverno si trasforma in primavera. La loro preziosa connessione si rifletterà nel passaggio delle stagioni.
NOTE DI REGIA
Mi sono sempre detto che un giorno avrei fatto un film sul pattinaggio artistico, una disciplina che ho conosciuto fin da bambino. Ma non ci sono mai riuscito. Ho dovuto accettare che il semplice invocare i ricordi non basti per fare un film. Poi ho scoperto la canzone My Sunshine di Humbert Humbert, e ascoltandola ogni giorno, la storia che avevo bisogno di raccontare ha iniziato a prendere forma. Contemporaneamente, ho incontrato Sōsuke Ikematsu[l’attore che interpreta il personaggio di Arakawa,] e ho capito che se fossi riuscito a riprodurre il suo fascino sullo schermo, avrei potuto realizzare il film.
BIO REGISTA
Hiroshi Okuyama è nato a Tokyo nel 1996. È sceneggiatore, direttore della fotografia, montatore e regista dei suoi film. Nel 2009, all’età di 13 anni, ha diretto il video musicale Graduationparty!!!!!, presentato in anteprima al Kyoto International Film Festival. Nel 2016 e nel 2018 ha realizzato due cortometraggi: The Swan Smiles e Tokyo 21st October. Nel 2018 ha ricevuto il premio come Miglior Nuovo Regista al San Sebastián International Film Festival e il premio per la Miglior Fotografia allo Stockholm Film Festival per il suo primo lungometraggio Jesus. Nel 2023 ha collaborato con Hirokazu Kore-eda alla sceneggiatura della serie Makanai: Cooking for the Maiko House.
PLOT
On the Japanese island of Hokkaido, life revolves around the change of the seasons. At school, winter is the time for ice hockey, but Takuya, a shy but lively boy, is not too keen on it. His real interest lies in Sakura, a young figure skating star who has recently moved from Tokyo. One day, while playing on the ice after school, the coach and former ice hockey champion Arakawa notices Takuya’s potential and decides to train him together with Sakura for a competition. Despite their extremely different characters, the two children develop an unexpected and harmonious understanding, growing together as winter turns into spring. Their precious connection will be reflected in the passage of the seasons.
DIRECTOR’S NOTE
I always told myself that one day I would make a film about figure skating, which I was introduced to as a child. But I couldn’t manage it. I had to accept that invoking memories alone isn’t enough to make a film. Then I discovered the song My Sunshine by Humbert Humbert, and as I listened to it daily, the story I needed to film began to take shape. At the same time, I met Sōsuke Ikematsu, and I was convinced that if I could translate his charm onto the screen, I could make the film.
DIRECTOR’S BIO
Hiroshi Okuyama was born in Tokyo in 1996. He is the screenwriter, cinematographer, editor and director of his own films. In 2009, at the age of 13, he directed the music video Graduationparty!!!!!, which premiered at the Kyoto International Film Festival. In 2016 and 2018 he made two short films, The Swan Smiles and Tokyo 21st October. In 2018 he received the Best New Director award at the San Sebastián International Film Festival and the Best Cinematography award at the Stockholm Film Festival for his first feature film Jesus. In 2023 he collaborated with Hirokazu Kore-eda on the screenplay for the series Makanai: Cooking for the Maiko House.

PGC24 - LE VITE DEGLI ALTRI
2024-11-13 15:00 - 17:30 | Cineteca Milano MIC – Museo Interattivo del Cinema, Viale Fulvio Testi 121, Milano, Italia
Le vite degli altri
Das Leben der Anderen
Regia: Florian Henckel von Donnersmarck; sceneggiatura: Florian Henckel von Donnersmarck; interpreti: Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur; produzione: Wiedemann & Berg, Bayerischer Rundfunk, Creado Film, Arte; distribuzione italiana: 01 Distribution.
Vincitore del Premio Oscar® per il Miglior Film Straniero nel 2007. Vincitore del Premio BAFTA come Miglior Film Non in Lingua Inglese e del Premio César come Miglior Film Straniero nel 2008.
Germania, 2006, 137’. Versione doppiata in italiano.
SINOSSI
Berlino Est, 1984. Il capitano Gerd Wiesler è l’abile, spietato solerte agente della famigerata Stasi, la Polizia di Stato che crea un clima di terrore tra i cittadini della DDR. Per la sua abilità e lealtà gli viene affidato il compito di mettere sotto stretta sorveglianza il drammaturgo di successo Georg Dreyman, fra i più importanti intellettuali del regime comunista. La missione è anche caldeggiata dal ministro della cultura Bruno Hempf, innamorato della compagna di Dreyman, l’attrice Christa-Maria Sieland, e desideroso di sbarazzarsi di lui per avere campo libero. Wiesler installa microspie nell’appartamento del drammaturgo, ma ascoltare la vita della coppia cambia qualcosa in lui, che, affascinato dalla loro arte e umanità, diventa sempre più coinvolto emotivamente e mettendo in questione tutti i suoi ideali.
BIO REGISTA
Florian Henckel von Donnersmarck, nato a Colonia nel 1973, è un regista e sceneggiatore tedesco. Ha studiato letteratura a Oxford, filosofia a San Pietroburgo e regia all’Università di Televisione e Cinema di Monaco. Il suo film d’esordio, Le vite degli altri (2006), ha ricevuto l’Oscar® per il miglior film straniero, il BAFTA, il David di Donatello e il César. Successivamente, ha diretto The Tourist (2010), che ha ottenuto tre nomination ai Golden Globe. Nel 2018, il suo film Opera senza autore è stato candidato agli Oscar® come Miglior Film Straniero e per la Miglior Fotografia.
PLOT
East Berlin, 1984. Captain Gerd Wiesler is the skilful, ruthless agent of the notorious Stasi, the State Police that creates a climate of terror among the citizens of the GDR. Because of his skill and loyalty, he is entrusted with the task of putting the successful playwright Georg Dreyman, one of the most important intellectuals of the communist regime, under close surveillance. The mission is wanted by Culture Minister Bruno Hempf, who is in love with Dreyman’s companion, actress Christa-Maria Sieland, and eager to get rid of him in order to make his move. Wiesler installs bugs in the playwright’s flat, but listening to the couple’s life changes something in him, who, fascinated by their art and humanity, becomes more and more emotionally involved and questions all his ideals.
DIRECTOR’S BIO
Florian Henckel von Donnersmarck, born in Cologne in 1973, is a German film director and screenwriter. He studied literature at Oxford, philosophy at St. Petersburg and directing at the University of Television and Film in Munich. His debut film, The Lives of Others (2006), received an Oscar® for Best Foreign Language Film, a BAFTA, a David di Donatello and a César. Subsequently, he directed The Tourist (2010), which garnered three Golden Globe nominations. In 2018, his film Werk ohne Autor was nominated for an Oscar® for Best Foreign Language Film and Best Cinematography.
